NEO Y POSTIMPRESIONISMO

CONTINUACIÓN IMPRESIONISMO.
Hacia 1880, el impresionismo provocó una serie de revisiones. La primera de ellas se denomina neoimpresionismo.
GEORGES SEURAT (1859-1891) Creador del puntillismo. La pintura se coloca en pequeños puntos de color puro, es el ojo del espectador el que los mezcla. Este tipo de pintura obliga a una labor de estudio minuciosísima y opuesta a la pintura al aire libre, las composiones están extraordinariamente calculadas. Entre sus obras más importantes están "Los bañistas de Asnières" (National Gallery. London) cuadro de gran formato que muestra una parte del Sena, al noroeste de París. Al fondo se ven grandes fábricas y, en primer plano, los obreros de la industria descansando en su día libre. Fue pintado siguiendo la técnica impresionista pero más tarde rehizo algunas zonas del cuadro con la técnica puntillista. "Domingo por la tarde en la isla de la Grand Jatte" (Art Institute. Chicago) Óleo sobre lienzo donde crea un ambiente estático e inmóvil. El espacio se organiza en planos estratificados, superpuestos; en ellos se colocan las figuras como siluetas recortadas -muchas aparecen de perfil, reflejo de la influencia del arte egipcio-. Guarda algunos elementos comunes con su obra anterior; por ejemplo, la línea en diagonal de la ribera del río. En la composición se aprecian tres grandes áreas: a) la superficie del agua del Sena, b) el césped iluminado por el sol y c) la parte de césped bajo la sombra de los árboles.

PAUL CÉZANNE (1839-1906) Concibe el cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos. Escoge la manzana como pieza imprescindible en sus bodegones, ella le suministra una forma elemental geométrica: la esfera. Su pincelada se distribuye de forma ancha y cuadrada. Es el más obvio precursor del cubismo. "Jugadores de cartas" (Museo d'Orsay. París) Escena de género abordado de modo distinto al habitual. El color es predominantemente cálido; las pinceladas breves, superpuestas, modelan los volúmenes y los objetos. La botella actúa como aparente eje de simetría, pero las dos mitades resultantes son ligeramente desiguales. La verdadera tensión de la composición recae en la mesa y en las manos de los jugadores.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) Pintor holandés que se instala en Francia. Vivió con Gauguin durante un tiempo. El uso de colores violentos y arbitrarios y el afán expresivo de su obra le llevron a ir más allá del impresionismo y abrir un mundo de posibilidades a fauvistas y expresionistas. Es uno de los pintores que en más ocasiones se ha autorretratado. Las naturalezas muertas son otros de los temas importantes de su producción, uno de los más bellos ejemplos es "Los girasoles" (Tate Gallery. London) serie de siete cuadros pintada un año antes de que Gauguin llegara a Arlés, los realizó para adornar la casa. La textura está conseguida a base de pequeños toques en relieve, con pinceladas fuertes, largas y agresivas. Obra innovadora en el uso de todo el espectro del color amarillo. "Noche estrellada" (MOMA. New York) Paisaje nocturno repleto de estrellas, la pincelada es sinuosa y rápida. En primer término aparecen dos cipreses que marcan un dinamismo vertical junto con la aguja de la iglesia del pueblo, éstos contrastan con el remolino horizontal de las estrellas. La paleta no pretende ser fiel al modelo, sino transmitir las impresiones personales del artista en el momento de pintarlo.

PAUL GAUGUIN (1848-1903) El interés por conocer otras tierras fue una constante en su vida. Pone de manifiesto en su obra la importancia que da al color, elemento que utiliza de manera arbitraria en amplias zonas planas claramente delimitadas por la línea. "Muchachas con flores de mango" (Metropolitan Museum of Art. New York) Los contornos de las figuras están claramente delimitados predominando los trazos curvilíneos. Las pinceladas son amplias y los colores vivos y planos. El fondo completamente abstracto y de diferentes matices entre el verde y el amarillo, consigue resaltar las figuras femeninas en primer plano.
"Ta Matete" (Kunstmuseum. Basilea) Inspirado en un fresco egipcio que conservaba en una fotografía. Se percibe esta influencia en la disposición de las figuras, inmóviles, que se yuxtaponen de perfil. Las mujeres se recortan, casi planas, sobre el fondo. Las protagonistas son las prostitutas que se ofrecían a los turistas occidentales en el mercado de Papete. Utiliza un colorido muy vivo: amarillos, naranjas, rojos, grises, azules, en contraste con los tonos marrones de los rostros.

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) De familia noble, en 1883 entra en la Academia de Cormon donde conoce a Van Gogh y se harán amigos. Es el creador del cartel, los primeros son los que hace para el Moulin Rouge. Se caracteriza por un dibujo rápido que nos permite establecer un paralelismo con Degas. "En el Moulin Rouge" (Art Institute. Chicago) Recoge alrededor de una mesa a varios de sus amigos. Gran influencia de la fotografía y de la estampa japonesa. Composición marcada por una profunda diagonal. El color y la luz pasan a un segundo plano; las figuras con sus expresiones y actitudes le llaman más la atención.

IMPRESIONISMO

CARACTERÍSTICAS
La breve historia del impresionismo se inicia en 1874 cuando se celebró una exposición en la galería parisina NADAR donde se cuelgan lienzos de varios pintores, entre ellos Claude Monet, que tituló a uno de los que presentaba Impresión. Sol naciente. Palabra que fue recogida burlescamente por la crítica, que bautizó al nuevo movimiento con el nombre despectivo de Impresionismo.
Su técnica consiste en:
Pintura generalmente al óleo; algunos pintores emplean el pastel sobre papel. La luz centra todo su interés, pintan al aire libre y emplean una factura rápida capaz de captar algo cambiante. Usan los colores puros en el lienzo para que sea la retina del espectador la que realice la fusión y cree el nuevo color. La pintura es rica en pasta por lo que la superficie del cuadro resulta rugosa y normalmente, mate. La línea es un valor en retroceso, la pincelada y el color son los valores dominantes. Esta pintura tiene un poderoso rival: la fotografía. Se enriquece con nuevos temas: los bulevares, las calles trepidantes, los jardines, las carreras de caballos... Esencialmente el pintor impresionista sabrá pintar el agua. El negro queda proscrito por ser la negación de la luz.
Principales representantes:

ÉDOUARD MANET (1832-1883) Considerado precursor del movimiento. Su pintura es bastante antiacadémica tanto en los temas, escandalosos como Olimpia, Almuerzo en la hierba, etc., como la manera de aplicar el color mediante grandes superficies buscando a veces contrastes bruscos, y otras, armonías de claros sobre claros. Siente entusiasmo por la escuela y los temas españoles. Velázquez y sobre todo Goya tendrá influencia sobre él.
"Le Déjeuner sur l'herbe" (Museo d'Orsay. París) obra basada en El concierto campestre de Giorgione. Escandalizó a la sensibilidad contemporánea porque colocaba a las dos jóvenes 'desnudas' acompañadas por dos hombres vestidos en una situación considerada indecente. Las formas están pintadas muy ligeramente. En el fondo -que carece de profundidad- del paisaje, el follaje y los reflejos del agua están simplemente insinuados con pinceladas flojas; sin embargo, la orilla del arroyo y los troncos de los árboles están definidas por contrastes tonales de tipo pictórico.
"Olympia" (Museo d'Orsay. París) Inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. Transforma la diosa romana del amor en una cortesana parisina y coloca a una sirvienta negra y a un gato del mismo color sobre un fondo oscuro. La luz violenta ilumina de frente.

CLAUDE MONET (1840-1926) Es quien verdaderamente define el Impresionismo. Pinta numerosas series como 'La catedral de Rouen', 'Estación de San Lázaro', 'Acantilados', etc. todas ellas traducen las más sutiles modificaciones de la atmósfera.
"Impresión. Sol naciente" (Museo Marmottan. París) Tres botes de remos navegan por el puerto de Le Havre, mientras al fondo, entre la espesura de la niebla matinal y el humo de las fábricas, sale el sol. Las pinceladas son sueltas, persiguen conseguir sutiles efectos de luz.
"La Catedral de Rouen" (Museo d'Orsay. París) La serie está compuesta por 20 telas y obedece al principio impresionista del encuadre casual. La pintó a diferentes horas del día. El edificio no es más que un fondo, una excusa, para mostrar al auténtico protagonista de la composición: la capacidad de la pintura de representar la cualidad dinámica de la luz y el ambiente, que es capaz de dar vida a algo tan pétreo e inanimado como la imponente fachada de la catedral gótica.

EDGAR DEGAS (1841-1919) Además de pintar al óleo, lo hizo al pastel, técnica en la que fue un auténtico maestro. Combinaba la fuerza gráfica de la línea con un gran sentido del color. Sus encuadres fueron muy originales: introducía puntos de vista insólitos que hacían que el espectador se sintiera casi dentro de la obra. Sus composiones desequilibradas provienen de la influencia que recibe de la fotografía y de los grabados japoneses. Se muestra interesado por el escorzo y el movimiento. "La clase de danza" (Museo d'Orsay. París) Es un tema recurrente en la obra del pintor. Sentía especial predilección por los ensayos y los descansos. Es una composición cuidadosamente construida creando una sutil diagonal, desequilibrada y asimétrica. El contraste entre el espacio vacío de la parte inferior del lienzo es un recurso que aparece a menudo en sus trabajos. El encuadre es producto de la técnica fotográfica.

PIERRE AUGUSTE RENOIR (1834-1917) En su juventud trabaja decorando porcelanas y pintando abanicos a partir de cuadros rococó; tales orígenes pudieron influir en la elección de sus temas amables y la suavidad algodonosa de su pincelada.
"Le Moulin de la Galette" (Museo d'Orsay. París) La Galette era un café frecuentado por artistas y modistillas. Es una obra muy compuesta y equilibrada, si trazamos dos diagonales desde las cuatro esquinas nos damos cuenta de que se cruzan en el lugar aproximado donde se encuentran los dos rostros de dos jóvenes, las hermanas Estelle y Jeanne. Los contrastes de luz y sombra indican que el sol se filtra entre las hojas de las acacias.
"El almuerzo de los remeros" (Colección Philips. Washington) La escena se desarrolla en un restaurante a orillas del Sena, en el que representa a sus amigos de una forma natural y espontánea, como en una fotografía. Refleja su maestría en las naturalezas muertas a través de los objetos y los alimentos situados sobre la mesa. Emplea una factura libre y rápida, con la paleta del arco iris. A diferencia de otros impresionistas ha utilizado el color negro.

ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

En las primeras décadas del siglo XIX, la arquitectura europea estaba aprendiendo a convivir con la diversidad.
No hay un estilo de época cerrado en sí mismo. Es un periodo en el que se entrecruzan diferentes tendencias, con una cierta confusión, pero sobre todo, está marcado por el enfrentamiento entre tradición arquitectónica, que va perdiendo contacto con la realidad de la época, y las nuevas técnicas, materiales y necesidades aportados por la Revolución Industrial.
Esta circunstancia provoca una escisión de la conciencia artística en dos tendencias que se prolongarán a lo largo de todo el siglo:
HISTORICISMOS: inspirados en los estilos del pasado.
CORRIENTES RENOVADORAS: plantean nuevas soluciones a nuevos problemas.

HISTORICISMOS
Son retornos o revitalizaciones de los estilos del pasado. La exaltación nacionalista es uno de los motivos por los que el arquitecto del siglo XIX ahonda en el pasado para encontrar el estilo que mejor caracteriza a un pueblo.
Así es como surgen el Neogótico, Neorrománico, Neomudéjar o Neobarroco, entre otros muchos estilos.
Tipología: los edificios se adaptan a las nuevas necesidades y costumbres de esta sociedad. Se construyen:
Espacios para albergar las Exposiciones Universales, estaciones de ferrocarril, puentes, fábricas, bibliotecas, museos y grandes almacenes.
Las primeras iniciativas sobre la restauración de edificios antiguos es otro de los aspectos que caracterizaron este siglo XIX. Aparecen figuras como RUSKIN (1819-1900) en Inglaterra y VIOLLET-LE-DUC (1814-1879) en Francia que aportan teorías y criterios de restauración que perviven hasta nuestros días.

A) NEOGÓTICO
Fue el historicismo más importante. Se inició en Inglaterra hacia 1750 y se puso de moda coincidiendo con el Romanticismo.
Una de las obras más representativas es el Parlamento de Londres de CHARLES BARRY. Se extiende sobre una plataforma de hormigón a lo largo de casi tres hectáreas al borde del rió Támesis. Los muros son de ladrillo y piedra, materiales tradicionales que se aliaron con otros más nuevos como el hierro fundido del que estaban hechas algunas columna.

En Europa, en concreto en la España de la Restauración, el templo de mayores proporciones concebido en este estilo es la “Catedral de la Almudena”, trazada por el MARQUES DE CUBAS, y del que sólo se llegó a construir una pequeña parte.

B) LA AVENTURA COLONIAL
De las colonias, principalmente de las de Asia, retornará a las metrópolis europeas toda una exótica cultura: Palacios, invernaderos, cafés, monumentos, etc. adquirirán aires indios, árabes e incluso chinos. Ejemplo de ello es el Royal Pavillion en Brighton. Realizado por JOHN NASH.

CORRIENTES INNOVADORAS.

LA ARQUITECTURA DEL HIERRO
Hay una serie de condiciones que influyen para su aparición como el nacimiento de nuevos medios de comunicación: el ferrocarril, que exige estaciones, puentes y en general grandes obras públicas. Son necesarios Museos y Bibliotecas. Por otra parte la gran riqueza producida requiere la conquista de mercados, con lo que surgen las grandes exposiciones internacionales con sus enormes instalaciones provisionales que exigen un alto desarrollo de la técnica constructiva, principalmente EL HIERRO.
También se usará el vidrio, y más tarde el cemento. Desde 1845 se impone el acero.
Los muros se desvalorizan estructuralmente. Son simples cerramientos, muros-cortina, sin otra función pues la carga está sustentada por el armazón interno.
La decoración: es escasa e incluso, en ciertos casos inexistente. Muestra respeto por la simetría, proporción y armonía.
Tipos de edificios: acordes con los nuevos tiempos como los puentes, fábricas, invernaderos, estaciones de ferrocarril, mercados, edificios para exposiciones, almacenes con escaparates…

PUENTES:
En 1779 se construye el primer puente de hierro en el mundo, el de Coalbrookdale en Inglaterra. Diseñado por ABRAHAM DARBY y T. F. PRITCHARD para cruzar el río Severn, propenso a crecidas. Con un arco casi semicircular.
Los puentes de Oporto sobre el río Duero, construidos por la COMPAÑÍA EIFFEL. Destacan el de María Pía (1875) y el de Luis I (1880). Cubren los 160 metros de anchura del río con un solo arco. Se apoyan sobre una base de piedra y se completan con dos pilares metálicos a cada lado.

EXPOSICIONES UNIVERSALES
Albergaban un enorme conjunto de productos, máquinas, nuevos inventos, etc. por tanto exigían grandes pabellones. Se construyen con los medios técnicos más avanzados, ejemplo de ello son:
Cristal Palace (Londres) Situado en Hyde Park y proyectado por JOSEPH PAXTON en 1850-1851. fue construido para la primera exposición universal que tendría una duración de 9 meses (por ello se exigía que los materiales pudieran crear un espacio cerrado y luminoso, ser empleados de nuevo y que pudiera desmontarse). Sólo el hierro podía resolver estos problemas.
Tenía planta basilical de cinco naves con crucero central abovedado.
La Exposición de París de 1889 organizada en el Campo de Marte, abarca un conjunto articulado de edificios entre los que destaca LA TORRE EIFFEL. Realiza con piezas prefabricadas de hierro la Torre de 300 metros de altura, el edificio más alto jamás construido.
Cuatro grandes arcos sirven de base a la Torre y tiene dos plataformas. Estas líneas curvas le proporcionan un perfil muy agradable, además de prepararla para resistir el viento.

EDIFICIOS PÚBLICOS: BIBLIOTECAS
Biblioteca de Sainte Geneviève (París) Diseñada por el arquitecto e ingeniero HENRI LABROUSTE. Su sala de lectura principal del segundo piso es actualmente muy admirada, está dividida en dos naves cubiertas con bóveda de cañón y una hilera central de delgadas columnas de hierro sobre pedestales de piedra.
Biblioteca Nacional (París)
Obra maestra del mismo arquitecto-ingeniero iniciada en 1868. Tiene una espléndida sala de lectura cubierta por nueve ligeras cúpulas de terracota que descansan sobre 16 columnas de hierro y arcos. Todas ellas tienen una abertura circular en su centro a modo de lucernario (óculos).

ESTACIONES DE FERROCARRIL
“La Estación de Crown Street” en Liverpool, de 1830, tenía todas las características básicas de lo que sería en un futuro: el patio de vehículos, una sala de venta de billetes y de espera, y la plataforma en la que se alcanzaban los vagones bajo la cubierta de una nave.
Hacia 1845 se logró, gracias al hierro, un espacio diáfano sencillo de 65 metros en la “Estación de New Street”, en Birmingham. Y un espacio triple con una anchura casi total de casi 74 metros en la segunda “Estación de Paddington” en Londres.

ESCUELA DE CHICAGO
Se produce un rechazo paulatino a las obras de tipo historicista, especialmente en USA. Esta Escuela tiene especial relieve por dos razones:
1. la creación del rascacielos.
2. los arquitectos y no los ingenieros fueron los que emprendieron esta renovación.

HENRY HOBSON RICHARDSON (1838-1886)
Estudia en París, licenciado en Harvard, considerado como el primer arquitecto americano moderno. Su obra más famosa, donde aplica el lenguaje neorrománico:
EDIFICIO “MARSHALL FIELD WHOLESALE STORE” (CHICAGO) De cuatro esquinas y marrón, ocupaba una manzana urbana entera y utilizaba estructura de hierro no visto. Edificio de oficinas de gran sobriedad y unidad vertical que recuerda a un palacio renacentista.
Hoy este edificio está demolido.
Aquí en Chicago, se va a formar en el último tercio del siglo la escuela americana más importante de arquitectura. La vieja ciudad fue destruida por un incendio en 1871, y el ánimo emprendedor de los ciudadanos les lleva a construir cantidad de edificios en un breve periodo de tiempo.
De toda la escuela de Chicago la figura más trascendente es:
LOUIS SULLIVAN (1856-1924)
Es el que sitúa la arquitectura norteamericana por primera vez a nivel internacional. Arquitecto, ingeniero y poeta, además de excelente decorador, estudia inicialmente en América, viaja después a París donde estudia también y vuelve a Estados Unidos.
Prestigioso teórico. Entre sus obras destacan EL AUDITORIUM BUILDING (Chcago) y los ALMACENES CARSON, PIRIE Y SCOTT (Chicago).

WILLIAM MORRIS Y LOS “ARTS AND CRAFTS”
Paralelamente a la Escuela de Chicago se da en Inglaterra, a mediados de siglo, un interesante movimiento que tiene raíces sociales y filosóficas y que influirá definitivamente en el diseño arquitectónico e industrial de fin de siglo: la obra de William Morris y sus Arts and Crafts (Artes y Of icios).
John Ruskin –el crítico de arte más influyente del siglo XIX- y los miembros de la Hermandad Prerrafaelita –grupo de pintores ingleses del siglo XIX que tomó como modelos a los pintores anteriores a Rafael- dieron clase en las escuelas estatales e inculcaron a sus estudiantes, los orfebres, joyeros, ebanistas, litógrafos y delineantes de la época, sus ideas sobre la fidelidad a la naturaleza y sobre la capacidad del arte para hacer el bien.
Morris sigue las teorías de Ruskin. Estudió en Oxford, donde fue amigo del pintor Burne-Jones y otros artistas con los que forma un grupo que se reúne para leer teología, literatura medieval, a Ruskin y a Tennyson.
Decide construirse una casa en la que se plasmen sus propios ideales artísticos. Philip Webb, un amigo de Morris, realizó el proyecto, llamada RED HOUSE, en Upton, marcó un cambio decisivo hacia un estilo más simple en el diseño de la vivienda inglesa. Se construyó en ladrillo rojo con altas agujas. Ventanas y marcos de puerta con arcos góticos, ventanas de ojo de buey, tejado de pronunciada pendiente y un jardín cuadrado y cercado. Diseñó y ejecutó la decoración, se le ocurre fundar su propio taller de artes decorativas en 1861 con Burne- Jones, Rossetti, Webb, Brown, Faulkner y Marshall. La producción estaba organizada siguiendo las líneas de los talleres medievales. En 1862 se establece el grupo con el nombre de Morris, Marshall, Faulkner and Co. y en 1865 se traslada a Londres.

La empresa de Morris diseñó todo tipo de objetos para interiores y uso diario, incluyendo papel pintado de paredes, vidrios de colores, alfombras, tejidos, tapicerías y muebles; ofrecía diseños del propio Morris, de Rossetti, de Burne-Jones, y se hizo muy popular, imponiendo estilos y formando el gusto del público.

PINTURA REALISTA. FRANCIA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

La segunda mitad del siglo XIX puede decirse que comienza en 1848, cuando en los distintos países europeos, tienen lugar revoluciones nacionales, que imponen libertades humanas, entre ellas el derecho al trabajo y se publica el ‘Manifiesto Comunista’.
La vida en Europa en esta época sigue marcada por el cambio social y económico que ha traído, y sigue trayendo consigo la actividad industrial.
Se impone el positivismo de Augusto Comte en filosofía y también el materialismo, hasta llegar a Carlos Marx (1818-1883). Mendel formula las leyes de la herencia; Rontgen descubre los rayos X; Pasteur formula la teoría sobre la bacteriología y halla la vacuna contra la rabia.
Es en definitiva una era de progreso industrial, que eleva poderosamente el nivel económico, aunque se crean los desequilibrios que generarán graves convulsiones políticas. Surge una nueva clase social: EL PROLETARIADO.
El polo del arte se instala en París, que conoce los días esplendorosos de Napoleón III y Eugenia de Montijo que, con el barón Hausmann y su reforma urbanística de la ciudad, harán de ésta la capital del continente; por tanto todo lo que allí se haga repercutirá en los demás países.
En esta época se produce la gran expansión colonial de Europa, esto favorece el gusto por lo exótico. El comercio con regiones lejanas introduce la estampa japonesa.

PINTURA REALISTA EN FRANCIA

CARACTERÍSTICAS
En esta sociedad con clases tan distanciadas y graves problemas, el realismo reivindica el apego a la realidad, la importancia de los temas cotidianos tratados de un modo objetivo sin idealizaciones ni pintoresquismos, frente a los grandes temas del pasado: religión, mitología, alegoría, historia…
Se impone la realidad como base del arte.

Decaen eternos temas de pintura. Ante todo, un gran desdén por la pintura religiosa, mientras que el tema del trabajo como problema, visto desde su ángulo doloroso, entre en la historia de la pintura.
Por otra parte, el desarrollo tecnológico ha favorecido el perfeccionamiento de la fotografía que en estos años empieza a hacer la competencia a la pintura de oficio –retrato, miniatura-. Pintura y fotografía se influyen mutuamente.
Regresan a las composiciones de pocos personajes y a los contenidos serenos, tranquilos, cotidianos, sin grandes aspiraciones.
Francia será centro de este movimiento. Entre los pintores realistas destacan:
HONORÉ DAUMIER (1808-1897)
Su formación es fundamentalmente de dibujante; por eso el perfil sinuoso y cortante de sus figuras. Colaboró con sus dibujos satíricos en varias revistas parisienses durante la mayor parte de su vida. Sus litografías le dieron fama.
Una de sus obras más significativas es:
El vagón de tercera clase (colección Oskar Reinhart. Winterthur)
En esta obra, como en gran parte de sus trabajos, el pintor marsellés desarrolla un tema reivindicativo de manera magistral: la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades.

Gran observador hace convivir en este modesto vagón a obreros con personajes de sombrero de copa. Podemos observar en primer plano y en el centro, estratégicamente ubicado en la parte inferior de la tela, a un muchacho de clase popular durmiendo. La luz entra por las ventanas del vagón. El cuadro tiene colores oscuros y tristes. Transmiten un ánimo sombrío. Apenas hay detalles meticulosos en la pintura, los trazos negros y enérgicos bastan para sugerir la circunstancia y crear atmósfera.

GUSTAVE COURBET (1819-1877)
Aprendió su técnica principalmente de Velázquez y Zurbarán, el manejo de la pintura y la interpretación de luces y sombras de Rembrandt y Frans Hals, y la composición y representación del espacio de David. Pero su temática –la descripción de la vida provinciana- le mantuvo apartado de los académicos.
El entierro en Ornans (Museo del Louvre. París)

Tratamiento del tema: la escena que representa es absolutamente cotidiana, Courbet la pinta tal como la ve: el cura realiza su oficio por rutina, los monaguillos están ajenos a la ceremonia, la presencia de los amigos y la familia se explica más por una obligación social que por un dolor real. El pintor observa los acontecimientos con una fría objetividad; pintaba lo que había visto.
Utilizó una gama cromática muy reducida con el objetivo de aumentar el dramatismo de la escena. Los personajes se distribuyen sin jerarquía alguna y el grupo está dispuesto como una barrera negra que focaliza la atención del observador. Lo único que rompe con esta homogeneidad de figuras de tamaño natural y rostros es la cruz que se eleva por encima de las cabezas, en el lado izquierdo del cuadro.
El estudio del pintor (Museo del Louvre. París)
Para numerosos críticos significa un manifiesto del Realismo. La escena del lienzo se desarrolla en el estudio de Courbet en París y está dispuesta en tres grupos: en el centro, él mismo; a la derecha, sus amigos, y a la izquierda, los pobres, los desposeídos y los perdedores.
El pintor utiliza la luz para identificar o modelar los rostros y figuras sin dejar ver ningún foco de luz real.
Si examinamos el grupo central, descubrimos una adaptación moderna del antiguo tema de las edades del hombre.

JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875)
Pinta campesinos, ajenos a las nuevas ideas políticas, campesinos que creen y oran, que bendicen el trabajo. Sus paisajes guardan un tierno romanticismo en su real factura; pero sus luces alumbran ya el camino de los impresionistas.
Las espigadoras (Museo D’Orsay. París)
Tres campesinas, retratadas sin ningún tipo de idealización, recogen con fatiga espigas bajo el sol.
Destacan con nitidez en un campo de grandes dimensiones donde el sol y el calor hacen todavía más fatigosa la recogida de las espigas; una pequeña figura a caballo en el fondo del cuadro controla la actividad de las campesinas.
En contra de la perspectiva tradicional, el horizonte está más elevado para así otorgar a la tierra un mayor protagonismo. Las pinceladas son gruesas, sueltas. Las figuras están poco dibujadas.

PINTURA ROMÁNTICA

CARACTERÍSTICAS

La llegada del Romanticismo se produce cuando aún el movimiento neoclásico se hallaba en plena euforia. Se inspira en la Edad Media.

Cultiva diversas técnicas: óleo, acuarelas, grabados y litografías. Las texturas: aparecen las superficies rugosas. La pincelada será más libre, viva, visible, llena de expresividad en algunos artistas. Profundo amor por el color frente a la predilección por el dibujo, característica del Neoclasicismo. Las composiciones son desequilibradas y complejas en la mayor parte de los casos, con escorzos violentos y dominio de líneas oblicuas y curvas. La luz es importantísima dando un carácter efectista y teatral. Se tratan temas muy variados destacando los históricos y literarios. También son importantes el retrato y el paisaje, junto con los temas religiosos y costumbristas. Este arte está ejecutado para embellecimiento de las casas de la clase burguesa. Las primeras manifestaciones las encontramos en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, con pintores visionarios como William Blake y paisajistas como Constable y Turner.
FRANCIA
El triunfo del romanticismo en Francia se logró después de una dura batalla con el neoclasicismo, la lucha comienza hacia 1817.
Pintores destacados son:
THÉODORE GÉRICAULT (1791-1824) Contemporáneo a JL David se alejó absolutamente de él en lo que a materia pictórica se refiere. El Miguel Ángel de la Capilla Sixtina y sobre todo el del 'Juicio Final' fue su mayor influencia. "La balsa de la Medusa" (Museo del Louvre. París) Obra de tema histórico de grandes dimensiones. 'La Medusa', barco del gobierno francés lleno de colonos, se hundió en 1816 en una tormenta frente a las costas de Senegal, por culpa, según se dijo, de la incompetencia del capitán. La obra pretendía denunciar la hipocresía del régimen de la Restauración. Destaca la barroca composición piramidal de cuerpos muertos y agonizantes en la que un foco de luz ilumina la escena y provoca un claroscuro contrastado. El color es sucio y terroso intencionadamente.
EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) Conoce a Géricault al que admira. Toma sus temas de la literatura, de la historia y de los episodios contemporáneos. En 1822 expone en el Salón "La barca de Dante y Virgilio" cuyo sentido romántico se acusa en la presencia de lo tenebroso y en la fuerza expresiva de los condenados. "La muerte de Sardanápalo" (Museo del Louvre. París) obra de brillante colorido, pincelada libre y falta de acabado. Inspirada en los versos de Lord Byron 'Sardanápalo', Delacroix elige el momento en el que el sátrapa, recostado en su lecho, ordena a sus eunucos que maten a sus esposas, concubinas, pajes, perros y su caballo favorito.
"La libertad guiando al pueblo" (Museo del Louvre. París) Testimonio entre alegórico y realista de la insurrección popular que tuvo lugar durante el mes de julio de 1830 en París. Hay gran movimiento y una disposición asimétrica. El movimiento de las masas se precipita hacia el espectador. Las pinceladas son sueltas y onduladas y predominan los colores neutros.

INGLATERRA
En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura inglesa experimenta un fuerte impulso gracias a la labor de dos extraordinarios retratistas: Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough.
Destacan:
JOHN CONSTABLE (1776-1837) Todos sus cuadros reproducen escenas de la campiña inglesa. Su materia es espesa y grasienta, llegando a servirse de la espátula. "El carro del heno" (National Gallery. Londres) Llama la atención la autenticidad de la escena y la intensidad de la luz que envuelve toda la escena; los colores tienen una fuerza extraordinaria -no los mezcla en la paleta, los yuxtapone mediante pequeños toques en el lienzo-.
JOSEPH M. WILLIAM TURNER (1775-1851) Influido por el pintor francés Claudio de Lorena. Es uno de los más importantes coloristas de la historia del Arte occidental. Fue el primer pintor que representó una locomotora en 'Lluvia, vapor y velocidad' (National Gallery. London) Óleo sobre lienzo. Una máquina de vapor atraviesa el puente bajo una espesa lluvia. Prodigiosa captación de la luz, el color y la atmósfera. Los colores se velan, se difuminan, se transparentan mediante una técnica de embadurnamiento y raspadura. La composición se divide en dos partes casi iguales: el cielo con la lluvia que cae ocupa la parte superior, y el río con el puente, una pequeña barca de remos y el tren, la inferior.

PINTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS

Cronológicamente arranca de la Revolución Francesa y tiene en Johann Joachim Wincklemann su teórico. Durante este período la historia de Europa está marcada por los acontecimientos franceses. PARÍS es la capital política y cultural con mayor influencia en la vida europea.
A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura no contaba con modelos clásicos, puesto que las halladas en Pompeya apenas tuvieron repercusión. Por esto los pintores se van a inspirar en los relieves.
La técnica sigue siendo el óleo sobre lienzo, también se utiliza la acuarela para tomar apuntes. La factura es corta y acabada, a textura lisa y brillante, a veces casi esmaltada.
Se pone de moda el modelo del natural. Para eso los centros oficiales contratan hombres y mujeres, que posan desnudos, o vestidos, si el estudio ha de ser de telas.
El dibujo ocupa la primacía, se inspira en la escultura; delimita las figuras, organiza los ritmos de la composición.
El color era contemplado con mucha precaución, era un elemento secundario en comparación con el modelado y el dibujo. Se busca el equilibrio entre gamas y tonos.
El modelado se consigue por suaves gradaciones de luces y sombras, por estudio tonal; las figuras tienen un volumen claro.
La luz es difusa, clara, a veces fría; ilumina todo más o menos por igual.
La perspectiva no interesa, en general no hay grandes espacios desarrollados en profundidad, quizá porque los pintores, al tomar como modelo los relieves clásicos, optan por distribuir sus figuras sobre un plano a modo de friso.
La composición busca la claridad, el equilibrio, la simetría, la ordenación de los personajes en filas paralelas y la estaticidad.

Es una pintura figurativa con fuerte carga de idealización, como ya hemos comentado al hablar de la escultura. Los temas están en la misma línea: mitología, retratos e históricos -tanto del presente como del pasado.
Invención neoclásica es el SALÓN DE EXPOSICIONES. El Estado es el primer interesado en el fomento del Arte.

PINTURA NEOCLÁSICA EN FRANCIA
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825)
Es el verdadero promotor del Neoclasicismo en Francia.
Se inspiró en los relieves grecorromanos, de los cuales toma la simetría, la falta de profundidad y la ordenación de las figuras en filas paralelas. En la época Antigua David buscaba el heroísmo.
Obras importantes son:
El Juramento de los Horacios (Museo del Louvre. París)
Aquí los tres hermanos Horacios juran ante su padre lealtad al estado y ponen a disposición su vida para defenderlo. En un rincón, unas mujeres muestran su abatimiento por lo que va a acontecer. Se trata de un tema de la Roma antigua. Nunca antes se había representado mejor el conflicto entre el deber, el sentimiento.
La burguesía prerrevolucionaria pudo ver reflejados en el lienzo los valores de virtud cívica, patriotismo y heroísmo, con todo lo que estos principios representaban en aquel momento.
El cromatismo se subordina al dibujo.

Retrato de madame Recamier (Museo del Louvre. París)

Retrato de la mujer de un banquero, ideal de la elegancia femenina. La ambientación es clásica, acaban de ser descubiertas las ruinas de Pompeya y Herculano. La obra está inacabada. Predominan los colores fríos y neutros que dan a la obra un aire de sobriedad.
Muerte de Marat (Museos Reales de Bellas Artes. Bruselas)
Según su propia declaración, nos muestra a Marat tal como le había visto el día anterior a su muerte. Su pobreza y su dedicación al pueblo se resaltan en la obra a través de los objetos sencillos de la estancia donde encuentra la muerte. El cuchillo nos informa del asesinato, pero se ha evitado la descripción y la retórica.

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
Fue un gran defensor de la tradición clásica de la Academia. Fue también el principal rival de Delacroix. Pintó muchos temas de la literatura y de la Antigüedad, y realizó numerosas escenas de baño y de harén en donde refleja su atracción por el desnudo femenino y su dominio de él.
De sus obras destacan entre otras:
La Gran Odalisca (Museo del Louvre. París)
Aquí trata un tema exótico. La línea y el dibujo definen un espacio de formas clásicas perfectas.
A pesar de los contrapostos y torsiones internos, la figura entera está recogida en un solo plano. Figura alargada y serpentinata (manierismo). Iluminación dorada. Gran riqueza de colorido en los accesorios. Con asombrosa precisión refleja la textura de las telas.
El baño turco (Museo del Louvre. París)
Es una de sus obras maestras pintada a los ochenta y dos años y en la que demuestra su fascinación por el mundo oriental, que más tarde será uno de los temas principales de la pintura romántica. Puebla el cuadro de infinidad de mujeres, en posturas y actitudes distintas. En primer plano: bodegón.

ESCULTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS

Vuelve también a los patrones grecorromanos. El retrato romano ejercerá gran influencia en los que se realicen en este periodo.
El material por excelencia es el mármol. Se talla con una técnica excelente, su superficie se pule mucho. En las esculturas exentas hay un punto de vista preferente, en los relieves no hay interés por la profundidad, se suelen desarrollar a modo de friso.
Se prefieren las imágenes en reposo, serenas pero no rígidas, por eso recurren al viejo principio del contraposto clásico.

Las composiciones se someten a los principios de equilibrio y simetría.
La luz que incide sobre las figuras de forma difusa, clara y no muy fuerte, para que se potencie la sensación de reposo y suavidad. Van sin policromar.
Son figurativas, de fuerte idealismo.
La figura humana es el tema fundamental, especialmente el desnudo, dentro del contexto de la mitología o del retrato idealizado. También se desarrolla la escultura funeraria.
Entre los escultores neoclásicos destaca:

ANTONIO CANOVA (1757-1822)
Canova es la figura central de la escultura neoclásica y plasmó mejor que nadie los valores de las nuevas clases dirigentes surgidas tras la Revolución Francesa. Su obra está influida por las teorías de Winckelmann, historiador y teórico del arte que propugnaba el retorno a los modelos clásicos redescubiertos.
Esculpió gran número de figuras mitológicas como:
Eros y Psique (Museo del Louvre. París)

Obra de bulto redondo realizada en mármol de 155 x 168 cm.
Psique, una muchacha bellísima de la que se enamoró Eros, cayó sumida en un sueño profundo al destapar el cántaro que debía entregar a Venus por encargo de Proserpina. El beso apasionado de Eros la despertó.
El planteamiento compositivo resulta muy expresivo. Eros se inclina para besar a Psique mientras que ella se incorpora sobre la cadera derecha y levanta el rostro hacia el de su amado. Ambos cuerpos trazan una X, hacia donde la vista del observador es hábilmente dirigida, se corresponde con los labios de los protagonistas, a punto de encontrarse.
Formalmente es una imagen cerrada, sin ángulos de visión, que invita al espectador a quedarse fuera de la acción.
El pulido de la estatua es escrupuloso.
La incidencia de la luz sobre la obra provoca un conseguido claroscuro.
Destaca por su serena idealización.

Una de las obras que más fama ha adquirido es el retrato de "Paulina Bonaparte" hermana de Napoleón, representada como Venus victoriosa que se encuentra en la Galería Borghese en Roma. Esta representación se debe poner en relación con el cuadro de David "Madame Récamier", y parece ser que lngres se inspiró en ella para pintar "La gran Odalisca". Aparece en reposo, reclinada sobre un triclinio, y está parcialmente desnuda. Nos muestra una manzana, símbolo del trofeo que recibió Afrodita por su belleza. Está hecha para ser vista frontalmente o por detrás.

Las tres Gracias (Museo del Ermitage. San Petersburgo)
Son deidades menores que acompañaban a Venus. Realiza varias versiones de este tema, entre la que es preciso destacar la que conserva el "Victoria and Albert Museum" de Londres.
Las diosas desnudas entrelazan sus cuerpos de equilibradas anatomías, creando un conjunto cerrado y un ambiente íntimo.
El escultor crea una composición profundamente armoniosa, que tiene un punto de vista principal en el frente, pero que puede ser percibida por detrás y por los laterales.
Las posturas son elegantes y las superficies pulidas y blancas. Todo en ellas es equilibrio, serenidad, estabilidad y perfecta belleza.

PINTURA NEOCLÁSICA. ESPAÑA

CARACTERÍSTICAS
En España, la pintura de este tiempo está dominada por la gran figura de GOYA, personalidad genial que no puede ser incluida en ningún estilo porque se escapa de cualquier clasificación. Domina toda la segunda mitad del siglo XVIII.
Esta etapa, al margen del pintor aragonés, se la consideraba la menos española de nuestra pintura, ya que durante la primera mitad del siglo los artistas franceses e italianos que hicieron venir los reyes borbones pretendieron modernizar el viejo estilo barroco. Y lo hicieron desde la ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO, fundada por Felipe V. En esa academia se formaron artistas españoles, que también viajaron a Italia con becas, y que tenían como profesores a artistas extranjeros de cierto renombre, sobre todo ANTONIO RAFAEL MENGS al que Carlos III trajo a España como pintor real y como consejero artístico, y que orientó muchos años.
El primer pintor que destaca es LUIS EGIDIO MELÉNDEZ, que fue un excelente miniaturista y también retratista, se especializó fundamentalmente en la realización de bodegones, a los que debe su fama. Ej.: "Caja de dulce", "Trozo de salmón, limón y tres vasijas". LUIS PARET Y ALCÁZAR: su estilo es muy refinado y demuestra su gran espíritu observador para captar escenas de costumbres de la época y de la sociedad del momento. Ej.: "Carlos III comiendo ante su corte", "Baile de máscaras".Los hermanos BAYEU, FRANCISCO y RAMÓN, aragoneses de nacimiento y cuñados de Goya, fueron dos interesantes figuras del mundo artístico del S. XVIII, oscurecidas sin duda por el éxito posterior de su próximo pariente.
FRANCISCO llegó a ser ayudante de MENGS, y gozó de gran éxito e importantes encargos en Madrid. Fue el que trajo a la Corte a su hermano Ramón y a su cuñado Francisco Goya, para que trabajaran como "cartonistas" -pintura realizada para servir de modelo, de 'muestra', en la confección posterior de un tapiz, en la que se reproduce la escena que previamente se ha pintado.Los cartones que se les encargaban, y de los que el propio Bayeu realizó algunos, como el titulado "El Paseo de las Delicias de Madrid", pretendían presentar asuntos y temas de la vida diaria del momento, de las fiestas y aficiones populares, o de la participación en ellas de las clases altas, muy inclinadas en este momento al gusto por las tradiciones festivas del pueblo, de los 'majos'.
Finalmente, conviene destacar a MARIANO SALVADOR MAELLA, un valenciano que trabajó igualmente en la REAL FÁBRICA DE TAPICES, y que después llegó a ser primer pintor del rey CARLOS IV; más tarde perdió el favor de su sucesor FERNANDO VII debido a que se había mostrado demasiado colaborador de los franceses durante los años de la invasión y la GUERRA DE LA INDEPENDENCIA.Sus pinturas son muy representativas del momento académico, un tanto frío y con calidades de color casi de porcelana; esto se manifiesta muy bien en la serie de cuatro cuadros dedicados a las "Cuatro estaciones" del año.
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES (1746-1828) Nace en Fuendetodos (Zaragoza).Inicia sus estudios en Zaragoza, donde su padre ejercía de maestro dorador. A los veintisiete años casa con Josefa Bayeu, hermana de Francisco Bayeu, pintor de Cámara del Rey Carlos IV; este hecho favorecerá su ingreso como pintor de cartones en la Real Fábrica de Tapices.Muere Carlos III en 1788, y su sucesor Carlos IV y la reina Mª Luisa le nombran pintor de Cámara; comienza a realizar los retratos oficiales de los Reyes.A partir de ahora, Goya es ya un pintor consagrado. Es elegido Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Sus grandes protectores, los duques de Osuna -ejemplo de nobles ilustrados- y, más tarde, los de Alba -una de las familias nobles más relevantes en el Madrid de la época- le introducen en la vida social haciéndole importantes encargos.En 1792, durante un viaje a Andalucía, contrae una grave enfermedad, de resultas de la cual quedará sordo para el resto de sus días. Esta circunstancia, unida a las graves consecuencias que la Revolución francesa tuvo en la corte y para sus amigos ilustrados (destierros, encarcelamientos, etc.), le sumirán en una profunda crisis que influirá en su carácter y en su pintura.A los setenta y tres años, sordo, enfermo y desengañado, compra la "Quinta del Sordo" a las afueras de Madrid; allí se refugia con Leocadia Weiss, fiel compañera de su vejez, y allí ejecutará su obra más personal e inconfundible: LAS PINTURAS NEGRAS. Vivirá allí hasta 1823, fecha en que regala la finca a su nieto Mariano y se exilia a Burdeos, donde seguirá pintando hasta su muerte.
Reconoció como sus únicos maestros a Velázquez, Rembrandt y la Naturaleza. Con él, después de él, comienza la pintura moderna.Trabaja gran multiplicidad de temas y distintos enfoques de los mismos.En los cartones para tapices gusta representar escenas y juegos populares; escenas costumbristas, con personajes refinados y castizos a un tiempo: "El quitasol" en el que representa a una muchacha sentada con un perrito en el regazo. Tres notas sobresalen en esta obra: la luz reflejada a través de la sombrilla, el color y la sencilla composición piramidal. "La gallina ciega" tema alegre elegido para la decoración del dormitorio de las infantas. Obra representativa de la nobleza ilustrada, dos figuras visten a la moda francesa, con elegantes casacas de terciopelo, vestidos de gasa y sombreros de plumas. La escena se sitúa en un paisaje. "La boda" Los personajes se desplazan de derecha a izquierda recortados sobre un fondo arquitectónico. Obra de factura amplia, fluida, y textura lisa. Juega con la luz natural, de tipo ambiental, muy cálida. Cuadro colorista, de gama cálida, no da tanta importancia a la profundidad.
"La Pradera de San Isidro" Obra divertida, bulliciosa y alegre en la que representa a la sociedad madrileña de la época. Aparecen tipos de todas las clases sociales como las majas, los majos, las petimetras y los caballeros, militares. La pincelada es ágil y suelta. La atmósfera vaporosa. Castizamente español, inmortaliza la fiesta de los toros en una serie de grabados ­"La Tauromaquia"-.

Goya hará los retratos de los más famosos diestros de su época. Como retratista destaca la manera exquisita que caracteriza a sus retratos cortesanos, tratados con gran belleza y fina captación del modelo. "Duques de Osuna" (Museo del Prado) el matrimonio aparece acompañado por sus cuatro hijos. El duque viste de uniforme de alivio de luto y la duquesa, dama sensible y culta, va vestida a la moda francesa con bata de gasa blanca adornada con ricos y singulares botones pintados a mano. Los niños de verde los varones y de blanco las niñas, presentan cuidados atuendos y juguetes de la época. El pintor evita representar muebles, cortinajes ni pinturas para reflejar su posición social. El sillón dorado de noble diseño es el símbolo de lujo y gusto que presidía la vida de los duques. Utiliza una técnica rápida, precisa; revela la personalidad de los retratados.
"La Condesa de Chinchón" (Museo del Prado) Presenta a doña Mª Teresa de Borbón, esposa de Godoy cuando esperaba su primer hijo. Aparece sentada de cuerpo entero, con elegante vestido a la moda, de talle alto y gasa blanca con un tocado coronado de espigas de trigo verde, símbolo de fecundidad. Capta de modo genial la personalidad de la joven. La sitúa sobre un fondo neutro y oscuro. Las sombras suavizan el modelado. El espacio más iluminado se encuentra en la zona baja y se extiende más por el lado izquierdo que por el derecho.
"La familia de Carlos IV" (Museo del Prado) Probablemente, con motivo de su nombramiento como pintor de Cámara surge la idea de realizar un cuadro parecido al que Velázquez hiciera de la familia de Felipe IV, ya que el situar a los personajes de pie y contemplando a un personaje misterioso que posa para el pintor, le hace estar muy próximo al planteamiento de “Las Meninas”. Goya ha colocado a sus personajes como en un friso, siguiendo una disposición neoclásica imperante en el momento.En el lienzo vemos representados de izquierda a derecha los siguientes personajes: don Carlos Mª Isidro, vestido de rojo; Goya pintando un gran lienzo; el príncipe de Asturias, el futuro Fernando VII, de azul; la infanta Mª Josefa, hermana soltera de Carlos IV, de blanco; la que se cree futura princesa de Asturias, de blanco y amarillo; la infanta doña Isabel, de blanco y amarillo; la reina Mª Luisa, de blanco y amarillo; el infante don Francisco de Paula, de rojo; el rey Carlos IV, de castaño; el infante don Antonio Pascual, hermano del rey, de azul; a su lado asoma la cabeza la que se ha supuesto sea doña Carlota Joaquina; don Luis, príncipe de Parma, de anaranjado; y su mujer, doña Mª Luisa, de blanco y oro, con su hijo Carlos Luis en brazos.La pincelada es suelta, vigorosa y relega el dibujo a un nivel secundario. Destaca el cromatismo de los trajes: los blancos y dorados armonizan con las tonalidades rojas, azules y negras.Los personajes llevan traje de corte y distintivos honoríficos, así, los varones ostentan la banda de la Orden de Carlos III y las damas la de Mª Luisa.
Las figuras se distribuyen en tres grupos de cuatro (dos hombres y dos mujeres en cada uno) para dejar en el centro un espacio más amplio donde aparece la pareja real más arriba citada con su hijo menor, lo que da una mayor movilidad a la composición.La luz irrumpe desde la zona izquierda arrojando grandes sombras sobre el suelo, ilumina los rostros, modelados con exquisito cuidado, y produce brillos y destellos en las sedas de los trajes, las joyas y las condecoraciones. "La maja desnuda" (Museo del Prado) lienzo de pinceladas muy pulidas, muy cuidadas. Resalta el modo de pintar el cuerpo de la joven, recuerda a la técnica de los maestros venecianos. La técnica de la "Maja vestida" es muy diferente. No mantiene las transparencias sutiles ni las gradaciones tonales, es más abreviada y simple. La técnica es más suelta, de amplias pinceladas, el colorido más audaz (amarillo de la chaquetilla, rosáceo de la banda). Gran dibujante y grabador, en estos medios suele expresar libremente una crítica social y religiosa comprometida, una crítica total a la condición humana, que también aparece en sus cuadros (escenas de Inquisición, de locos...), y en los que encontramos al Goya más ilustrado: CAPRICHOS. Más tarde hará los DISPARATES.
Los cuadros "de Historia" refleja su juicio personal contra la barbarie y crueldad de la guerra como en "La carga de los mamelucos" o "Fusilamientos de la Moncloa". Los fusilamientos constituyen toda una obra simbólica. Hay en el cuadro todo un enfrentamiento de fuerzas. De un lado, el grupo de franceses, que actúan en forma arrolladora, como símbolo de la opresión. El grupo de patriotas encarna la inocencia.
La pintura religiosa se nos presenta bajo distintos aspectos: academicista en el "Cristo en la Cruz". En San Antonio de la Florida muestra una visión popular del tema religioso. Es más bien un homenaje al pueblo de Madrid.
Pinturas Negras: pintadas para sí mismo, describen un mundo interior desolado y terrible, alucinante. Se conocen como ‘pinturas negras’ tanto por sus tonos oscuros y el carácter sombrío, como por la visión desgarrada y desesperanzada que transmiten. La pincelada es larga y gruesa. Hay un terrible expresionismo en todo este arte. Brujas, hechiceras, viejas y desdentadas, la fealdad hecha arte, todos los males de la tierra encarnados en la mujer, que para Goya es el incentivo del mal. Buenos ejemplos de estas pinturas son "El aquelarre", que nos presenta una espantosa plasmación del diablo junto a una masa informe de adoradores; o "Saturno devorando a su hijo", tema de la mitología clásica que nunca había alcanzado en su representación un carácter tan expresionista y desorbitado. Este tema sería probablemente una alusión a su propia situación: Saturno (el Tiempo) destruye a los seres que él mismo crea, como el propio pintor, que ya intuía la proximidad de la muerte.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

Entre 1750 y 1830 se desarrolla en Europa el Neoclasicismo; ese es también el marco cronológico de GOYA. Es una época que comienza con la Ilustración y el Despotismo Ilustrado, continúa con la Revolución Francesa, el Imperio Napoleónico y luego, la Restauración. Son años de profundos cambios políticos que afectarán a Francia y a todo el continente. En las últimas décadas del siglo XVIII se empieza a notar el agotamiento del Barroco.
Resulta evidente que el Neoclasicismo representó un enorme cambio estético, formal y conceptual respecto del arte anterior.

La burguesía asume el papel de la aristocracia. Habita en casas bien amuebladas, pobladas de libros y decoradas con cuadros.
Las obras surgen sin encargo. Los "Salones de París" permiten exponer las obras realizadas por cualquier artista.

CARACTERÍSTICAS:
La construcción del momento se caracteriza por la investigación rigurosa y crítica de los modelos clásicos.
Material: sigue siendo la piedra, aunque algunos arquitectos introducirán nuevos materiales como el hierro, en la estructura de sus edificios.
Soportes: emplean el muro, el pilar, la pilastra y sobre todo la columna. Se emplean todos los órdenes clásicos (con preferencia del jónico y dórico), sin embargo adquiere mayor protagonismo el orden dórico con fuste acanalado o estriado.
Cubiertas: son predominantemente abovedadas. Los edificios utilizan arcos de medio punto, bóvedas de cañón, arista, cúpulas... todo el repertorio; sin embargo, al exterior presentan, a veces, el aspecto de adintelados porque emplean el legado griego de columnas, entablamentos, frontones triangulares.
La decoración es escasa, se defiende la austeridad, la planitud de los muros, el libre juego de volúmenes.
Se busca la proporción pero dentro de una escala preferentemente monumental, los edificios se diseñan conforme a los principios de simetría.
Tipología:

Además de iglesias y palacios, se levantan: Museos de Arte y Ciencias Naturales. Bibliotecas. Teatros. Observatorios Astronómicos. Bolsas de Comercio, bancos, monumentos conmemorativos ...
Aparece un nuevo criterio urbanístico: Dotar al ciudadano de grandes espacios para paseo y coloquio.
Los enterramientos serán desviados hacia la periferia, creándose los cementerios públicos.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN FRANCIA
Una de las figuras más destacadas es:
JACQUES-GERMAIN SOUFFLOT (1713-1780)
Miembro de la Academia real de París, recibirá el encargo de "Santa Genoveva", la obra más importante de su carrera y uno de los mejores ejemplos del neoclasicismo francés.

Otros edificios de este estilo y periodo:
la "Iglesia de la Madeleine" de París construido por Bartolomé Vignon, en tiempos napoleónicos. Edificio inspirado en la "Maison Carrée". Imponente templo corintio erigido sobre un alto podio. Simplicidad y pureza de líneas.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN INGLATERRA
El estilo tiene características propias, es más bien un neopalladianismo.
Destacan entre otros los arquitectos: Sir Robert Smirke (1780-1867) autor de la "Oficina Central de Correos" y del "Museo Británico" de Londres y William Wilkins que realizó la "Galería Nacional" también en la ciudad de Londres.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN ALEMANIA
El estilo se difunde algo más tarde pero con mucha fuerza. Destacan:
CARL GOTTHARD LANGHANS (1732-1808) Su obra más importante que recuerda tremendamente a los propíleos de Atenas es la simbólica "Puerta de Brandenburgo" en Berlín.
Leo von Klenze artista interesado en la arquitectura griega cuya principal obra es la "Gliptoteca de Munich" primer edificio de la historia de la arquitectura realizado expresamente para ser un museo, es decir, un lugar de exposición pública de objetos artísticos (esculturas en este caso). También realizó el "Ermitage" de San Petersburgo.
Friedrich Schinkel (1781-1841) que destaca por el "Teatro" de Berlín, edificio que presenta una fachada sobre un amplio podio adornada con una escalinata, con un frontón cuyo tímpano está decorado con relieves y un pórtico hexástilo de columnas jónicas.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN USA
Tras la independencia se adopta el Neoclasicismo para sus construcciones, promovido por Thomas Jefferson, quien veía en Francia el símbolo de los valores republicanos. Además de arquitecto y buen conocedor de la arquitectura palladiana fue el tercer presidente de los Estados Unidos y redactor de la Constitución de este país.
Además está "La Casa Blanca" en Washington realizada por Hoban y "El Capitolio" también en Washington proyecto de Thorton, reconstruido por Bulfinch, tras un incendio y ampliado por Thomas Walter en 1850. Las similitudes con "Santa Genoveva" son más que evidentes.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA
La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con Mengs a la cabeza, se encargó de difundir el arte neoclásico a través de distintos esfuerzos, concediendo, por ejemplo, becas de estudio en Roma.
Destacan:
FRANCISCO SABATINI (1722-1797)
Desde una formación barroca evoluciona hacia el clasicismo y una mayor simplicidad arquitectónica. Intervino en el "Palacio Real de Madrid" junto con Juvara y en 1764 inicia la: "Puerta de Alcalá" Todavía se puede hablar de un cierto barroquismo puesto que juega con las luces y las sombras que proporcionan los elementos salientes de la misma. Fue mandada levantar por Carlos III como entrada a todo el complejo denominado el Salón del Prado. Consta de cinco huecos, uno central de medio punto, que avanza con respecto a los otros convirtiéndose casi en pabellón, y que era el arco real, para el paso de la comitiva regia, coronado por el pesado ático, que alberga la siguiente inscripción:
REGE CAROLO III . ANNO MDCCLXXVIII
Tiene una función conmemorativa.

JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811)
Es el arquitecto auténticamente neoclásico.
Obras suyas son: "la Casita de Arriba" y "la Casita de Abajo" en el Escorial; la "Casita del Príncipe" en el Pardo (1784); "la Academia de Historia" (1788); las "Puertas monumentales del Jardín Botánico" (1789), el "Observatorio Astronómico" (1790).

El Museo del Prado (Madrid)
Situado entre la fuente de Neptuno y el Jardín Botánico. Originalmente concebido como Gabinete de Ciencias Naturales. Los muros son de ladrillo, y pocos, pero también grandes huecos, ventanales en la planta baja, y balcones en la principal.
El diseño general se basa en tres cuerpos principales: el central (basilical) y los de los extremos (el norte en forma de rotonda y el sur de sección cuadrada), unidos por otros dos intermedios (en total cinco grandes volúmenes).

PINTURA BARROCA. ESPAÑA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL
(ver arquitectura)
CARACTERÍSTICAS GENERALES

El siglo XVII representa la época culminante de la pintura española.
Tuvo dos grandes centros artísticos: Madrid y Sevilla, respectivamente, capitales de la nación y de ultramar. Pero existen otros núcleos de menor resonancia: Valencia, Valladolid, Córdoba, etc.
Destaca su equilibrado naturalismo. Desestima el movimiento violento e impetuoso de italianos y flamencos, caracterizándose por una sobriedad de la mímica. Las composiciones se simplifican y los personajes se mueven en los cuadros como en la vida ordinaria. El fresco es poco frecuente.
Temas: la mitología apenas alcanzó desarrollo entre los pintores españoles, sólo la cultiva excepcionalmente Velázquez. La gran masa de cuadros responde a temática religiosa.
El retrato presenta actitud y gestos naturales, no se acepta el de tipo mitológico. También se da el cuadro de género, la pintura de monstruos y casos ‘curiosos’ además del bodegón.
En el paisaje existen variedades. No se da el paisaje puro, sino acompañando a figuras o un edificio, como la jardinería en los palacios reales. Hay también escenas de caza.
El mecenazgo corrió a cargo de la monarquía y de la Iglesia. Se encargaron obras para decorar el interior de los conventos y de los monasterios. Pintores como Zurbarán pasaron casi toda su vida trabajando para esta clientela.
En España, a diferencia de otros países, la situación del artista seguía siendo muy injusta. No se consideraba que realizase una actividad de tipo intelectual, seguía siendo considerado un simple artesano. El pintor nunca era recompensado con títulos nobiliarios ni con el reconocimiento social.
Uno de los pintores que más incidencia artística tuvo en España fue Caravaggio y, con él, el Tenebrismo. Casi todos los pintores españoles pasarán, a lo largo de su trayectoria artística, por una fase tenebrista.
Fácilmente se pueden distinguir dos períodos muy claros, con características propias, y una gran figura de unión entre ellos: VELÁZQUEZ.

► En la primera mitad de siglo los pintores se inclinan sobre todo a mostrarse muy tenebristas y muy realistas, haciéndose eco de estas tendencias que venían de Italia.
En esta tendencia se enmarcaría la llamada ESCUELA DE VALENCIA, donde destacan dos figuras:

FRANCISCO RIBALTA (1565-1628)
Pintor catalán que trabajó en Valencia, y que siguió, al principio, el estilo de los italianos de El Escorial, acentuando más sus aspectos tenebristas y naturalistas. Destaca su obra "Cristo abrazando a San Bernardo" (Museo del Prado. Madrid)

JOSÉ DE RIBERA "SPAGNOLETTO" (1591-1652)
Trabaja en Italia y pintó temas religiosos como "El martirio de San Felipe Neri" (Museo de El Prado) en el que las figuras están dotadas de una elegante monumentalidad y las pinceladas son pastosas. El color adquiere gran protagonismo influencia de la Escuela de Bolonia y la luz sirve para moldear los contornos.
Pintó frecuentes temas de género y temas mitológicos, lo que no era frecuente en los pintores españoles. Con menos frecuencia cultivó el retrato, ejemplo es "Don Juan José de Austria" -En el Palacio Real de Madrid-, aunque deban considerarse además, como retratos muchas de sus representaciones de filósofos y de apóstoles. También los de la impactante "Mujer Barbuda" y "El niño cojo" del Museo del Louvre.

LA ESCUELA ANDALUZA
La figura que destaca es:

FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)
Pintor de la misma generación que Velázquez. Sus lienzos ilustran mejor que nada acerca de los ideales de la Contrarreforma y del intenso fervor de las Órdenes religiosas. Nadie ha expresado con más elocuencia los estados más elevados del alma.
Su composición carece de inventiva, ya que las figuras se disponen en filas paralelas a la superficie del lienzo. Toda la atención la aplica a rostros y a manos.
Destaca entre sus muchas obras: San Hugo en el refectorio de los cartujos (Museo de Bellas Artes. Sevilla) Tema religioso en el que las figuras, estáticas, tiene un marcado modelado y están realizadas con colores luminosos y un preciso dibujo que les confiere perfiles netos. Los elementos de esta composición están dispuestos en tres planos distintos: en el primero San Hugo y su paje, que acaban de irrumpir en la estancia; en el segundo, la mesa, sobre la cual se observan jarras, escudillas, panes y cuchillos; y en el tercero, San Bruno, en el centro, y el resto de los monjes fundadores de la Orden, quienes cabizbajos, no prestan la más mínima atención a los recién llegados.

DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1599-1660)
Nace en Sevilla. Su vida se puede clasificar en etapas:
ETAPA SEVlLLANA (1610-1623): A los once años inicia sus estudios de pintura con Herrera el Viejo, para pasar después al taller de Francisco Pacheco, donde permaneció hasta conseguir el título de pintor, seis años más tarde. A los diecinueve años casa con Juana, hija del maestro, y empieza a ejercer su oficio.
PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1623-1628): Vuelve a Madrid reclamado por el conde-duque; en esta ocasión pinta al rey, que queda complacido y le nombra, poco después, "pintor de cámara". Se traslada definitivamente a Madrid con su familia, instalándose en Palacio, donde tendrá casa y taller hasta su muerte.
PRIMER VIAJE A ITALIA (1629): Rubens que permanece en España en misión diplomática, le anima a viajar a Italia. A su paso por Venecia, Roma, Nápoles... conoce distintas corrientes artísticas que harán de él, a su vuelta, un pintor completamente formado.
SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1630-1649): Época de mucho trabajo y grandes realizaciones. Como superintendente tiene que ocuparse de la organización, decoración y obras de los palacios reales, especialmente del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro y de la Torre de la Parada, en el Pardo.
SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649-1651): Es enviado oficialmente por el rey para comprar pintura italiana y escultura clásica para la colección real y para contratar pintores y decoradores fresquistas. Etapa muy creativa del artista
TERCERA ETAPA MADRILEÑA (1651-1660): A su regreso, Felipe IV le nombra aposentador real. En función de su cargo se ocupa de la remodelación del Alcázar. Quebrantada su salud por el esfuerzo, muere pocas semanas después en Madrid, en el año 1660.

Velázquez cultivará pocos temas, pero los tratará de forma nueva, con visión desapasionada y objetiva. Bodegones con personajes: sobre todo cocinas, logra fundir el bodegón y la figura con gran perfección. Presta gran atención a los detalles realistas y muestra ya su gran poder de observación retratando personas y cosas. "Vieja friendo huevos", en Edimburgo (Escocia).
Asuntos religiosos: los trata con honda espiritualidad. Ejemplo de ello es "El Cristo crucificado", con cuatro clavos, de una serena sobriedad clásica. Otra obra clásica es "La adoración de los Magos", ésta parece tener un curioso valor anecdótico: el propio Velázquez podría ser la figura del rey mago que aparece arrodillado en primer plano; la cara de la Virgen sería la de su esposa Juana; el niño tendría los rasgos de una de las hijas del pintor; etc. En ambas obras predomina el tenebrismo.
Temas mitológicos: los resuelve humanizándolos con modelos populares en actitudes nada gloriosas y con el tono antiidealista que caracteriza su pintura. Podemos observarlo en "Los borrachos", "La fragua de Vulcano”... donde los personajes quedan plasmados en un momento fugaz y sorpresivo, dando gran sensación de instantaneidad.
Los paisajes: los utiliza como sostén y complemento de los retratos de cazadores, jinetes, etc. Estos temas le interesan más después de viajar a Italia, donde pinta, del natural, los paisajes de "Villa Médici", en los que hay ya un anticipo de la técnica impresionista.
Los retratos: Constituyen la parte más importante de su obra. Pueden clasificarse en:
a) Reales: Resolvió todos los encargos sin adulación. A Felipe IV lo pintó más de 30 veces, con una serena melancolía que crea un sentimiento de respeto y distancia del espectador.
b) De corte: Sus modelos masculinos, impasibles y majestuosos, aparecen con trajes muy severos, de pie, piernas al compás, siluetas negras o muy oscuras sobre fondos de color gris verdoso. Muy pocos accesorios, apenas un guante, un papel en la mano, una cadena, alguna llave. "Retrato del Infante D. Carlos", "Mariana de Austria", "Felipe IV" (busto).
c) De caza: Aparecen acompañados de sus perros, tan importantes para el pintor como sus dueños. El límpido aire de la sierra madrileña, que Velázquez conocía muy bien, envuelve y realza a los retratados con gran verismo. "Infante D. Fernando", "Felipe IV".
d) Ecuestres: La equitación, como la caza, eran importantes ejercicios reales. En la serie de retratos ecuestres que pinta para el Salón de Reinos del Retiro, los caballos de los hombres aparecen en corveta, postura distinguida y casi heroica; al paso, los de las reinas. Casi todos con cuerpos enormes, patas finas, cabezas nerviosas; pintados, como los perros, de manera admirable, como un consumado animalista. "Baltasar Carlos a caballo", "Isabel de Francia”.
e) De niños: Fueron, quizá, sus modelos preferidos, con los que podía usar tonalidades ligeras y refinadas, un colorido más luminoso. Los retrata con gran armonía y naturalidad, llenos de elegancia, con las insignias de su dignidad real, pero sin sofocarlos. "Infanta Margarita", "Infanta Mª Teresa”.
f) De bufones: Les da el mismo tratamiento dignísimo que al resto de sus modelos, pintándolos con comprensión y realismo, sin prejuicios, dando fe de su aspecto y de su actividad en la corte. "Bufón D. Sebastián de Morra", "El bufón Calabacillas”.

La luz y la utilización magistral de la perspectiva aérea serán el fundamento esencial de su creación pictórica. Trabajó exclusivamente con técnica al óleo, con cuidado y detalle y con alteraciones frecuentes ‘pentimenti’ dado que solía trabajar alla prima.
Después de su viaje a Italia, su técnica se hace cada vez más ligera. Ha visto pintura más libre, luminosa y moderna, y su paleta se aclara. En los retratos de caza hay una luz más viva, de aire libre, la luz pura de la sierra con sus fondos de montes grises y encinares pardos. El aire rodea las figuras en una degradación del color y la distancia muy matizada; perfecta fusión ambiental de figuras y paisaje.
En su última década: Pinceladas sueltas y libres, segurísimas. Gran dominio del dibujo y del color.
Composiciones muy ritmadas en las que utilizará varios planos, acentuados por diversos focos de luz que iluminan escalonadamente y con distinta intensidad la escena.

Las Meninas o ‘La familia de Felipe IV’ (Museo del Prado. Madrid)
Cuadro de gran formato, compuesto por tres bandas cosidas entre sí, siendo la central y la derecha de las mismas dimensiones y más estrecha la izquierda, vistas desde el punto de vista del espectador. Todos los personajes aquí representados han sido rigurosamente identificados. Es el retrato más famoso. La protagonista de la composición es la Infanta Margarita, hija del rey Felipe IV y de su segunda esposa Dª Mariana de Austria. En la fecha en que Velázquez la retrató debía andar por los cinco años de edad. Su hermanastro, el príncipe Baltasar Carlos, había fallecido prematuramente en 1649, y la hermana de éste, la infanta Ma Teresa, había ya renunciado por esas fechas a sus legítimos derechos sucesorios al prometerse en matrimonio con Luis XIV de Francia. En estos momentos era la heredera de la corona española.
En realidad es una pintura de interior y un retrato múltiple elaborados en una complicada composición escenográfica que sin embargo da al espectador, la sensación de simplicidad.
Los personajes están dispuestos frontalmente formando una línea ondulada. A ambos lados de la infanta Velázquez ha situado a las dos 'meninas', Isabel de Velasco -a la derecha desde el punto de vista del espectador- parece estar a punto de iniciar una graciosa reverencia y Agustina Sarmiento -a la izquierda-, le ofrece en una bandeja un búcaro con agua.
Dos bufones y un perro pintado con un realismo extraordinario, ocupan el ángulo inferior derecho de la tela: vestida lujosamente en tonos verdes, la enana Maribárbola mira al espectador, sujetando entre los dedos índice y pulgar de su mano izquierda lo que parece ser un anillo. Maribárbola, llamada así por ser derivación de María Bárbara, su verdadero nombre, era de origen alemán y debió ser muy querida en la corte, donde sabemos permaneció por largo tiempo. y junto a ella, el enano de la reina, Nicolás de Pertusato, o Porto santo, que apoya el pie en el mastín que cierra los ojos con placidez. Tenía once años de edad y ostentaba en la corte madrileña el cargo de Ayuda de Cámara.
En segundo término, vistos en penumbra y apenas abocetado, se hallan representado: una dama vestida con traje monjil -Dª Marcela de Ulloa-, y que ostentaba el cargo de 'guardamujer de las damas de la reina', conversando con un caballero 'guardadamas ' no identificado, cuya misión principal consistía en ir a caballo al estribo del coche de las damas.
La escena la completan:
En el umbral de la puerta del fondo otro caballero, D. José Nieto Velázquez, que fue "Jefe de la tapicería de la reina" y después aposentador de la misma, el propio don Diego Velázquez, que se autorretrata pintando delante de un lienzo y los reyes Felipe IV y Dª Mariana de Austria, de busto bajo una cortina o dosel, reflejados en el espejo, completan este nutrido grupo.
Parece ser que la escena se halla situada en un aposento del Alcázar madrileño, el llamado cuarto del príncipe, donde Velázquez tenía su taller. Decoran la pared del fondo dos grandes lienzos, que los investigadores han identificado con dos copias de Juan Bautista Martínez del Mazo de sendos cuadros de tema mitológico: "La fábula de Palas y Aracne", cuyo original de Rubens se ha perdido, y "Apolo y Pan" de Jordaens.
También reprodujo el pintor los cuadros colgados en la pared de la derecha. En la parte inferior dos: filas de lienzos estrechos y verticales, encima, otros más pequeños, y en la parte más alta toda una serie de formato rectangular. Todos ellos están enmarcados en negro, según era costumbre entre los Austrias.
Si incluimos a los reyes que se reflejan en el espejo, son once los personajes representados aquí por el pintor, quien juega con los distintos espacios pictóricos en que éstos se encuentran para componer una serie de grupos:
• Tres de dos parejas cada uno (ambos enanos, el guardadamas y Dª Marcela, los reyes) y un trío formado por la infanta y sus meninas.
Las dos figuras aisladas (Velázquez y el aposentador) forman una línea diagonal imaginaria en profundidad. Otra línea diagonal podría trazarse partiendo de los dos bufones e Isabel de Velasco y que iría a desembocar en el espejo.
En este lienzo el pintor logró como nadie, la consecución de la "perspectiva aérea".

B) En la segunda mitad de siglo, para la que Velázquez sirve de puente, se vio cómo se acentuaba una inclinación clara por parte de los pintores hace el gusto por el colorido y la luminosidad. Tuvo mucho que ver en ese cambio la influencia de la pintura flamenca, decorativa de Pedro Pablo Rubens. Ahora los lienzos van a ser más brillantes, más triunfales, más llamativos y casi teatrales.
En Sevilla surge, de nuevo, otro genio:

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682)
Los temas que trata son fundamentalmente religiosos: vaporosos angelitos, el tipo humano de San José y la representación de los santos como niños. Pero por encima de todo, Murillo es el pintor de las Vírgenes, el creador de la imagen de la Inmaculada Concepción.
También fue maestro único en la composición de temas de género, sobre todo de escenas infantiles, llenas de 'pillos' callejeros y pordioseros, que tanto abundaban en Sevilla.
Obras representativas son "La Inmaculada de Soult" (Museo del Prado. Madrid) vestida de blanco, manto azul, acompañamiento de angelitos, una media luna a los pies, como símbolo de su poder sobre el mal, y un fondo de nubes.
"La Sagrada Familia del Pajarito" (Museo del Prado. Madrid)
Es una de sus pinturas más populares. Anula la distancia entre lo celestial y lo terrenal.

JUAN DE VALDES LEAL (1622-1690)
Junto con Velázquez, Zurbarán y Murillo, es uno de los grandes pintores de la escuela sevillana.
Destaca: In ictu oculi (Hospital de la Caridad. Sevilla) Tema alegórico sobre la muerte. De intenso simbolismo moralizante, se inspira en el ‘Discurso de la Verdad’ de Miguel de Mañara, benefactor del Hospital de la Caridad de Sevilla y de su iglesia para hacer penitencia por su vida de pecados y excesos.