NEO Y POSTIMPRESIONISMO

CONTINUACIÓN IMPRESIONISMO.
Hacia 1880, el impresionismo provocó una serie de revisiones. La primera de ellas se denomina neoimpresionismo.
GEORGES SEURAT (1859-1891) Creador del puntillismo. La pintura se coloca en pequeños puntos de color puro, es el ojo del espectador el que los mezcla. Este tipo de pintura obliga a una labor de estudio minuciosísima y opuesta a la pintura al aire libre, las composiones están extraordinariamente calculadas. Entre sus obras más importantes están "Los bañistas de Asnières" (National Gallery. London) cuadro de gran formato que muestra una parte del Sena, al noroeste de París. Al fondo se ven grandes fábricas y, en primer plano, los obreros de la industria descansando en su día libre. Fue pintado siguiendo la técnica impresionista pero más tarde rehizo algunas zonas del cuadro con la técnica puntillista. "Domingo por la tarde en la isla de la Grand Jatte" (Art Institute. Chicago) Óleo sobre lienzo donde crea un ambiente estático e inmóvil. El espacio se organiza en planos estratificados, superpuestos; en ellos se colocan las figuras como siluetas recortadas -muchas aparecen de perfil, reflejo de la influencia del arte egipcio-. Guarda algunos elementos comunes con su obra anterior; por ejemplo, la línea en diagonal de la ribera del río. En la composición se aprecian tres grandes áreas: a) la superficie del agua del Sena, b) el césped iluminado por el sol y c) la parte de césped bajo la sombra de los árboles.

PAUL CÉZANNE (1839-1906) Concibe el cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos. Escoge la manzana como pieza imprescindible en sus bodegones, ella le suministra una forma elemental geométrica: la esfera. Su pincelada se distribuye de forma ancha y cuadrada. Es el más obvio precursor del cubismo. "Jugadores de cartas" (Museo d'Orsay. París) Escena de género abordado de modo distinto al habitual. El color es predominantemente cálido; las pinceladas breves, superpuestas, modelan los volúmenes y los objetos. La botella actúa como aparente eje de simetría, pero las dos mitades resultantes son ligeramente desiguales. La verdadera tensión de la composición recae en la mesa y en las manos de los jugadores.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) Pintor holandés que se instala en Francia. Vivió con Gauguin durante un tiempo. El uso de colores violentos y arbitrarios y el afán expresivo de su obra le llevron a ir más allá del impresionismo y abrir un mundo de posibilidades a fauvistas y expresionistas. Es uno de los pintores que en más ocasiones se ha autorretratado. Las naturalezas muertas son otros de los temas importantes de su producción, uno de los más bellos ejemplos es "Los girasoles" (Tate Gallery. London) serie de siete cuadros pintada un año antes de que Gauguin llegara a Arlés, los realizó para adornar la casa. La textura está conseguida a base de pequeños toques en relieve, con pinceladas fuertes, largas y agresivas. Obra innovadora en el uso de todo el espectro del color amarillo. "Noche estrellada" (MOMA. New York) Paisaje nocturno repleto de estrellas, la pincelada es sinuosa y rápida. En primer término aparecen dos cipreses que marcan un dinamismo vertical junto con la aguja de la iglesia del pueblo, éstos contrastan con el remolino horizontal de las estrellas. La paleta no pretende ser fiel al modelo, sino transmitir las impresiones personales del artista en el momento de pintarlo.

PAUL GAUGUIN (1848-1903) El interés por conocer otras tierras fue una constante en su vida. Pone de manifiesto en su obra la importancia que da al color, elemento que utiliza de manera arbitraria en amplias zonas planas claramente delimitadas por la línea. "Muchachas con flores de mango" (Metropolitan Museum of Art. New York) Los contornos de las figuras están claramente delimitados predominando los trazos curvilíneos. Las pinceladas son amplias y los colores vivos y planos. El fondo completamente abstracto y de diferentes matices entre el verde y el amarillo, consigue resaltar las figuras femeninas en primer plano.
"Ta Matete" (Kunstmuseum. Basilea) Inspirado en un fresco egipcio que conservaba en una fotografía. Se percibe esta influencia en la disposición de las figuras, inmóviles, que se yuxtaponen de perfil. Las mujeres se recortan, casi planas, sobre el fondo. Las protagonistas son las prostitutas que se ofrecían a los turistas occidentales en el mercado de Papete. Utiliza un colorido muy vivo: amarillos, naranjas, rojos, grises, azules, en contraste con los tonos marrones de los rostros.

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) De familia noble, en 1883 entra en la Academia de Cormon donde conoce a Van Gogh y se harán amigos. Es el creador del cartel, los primeros son los que hace para el Moulin Rouge. Se caracteriza por un dibujo rápido que nos permite establecer un paralelismo con Degas. "En el Moulin Rouge" (Art Institute. Chicago) Recoge alrededor de una mesa a varios de sus amigos. Gran influencia de la fotografía y de la estampa japonesa. Composición marcada por una profunda diagonal. El color y la luz pasan a un segundo plano; las figuras con sus expresiones y actitudes le llaman más la atención.

IMPRESIONISMO

CARACTERÍSTICAS
La breve historia del impresionismo se inicia en 1874 cuando se celebró una exposición en la galería parisina NADAR donde se cuelgan lienzos de varios pintores, entre ellos Claude Monet, que tituló a uno de los que presentaba Impresión. Sol naciente. Palabra que fue recogida burlescamente por la crítica, que bautizó al nuevo movimiento con el nombre despectivo de Impresionismo.
Su técnica consiste en:
Pintura generalmente al óleo; algunos pintores emplean el pastel sobre papel. La luz centra todo su interés, pintan al aire libre y emplean una factura rápida capaz de captar algo cambiante. Usan los colores puros en el lienzo para que sea la retina del espectador la que realice la fusión y cree el nuevo color. La pintura es rica en pasta por lo que la superficie del cuadro resulta rugosa y normalmente, mate. La línea es un valor en retroceso, la pincelada y el color son los valores dominantes. Esta pintura tiene un poderoso rival: la fotografía. Se enriquece con nuevos temas: los bulevares, las calles trepidantes, los jardines, las carreras de caballos... Esencialmente el pintor impresionista sabrá pintar el agua. El negro queda proscrito por ser la negación de la luz.
Principales representantes:

ÉDOUARD MANET (1832-1883) Considerado precursor del movimiento. Su pintura es bastante antiacadémica tanto en los temas, escandalosos como Olimpia, Almuerzo en la hierba, etc., como la manera de aplicar el color mediante grandes superficies buscando a veces contrastes bruscos, y otras, armonías de claros sobre claros. Siente entusiasmo por la escuela y los temas españoles. Velázquez y sobre todo Goya tendrá influencia sobre él.
"Le Déjeuner sur l'herbe" (Museo d'Orsay. París) obra basada en El concierto campestre de Giorgione. Escandalizó a la sensibilidad contemporánea porque colocaba a las dos jóvenes 'desnudas' acompañadas por dos hombres vestidos en una situación considerada indecente. Las formas están pintadas muy ligeramente. En el fondo -que carece de profundidad- del paisaje, el follaje y los reflejos del agua están simplemente insinuados con pinceladas flojas; sin embargo, la orilla del arroyo y los troncos de los árboles están definidas por contrastes tonales de tipo pictórico.
"Olympia" (Museo d'Orsay. París) Inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. Transforma la diosa romana del amor en una cortesana parisina y coloca a una sirvienta negra y a un gato del mismo color sobre un fondo oscuro. La luz violenta ilumina de frente.

CLAUDE MONET (1840-1926) Es quien verdaderamente define el Impresionismo. Pinta numerosas series como 'La catedral de Rouen', 'Estación de San Lázaro', 'Acantilados', etc. todas ellas traducen las más sutiles modificaciones de la atmósfera.
"Impresión. Sol naciente" (Museo Marmottan. París) Tres botes de remos navegan por el puerto de Le Havre, mientras al fondo, entre la espesura de la niebla matinal y el humo de las fábricas, sale el sol. Las pinceladas son sueltas, persiguen conseguir sutiles efectos de luz.
"La Catedral de Rouen" (Museo d'Orsay. París) La serie está compuesta por 20 telas y obedece al principio impresionista del encuadre casual. La pintó a diferentes horas del día. El edificio no es más que un fondo, una excusa, para mostrar al auténtico protagonista de la composición: la capacidad de la pintura de representar la cualidad dinámica de la luz y el ambiente, que es capaz de dar vida a algo tan pétreo e inanimado como la imponente fachada de la catedral gótica.

EDGAR DEGAS (1841-1919) Además de pintar al óleo, lo hizo al pastel, técnica en la que fue un auténtico maestro. Combinaba la fuerza gráfica de la línea con un gran sentido del color. Sus encuadres fueron muy originales: introducía puntos de vista insólitos que hacían que el espectador se sintiera casi dentro de la obra. Sus composiones desequilibradas provienen de la influencia que recibe de la fotografía y de los grabados japoneses. Se muestra interesado por el escorzo y el movimiento. "La clase de danza" (Museo d'Orsay. París) Es un tema recurrente en la obra del pintor. Sentía especial predilección por los ensayos y los descansos. Es una composición cuidadosamente construida creando una sutil diagonal, desequilibrada y asimétrica. El contraste entre el espacio vacío de la parte inferior del lienzo es un recurso que aparece a menudo en sus trabajos. El encuadre es producto de la técnica fotográfica.

PIERRE AUGUSTE RENOIR (1834-1917) En su juventud trabaja decorando porcelanas y pintando abanicos a partir de cuadros rococó; tales orígenes pudieron influir en la elección de sus temas amables y la suavidad algodonosa de su pincelada.
"Le Moulin de la Galette" (Museo d'Orsay. París) La Galette era un café frecuentado por artistas y modistillas. Es una obra muy compuesta y equilibrada, si trazamos dos diagonales desde las cuatro esquinas nos damos cuenta de que se cruzan en el lugar aproximado donde se encuentran los dos rostros de dos jóvenes, las hermanas Estelle y Jeanne. Los contrastes de luz y sombra indican que el sol se filtra entre las hojas de las acacias.
"El almuerzo de los remeros" (Colección Philips. Washington) La escena se desarrolla en un restaurante a orillas del Sena, en el que representa a sus amigos de una forma natural y espontánea, como en una fotografía. Refleja su maestría en las naturalezas muertas a través de los objetos y los alimentos situados sobre la mesa. Emplea una factura libre y rápida, con la paleta del arco iris. A diferencia de otros impresionistas ha utilizado el color negro.

ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

En las primeras décadas del siglo XIX, la arquitectura europea estaba aprendiendo a convivir con la diversidad.
No hay un estilo de época cerrado en sí mismo. Es un periodo en el que se entrecruzan diferentes tendencias, con una cierta confusión, pero sobre todo, está marcado por el enfrentamiento entre tradición arquitectónica, que va perdiendo contacto con la realidad de la época, y las nuevas técnicas, materiales y necesidades aportados por la Revolución Industrial.
Esta circunstancia provoca una escisión de la conciencia artística en dos tendencias que se prolongarán a lo largo de todo el siglo:
HISTORICISMOS: inspirados en los estilos del pasado.
CORRIENTES RENOVADORAS: plantean nuevas soluciones a nuevos problemas.

HISTORICISMOS
Son retornos o revitalizaciones de los estilos del pasado. La exaltación nacionalista es uno de los motivos por los que el arquitecto del siglo XIX ahonda en el pasado para encontrar el estilo que mejor caracteriza a un pueblo.
Así es como surgen el Neogótico, Neorrománico, Neomudéjar o Neobarroco, entre otros muchos estilos.
Tipología: los edificios se adaptan a las nuevas necesidades y costumbres de esta sociedad. Se construyen:
Espacios para albergar las Exposiciones Universales, estaciones de ferrocarril, puentes, fábricas, bibliotecas, museos y grandes almacenes.
Las primeras iniciativas sobre la restauración de edificios antiguos es otro de los aspectos que caracterizaron este siglo XIX. Aparecen figuras como RUSKIN (1819-1900) en Inglaterra y VIOLLET-LE-DUC (1814-1879) en Francia que aportan teorías y criterios de restauración que perviven hasta nuestros días.

A) NEOGÓTICO
Fue el historicismo más importante. Se inició en Inglaterra hacia 1750 y se puso de moda coincidiendo con el Romanticismo.
Una de las obras más representativas es el Parlamento de Londres de CHARLES BARRY. Se extiende sobre una plataforma de hormigón a lo largo de casi tres hectáreas al borde del rió Támesis. Los muros son de ladrillo y piedra, materiales tradicionales que se aliaron con otros más nuevos como el hierro fundido del que estaban hechas algunas columna.

En Europa, en concreto en la España de la Restauración, el templo de mayores proporciones concebido en este estilo es la “Catedral de la Almudena”, trazada por el MARQUES DE CUBAS, y del que sólo se llegó a construir una pequeña parte.

B) LA AVENTURA COLONIAL
De las colonias, principalmente de las de Asia, retornará a las metrópolis europeas toda una exótica cultura: Palacios, invernaderos, cafés, monumentos, etc. adquirirán aires indios, árabes e incluso chinos. Ejemplo de ello es el Royal Pavillion en Brighton. Realizado por JOHN NASH.

CORRIENTES INNOVADORAS.

LA ARQUITECTURA DEL HIERRO
Hay una serie de condiciones que influyen para su aparición como el nacimiento de nuevos medios de comunicación: el ferrocarril, que exige estaciones, puentes y en general grandes obras públicas. Son necesarios Museos y Bibliotecas. Por otra parte la gran riqueza producida requiere la conquista de mercados, con lo que surgen las grandes exposiciones internacionales con sus enormes instalaciones provisionales que exigen un alto desarrollo de la técnica constructiva, principalmente EL HIERRO.
También se usará el vidrio, y más tarde el cemento. Desde 1845 se impone el acero.
Los muros se desvalorizan estructuralmente. Son simples cerramientos, muros-cortina, sin otra función pues la carga está sustentada por el armazón interno.
La decoración: es escasa e incluso, en ciertos casos inexistente. Muestra respeto por la simetría, proporción y armonía.
Tipos de edificios: acordes con los nuevos tiempos como los puentes, fábricas, invernaderos, estaciones de ferrocarril, mercados, edificios para exposiciones, almacenes con escaparates…

PUENTES:
En 1779 se construye el primer puente de hierro en el mundo, el de Coalbrookdale en Inglaterra. Diseñado por ABRAHAM DARBY y T. F. PRITCHARD para cruzar el río Severn, propenso a crecidas. Con un arco casi semicircular.
Los puentes de Oporto sobre el río Duero, construidos por la COMPAÑÍA EIFFEL. Destacan el de María Pía (1875) y el de Luis I (1880). Cubren los 160 metros de anchura del río con un solo arco. Se apoyan sobre una base de piedra y se completan con dos pilares metálicos a cada lado.

EXPOSICIONES UNIVERSALES
Albergaban un enorme conjunto de productos, máquinas, nuevos inventos, etc. por tanto exigían grandes pabellones. Se construyen con los medios técnicos más avanzados, ejemplo de ello son:
Cristal Palace (Londres) Situado en Hyde Park y proyectado por JOSEPH PAXTON en 1850-1851. fue construido para la primera exposición universal que tendría una duración de 9 meses (por ello se exigía que los materiales pudieran crear un espacio cerrado y luminoso, ser empleados de nuevo y que pudiera desmontarse). Sólo el hierro podía resolver estos problemas.
Tenía planta basilical de cinco naves con crucero central abovedado.
La Exposición de París de 1889 organizada en el Campo de Marte, abarca un conjunto articulado de edificios entre los que destaca LA TORRE EIFFEL. Realiza con piezas prefabricadas de hierro la Torre de 300 metros de altura, el edificio más alto jamás construido.
Cuatro grandes arcos sirven de base a la Torre y tiene dos plataformas. Estas líneas curvas le proporcionan un perfil muy agradable, además de prepararla para resistir el viento.

EDIFICIOS PÚBLICOS: BIBLIOTECAS
Biblioteca de Sainte Geneviève (París) Diseñada por el arquitecto e ingeniero HENRI LABROUSTE. Su sala de lectura principal del segundo piso es actualmente muy admirada, está dividida en dos naves cubiertas con bóveda de cañón y una hilera central de delgadas columnas de hierro sobre pedestales de piedra.
Biblioteca Nacional (París)
Obra maestra del mismo arquitecto-ingeniero iniciada en 1868. Tiene una espléndida sala de lectura cubierta por nueve ligeras cúpulas de terracota que descansan sobre 16 columnas de hierro y arcos. Todas ellas tienen una abertura circular en su centro a modo de lucernario (óculos).

ESTACIONES DE FERROCARRIL
“La Estación de Crown Street” en Liverpool, de 1830, tenía todas las características básicas de lo que sería en un futuro: el patio de vehículos, una sala de venta de billetes y de espera, y la plataforma en la que se alcanzaban los vagones bajo la cubierta de una nave.
Hacia 1845 se logró, gracias al hierro, un espacio diáfano sencillo de 65 metros en la “Estación de New Street”, en Birmingham. Y un espacio triple con una anchura casi total de casi 74 metros en la segunda “Estación de Paddington” en Londres.

ESCUELA DE CHICAGO
Se produce un rechazo paulatino a las obras de tipo historicista, especialmente en USA. Esta Escuela tiene especial relieve por dos razones:
1. la creación del rascacielos.
2. los arquitectos y no los ingenieros fueron los que emprendieron esta renovación.

HENRY HOBSON RICHARDSON (1838-1886)
Estudia en París, licenciado en Harvard, considerado como el primer arquitecto americano moderno. Su obra más famosa, donde aplica el lenguaje neorrománico:
EDIFICIO “MARSHALL FIELD WHOLESALE STORE” (CHICAGO) De cuatro esquinas y marrón, ocupaba una manzana urbana entera y utilizaba estructura de hierro no visto. Edificio de oficinas de gran sobriedad y unidad vertical que recuerda a un palacio renacentista.
Hoy este edificio está demolido.
Aquí en Chicago, se va a formar en el último tercio del siglo la escuela americana más importante de arquitectura. La vieja ciudad fue destruida por un incendio en 1871, y el ánimo emprendedor de los ciudadanos les lleva a construir cantidad de edificios en un breve periodo de tiempo.
De toda la escuela de Chicago la figura más trascendente es:
LOUIS SULLIVAN (1856-1924)
Es el que sitúa la arquitectura norteamericana por primera vez a nivel internacional. Arquitecto, ingeniero y poeta, además de excelente decorador, estudia inicialmente en América, viaja después a París donde estudia también y vuelve a Estados Unidos.
Prestigioso teórico. Entre sus obras destacan EL AUDITORIUM BUILDING (Chcago) y los ALMACENES CARSON, PIRIE Y SCOTT (Chicago).

WILLIAM MORRIS Y LOS “ARTS AND CRAFTS”
Paralelamente a la Escuela de Chicago se da en Inglaterra, a mediados de siglo, un interesante movimiento que tiene raíces sociales y filosóficas y que influirá definitivamente en el diseño arquitectónico e industrial de fin de siglo: la obra de William Morris y sus Arts and Crafts (Artes y Of icios).
John Ruskin –el crítico de arte más influyente del siglo XIX- y los miembros de la Hermandad Prerrafaelita –grupo de pintores ingleses del siglo XIX que tomó como modelos a los pintores anteriores a Rafael- dieron clase en las escuelas estatales e inculcaron a sus estudiantes, los orfebres, joyeros, ebanistas, litógrafos y delineantes de la época, sus ideas sobre la fidelidad a la naturaleza y sobre la capacidad del arte para hacer el bien.
Morris sigue las teorías de Ruskin. Estudió en Oxford, donde fue amigo del pintor Burne-Jones y otros artistas con los que forma un grupo que se reúne para leer teología, literatura medieval, a Ruskin y a Tennyson.
Decide construirse una casa en la que se plasmen sus propios ideales artísticos. Philip Webb, un amigo de Morris, realizó el proyecto, llamada RED HOUSE, en Upton, marcó un cambio decisivo hacia un estilo más simple en el diseño de la vivienda inglesa. Se construyó en ladrillo rojo con altas agujas. Ventanas y marcos de puerta con arcos góticos, ventanas de ojo de buey, tejado de pronunciada pendiente y un jardín cuadrado y cercado. Diseñó y ejecutó la decoración, se le ocurre fundar su propio taller de artes decorativas en 1861 con Burne- Jones, Rossetti, Webb, Brown, Faulkner y Marshall. La producción estaba organizada siguiendo las líneas de los talleres medievales. En 1862 se establece el grupo con el nombre de Morris, Marshall, Faulkner and Co. y en 1865 se traslada a Londres.

La empresa de Morris diseñó todo tipo de objetos para interiores y uso diario, incluyendo papel pintado de paredes, vidrios de colores, alfombras, tejidos, tapicerías y muebles; ofrecía diseños del propio Morris, de Rossetti, de Burne-Jones, y se hizo muy popular, imponiendo estilos y formando el gusto del público.

PINTURA REALISTA. FRANCIA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

La segunda mitad del siglo XIX puede decirse que comienza en 1848, cuando en los distintos países europeos, tienen lugar revoluciones nacionales, que imponen libertades humanas, entre ellas el derecho al trabajo y se publica el ‘Manifiesto Comunista’.
La vida en Europa en esta época sigue marcada por el cambio social y económico que ha traído, y sigue trayendo consigo la actividad industrial.
Se impone el positivismo de Augusto Comte en filosofía y también el materialismo, hasta llegar a Carlos Marx (1818-1883). Mendel formula las leyes de la herencia; Rontgen descubre los rayos X; Pasteur formula la teoría sobre la bacteriología y halla la vacuna contra la rabia.
Es en definitiva una era de progreso industrial, que eleva poderosamente el nivel económico, aunque se crean los desequilibrios que generarán graves convulsiones políticas. Surge una nueva clase social: EL PROLETARIADO.
El polo del arte se instala en París, que conoce los días esplendorosos de Napoleón III y Eugenia de Montijo que, con el barón Hausmann y su reforma urbanística de la ciudad, harán de ésta la capital del continente; por tanto todo lo que allí se haga repercutirá en los demás países.
En esta época se produce la gran expansión colonial de Europa, esto favorece el gusto por lo exótico. El comercio con regiones lejanas introduce la estampa japonesa.

PINTURA REALISTA EN FRANCIA

CARACTERÍSTICAS
En esta sociedad con clases tan distanciadas y graves problemas, el realismo reivindica el apego a la realidad, la importancia de los temas cotidianos tratados de un modo objetivo sin idealizaciones ni pintoresquismos, frente a los grandes temas del pasado: religión, mitología, alegoría, historia…
Se impone la realidad como base del arte.

Decaen eternos temas de pintura. Ante todo, un gran desdén por la pintura religiosa, mientras que el tema del trabajo como problema, visto desde su ángulo doloroso, entre en la historia de la pintura.
Por otra parte, el desarrollo tecnológico ha favorecido el perfeccionamiento de la fotografía que en estos años empieza a hacer la competencia a la pintura de oficio –retrato, miniatura-. Pintura y fotografía se influyen mutuamente.
Regresan a las composiciones de pocos personajes y a los contenidos serenos, tranquilos, cotidianos, sin grandes aspiraciones.
Francia será centro de este movimiento. Entre los pintores realistas destacan:
HONORÉ DAUMIER (1808-1897)
Su formación es fundamentalmente de dibujante; por eso el perfil sinuoso y cortante de sus figuras. Colaboró con sus dibujos satíricos en varias revistas parisienses durante la mayor parte de su vida. Sus litografías le dieron fama.
Una de sus obras más significativas es:
El vagón de tercera clase (colección Oskar Reinhart. Winterthur)
En esta obra, como en gran parte de sus trabajos, el pintor marsellés desarrolla un tema reivindicativo de manera magistral: la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades.

Gran observador hace convivir en este modesto vagón a obreros con personajes de sombrero de copa. Podemos observar en primer plano y en el centro, estratégicamente ubicado en la parte inferior de la tela, a un muchacho de clase popular durmiendo. La luz entra por las ventanas del vagón. El cuadro tiene colores oscuros y tristes. Transmiten un ánimo sombrío. Apenas hay detalles meticulosos en la pintura, los trazos negros y enérgicos bastan para sugerir la circunstancia y crear atmósfera.

GUSTAVE COURBET (1819-1877)
Aprendió su técnica principalmente de Velázquez y Zurbarán, el manejo de la pintura y la interpretación de luces y sombras de Rembrandt y Frans Hals, y la composición y representación del espacio de David. Pero su temática –la descripción de la vida provinciana- le mantuvo apartado de los académicos.
El entierro en Ornans (Museo del Louvre. París)

Tratamiento del tema: la escena que representa es absolutamente cotidiana, Courbet la pinta tal como la ve: el cura realiza su oficio por rutina, los monaguillos están ajenos a la ceremonia, la presencia de los amigos y la familia se explica más por una obligación social que por un dolor real. El pintor observa los acontecimientos con una fría objetividad; pintaba lo que había visto.
Utilizó una gama cromática muy reducida con el objetivo de aumentar el dramatismo de la escena. Los personajes se distribuyen sin jerarquía alguna y el grupo está dispuesto como una barrera negra que focaliza la atención del observador. Lo único que rompe con esta homogeneidad de figuras de tamaño natural y rostros es la cruz que se eleva por encima de las cabezas, en el lado izquierdo del cuadro.
El estudio del pintor (Museo del Louvre. París)
Para numerosos críticos significa un manifiesto del Realismo. La escena del lienzo se desarrolla en el estudio de Courbet en París y está dispuesta en tres grupos: en el centro, él mismo; a la derecha, sus amigos, y a la izquierda, los pobres, los desposeídos y los perdedores.
El pintor utiliza la luz para identificar o modelar los rostros y figuras sin dejar ver ningún foco de luz real.
Si examinamos el grupo central, descubrimos una adaptación moderna del antiguo tema de las edades del hombre.

JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875)
Pinta campesinos, ajenos a las nuevas ideas políticas, campesinos que creen y oran, que bendicen el trabajo. Sus paisajes guardan un tierno romanticismo en su real factura; pero sus luces alumbran ya el camino de los impresionistas.
Las espigadoras (Museo D’Orsay. París)
Tres campesinas, retratadas sin ningún tipo de idealización, recogen con fatiga espigas bajo el sol.
Destacan con nitidez en un campo de grandes dimensiones donde el sol y el calor hacen todavía más fatigosa la recogida de las espigas; una pequeña figura a caballo en el fondo del cuadro controla la actividad de las campesinas.
En contra de la perspectiva tradicional, el horizonte está más elevado para así otorgar a la tierra un mayor protagonismo. Las pinceladas son gruesas, sueltas. Las figuras están poco dibujadas.

PINTURA ROMÁNTICA

CARACTERÍSTICAS

La llegada del Romanticismo se produce cuando aún el movimiento neoclásico se hallaba en plena euforia. Se inspira en la Edad Media.

Cultiva diversas técnicas: óleo, acuarelas, grabados y litografías. Las texturas: aparecen las superficies rugosas. La pincelada será más libre, viva, visible, llena de expresividad en algunos artistas. Profundo amor por el color frente a la predilección por el dibujo, característica del Neoclasicismo. Las composiciones son desequilibradas y complejas en la mayor parte de los casos, con escorzos violentos y dominio de líneas oblicuas y curvas. La luz es importantísima dando un carácter efectista y teatral. Se tratan temas muy variados destacando los históricos y literarios. También son importantes el retrato y el paisaje, junto con los temas religiosos y costumbristas. Este arte está ejecutado para embellecimiento de las casas de la clase burguesa. Las primeras manifestaciones las encontramos en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, con pintores visionarios como William Blake y paisajistas como Constable y Turner.
FRANCIA
El triunfo del romanticismo en Francia se logró después de una dura batalla con el neoclasicismo, la lucha comienza hacia 1817.
Pintores destacados son:
THÉODORE GÉRICAULT (1791-1824) Contemporáneo a JL David se alejó absolutamente de él en lo que a materia pictórica se refiere. El Miguel Ángel de la Capilla Sixtina y sobre todo el del 'Juicio Final' fue su mayor influencia. "La balsa de la Medusa" (Museo del Louvre. París) Obra de tema histórico de grandes dimensiones. 'La Medusa', barco del gobierno francés lleno de colonos, se hundió en 1816 en una tormenta frente a las costas de Senegal, por culpa, según se dijo, de la incompetencia del capitán. La obra pretendía denunciar la hipocresía del régimen de la Restauración. Destaca la barroca composición piramidal de cuerpos muertos y agonizantes en la que un foco de luz ilumina la escena y provoca un claroscuro contrastado. El color es sucio y terroso intencionadamente.
EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) Conoce a Géricault al que admira. Toma sus temas de la literatura, de la historia y de los episodios contemporáneos. En 1822 expone en el Salón "La barca de Dante y Virgilio" cuyo sentido romántico se acusa en la presencia de lo tenebroso y en la fuerza expresiva de los condenados. "La muerte de Sardanápalo" (Museo del Louvre. París) obra de brillante colorido, pincelada libre y falta de acabado. Inspirada en los versos de Lord Byron 'Sardanápalo', Delacroix elige el momento en el que el sátrapa, recostado en su lecho, ordena a sus eunucos que maten a sus esposas, concubinas, pajes, perros y su caballo favorito.
"La libertad guiando al pueblo" (Museo del Louvre. París) Testimonio entre alegórico y realista de la insurrección popular que tuvo lugar durante el mes de julio de 1830 en París. Hay gran movimiento y una disposición asimétrica. El movimiento de las masas se precipita hacia el espectador. Las pinceladas son sueltas y onduladas y predominan los colores neutros.

INGLATERRA
En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura inglesa experimenta un fuerte impulso gracias a la labor de dos extraordinarios retratistas: Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough.
Destacan:
JOHN CONSTABLE (1776-1837) Todos sus cuadros reproducen escenas de la campiña inglesa. Su materia es espesa y grasienta, llegando a servirse de la espátula. "El carro del heno" (National Gallery. Londres) Llama la atención la autenticidad de la escena y la intensidad de la luz que envuelve toda la escena; los colores tienen una fuerza extraordinaria -no los mezcla en la paleta, los yuxtapone mediante pequeños toques en el lienzo-.
JOSEPH M. WILLIAM TURNER (1775-1851) Influido por el pintor francés Claudio de Lorena. Es uno de los más importantes coloristas de la historia del Arte occidental. Fue el primer pintor que representó una locomotora en 'Lluvia, vapor y velocidad' (National Gallery. London) Óleo sobre lienzo. Una máquina de vapor atraviesa el puente bajo una espesa lluvia. Prodigiosa captación de la luz, el color y la atmósfera. Los colores se velan, se difuminan, se transparentan mediante una técnica de embadurnamiento y raspadura. La composición se divide en dos partes casi iguales: el cielo con la lluvia que cae ocupa la parte superior, y el río con el puente, una pequeña barca de remos y el tren, la inferior.

PINTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS

Cronológicamente arranca de la Revolución Francesa y tiene en Johann Joachim Wincklemann su teórico. Durante este período la historia de Europa está marcada por los acontecimientos franceses. PARÍS es la capital política y cultural con mayor influencia en la vida europea.
A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura no contaba con modelos clásicos, puesto que las halladas en Pompeya apenas tuvieron repercusión. Por esto los pintores se van a inspirar en los relieves.
La técnica sigue siendo el óleo sobre lienzo, también se utiliza la acuarela para tomar apuntes. La factura es corta y acabada, a textura lisa y brillante, a veces casi esmaltada.
Se pone de moda el modelo del natural. Para eso los centros oficiales contratan hombres y mujeres, que posan desnudos, o vestidos, si el estudio ha de ser de telas.
El dibujo ocupa la primacía, se inspira en la escultura; delimita las figuras, organiza los ritmos de la composición.
El color era contemplado con mucha precaución, era un elemento secundario en comparación con el modelado y el dibujo. Se busca el equilibrio entre gamas y tonos.
El modelado se consigue por suaves gradaciones de luces y sombras, por estudio tonal; las figuras tienen un volumen claro.
La luz es difusa, clara, a veces fría; ilumina todo más o menos por igual.
La perspectiva no interesa, en general no hay grandes espacios desarrollados en profundidad, quizá porque los pintores, al tomar como modelo los relieves clásicos, optan por distribuir sus figuras sobre un plano a modo de friso.
La composición busca la claridad, el equilibrio, la simetría, la ordenación de los personajes en filas paralelas y la estaticidad.

Es una pintura figurativa con fuerte carga de idealización, como ya hemos comentado al hablar de la escultura. Los temas están en la misma línea: mitología, retratos e históricos -tanto del presente como del pasado.
Invención neoclásica es el SALÓN DE EXPOSICIONES. El Estado es el primer interesado en el fomento del Arte.

PINTURA NEOCLÁSICA EN FRANCIA
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825)
Es el verdadero promotor del Neoclasicismo en Francia.
Se inspiró en los relieves grecorromanos, de los cuales toma la simetría, la falta de profundidad y la ordenación de las figuras en filas paralelas. En la época Antigua David buscaba el heroísmo.
Obras importantes son:
El Juramento de los Horacios (Museo del Louvre. París)
Aquí los tres hermanos Horacios juran ante su padre lealtad al estado y ponen a disposición su vida para defenderlo. En un rincón, unas mujeres muestran su abatimiento por lo que va a acontecer. Se trata de un tema de la Roma antigua. Nunca antes se había representado mejor el conflicto entre el deber, el sentimiento.
La burguesía prerrevolucionaria pudo ver reflejados en el lienzo los valores de virtud cívica, patriotismo y heroísmo, con todo lo que estos principios representaban en aquel momento.
El cromatismo se subordina al dibujo.

Retrato de madame Recamier (Museo del Louvre. París)

Retrato de la mujer de un banquero, ideal de la elegancia femenina. La ambientación es clásica, acaban de ser descubiertas las ruinas de Pompeya y Herculano. La obra está inacabada. Predominan los colores fríos y neutros que dan a la obra un aire de sobriedad.
Muerte de Marat (Museos Reales de Bellas Artes. Bruselas)
Según su propia declaración, nos muestra a Marat tal como le había visto el día anterior a su muerte. Su pobreza y su dedicación al pueblo se resaltan en la obra a través de los objetos sencillos de la estancia donde encuentra la muerte. El cuchillo nos informa del asesinato, pero se ha evitado la descripción y la retórica.

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
Fue un gran defensor de la tradición clásica de la Academia. Fue también el principal rival de Delacroix. Pintó muchos temas de la literatura y de la Antigüedad, y realizó numerosas escenas de baño y de harén en donde refleja su atracción por el desnudo femenino y su dominio de él.
De sus obras destacan entre otras:
La Gran Odalisca (Museo del Louvre. París)
Aquí trata un tema exótico. La línea y el dibujo definen un espacio de formas clásicas perfectas.
A pesar de los contrapostos y torsiones internos, la figura entera está recogida en un solo plano. Figura alargada y serpentinata (manierismo). Iluminación dorada. Gran riqueza de colorido en los accesorios. Con asombrosa precisión refleja la textura de las telas.
El baño turco (Museo del Louvre. París)
Es una de sus obras maestras pintada a los ochenta y dos años y en la que demuestra su fascinación por el mundo oriental, que más tarde será uno de los temas principales de la pintura romántica. Puebla el cuadro de infinidad de mujeres, en posturas y actitudes distintas. En primer plano: bodegón.

ESCULTURA NEOCLÁSICA

CARACTERÍSTICAS

Vuelve también a los patrones grecorromanos. El retrato romano ejercerá gran influencia en los que se realicen en este periodo.
El material por excelencia es el mármol. Se talla con una técnica excelente, su superficie se pule mucho. En las esculturas exentas hay un punto de vista preferente, en los relieves no hay interés por la profundidad, se suelen desarrollar a modo de friso.
Se prefieren las imágenes en reposo, serenas pero no rígidas, por eso recurren al viejo principio del contraposto clásico.

Las composiciones se someten a los principios de equilibrio y simetría.
La luz que incide sobre las figuras de forma difusa, clara y no muy fuerte, para que se potencie la sensación de reposo y suavidad. Van sin policromar.
Son figurativas, de fuerte idealismo.
La figura humana es el tema fundamental, especialmente el desnudo, dentro del contexto de la mitología o del retrato idealizado. También se desarrolla la escultura funeraria.
Entre los escultores neoclásicos destaca:

ANTONIO CANOVA (1757-1822)
Canova es la figura central de la escultura neoclásica y plasmó mejor que nadie los valores de las nuevas clases dirigentes surgidas tras la Revolución Francesa. Su obra está influida por las teorías de Winckelmann, historiador y teórico del arte que propugnaba el retorno a los modelos clásicos redescubiertos.
Esculpió gran número de figuras mitológicas como:
Eros y Psique (Museo del Louvre. París)

Obra de bulto redondo realizada en mármol de 155 x 168 cm.
Psique, una muchacha bellísima de la que se enamoró Eros, cayó sumida en un sueño profundo al destapar el cántaro que debía entregar a Venus por encargo de Proserpina. El beso apasionado de Eros la despertó.
El planteamiento compositivo resulta muy expresivo. Eros se inclina para besar a Psique mientras que ella se incorpora sobre la cadera derecha y levanta el rostro hacia el de su amado. Ambos cuerpos trazan una X, hacia donde la vista del observador es hábilmente dirigida, se corresponde con los labios de los protagonistas, a punto de encontrarse.
Formalmente es una imagen cerrada, sin ángulos de visión, que invita al espectador a quedarse fuera de la acción.
El pulido de la estatua es escrupuloso.
La incidencia de la luz sobre la obra provoca un conseguido claroscuro.
Destaca por su serena idealización.

Una de las obras que más fama ha adquirido es el retrato de "Paulina Bonaparte" hermana de Napoleón, representada como Venus victoriosa que se encuentra en la Galería Borghese en Roma. Esta representación se debe poner en relación con el cuadro de David "Madame Récamier", y parece ser que lngres se inspiró en ella para pintar "La gran Odalisca". Aparece en reposo, reclinada sobre un triclinio, y está parcialmente desnuda. Nos muestra una manzana, símbolo del trofeo que recibió Afrodita por su belleza. Está hecha para ser vista frontalmente o por detrás.

Las tres Gracias (Museo del Ermitage. San Petersburgo)
Son deidades menores que acompañaban a Venus. Realiza varias versiones de este tema, entre la que es preciso destacar la que conserva el "Victoria and Albert Museum" de Londres.
Las diosas desnudas entrelazan sus cuerpos de equilibradas anatomías, creando un conjunto cerrado y un ambiente íntimo.
El escultor crea una composición profundamente armoniosa, que tiene un punto de vista principal en el frente, pero que puede ser percibida por detrás y por los laterales.
Las posturas son elegantes y las superficies pulidas y blancas. Todo en ellas es equilibrio, serenidad, estabilidad y perfecta belleza.