CARACTERÍSTICAS MANIERISMO
El nombre se tomó del término italiano 'maniera' y se aplicó a algunos pintores que cultivaban una forma de pintar que exageraba algunos aspectos del clasicismo. Hay que considerar a Miguel Ángel como punto de partida de una ruptura con respecto al lenguaje clásico.
Este movimiento presenta un carácter intelectual y cerrado. Es una pintura elegante y refinada. Sus principales características son:
La búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico.
El agobio espacial frente a la amplitud.
El cromatismo intenso frente al suave. El color amarillo se pone de moda.
La inquietud frente al orden.
El amor a lo curvo y ondulante.
Impone la inestabilidad. Los pies se apoyan sobre las puntas dando la impresión de que las figuras se deslizan suavemente en el espacio.
Los pintores utilizan una perspectiva ('anamorfosis') donde los objetos se deforman.
Principales pintores:
JACOBO PONTORMO (1494-1556) Contemporáneo de Miguel Ángel, pinta:
"El descendimiento" (Capilla Capponi en Santa Felicitá. Florencia) Composición realizada desde un punto de vista bajo. Todo el grupo está dispuesto en un movimiento circular. Enorme dinamicidad, actitudes 'serpentinatas', inestables. Colores irreales, muy brillantes.
BRONZINO (1502-1572) Discípulo de Pontormo y gran admirador de Miguel Ángel. Fue pintor de los Médicis.
"Venus abrazada por Cupido" (National Gallery. Londres) Obra de tema alegórico y de compleja interpretación. En el centro de la composición se representa a Venus abrazada por Cupido, acompañados por el Placer, el Engaño y los Celos. A los pies las máscaras pueden ser la alegoría de la Tragedia y la Comedia y encima de todo ello el Tiempo (Tragedia + Tiempo= Comedia). La obra destaca por el tratamiento marmóreo de los cuerpos, de una delicadeza fría. Magistral utilización del color, especialmente el azul.
PARMIGIANINO (1503-1540) Difunde el estilo de Correggio.
"Madonna del largo cuello" (Galería Uffizi. Florencia) Para alargar los cuerpos de los personajes utilizó lentes aberrantes. Las actitudes de las figuras son rebuscadas. Movimiento deslizante, de caída, especialmente el cuerpo del Niño. Composición triangular.
ESCUELA DE VENECIA (S. XVI)
Debido al auge económico de esta ciudad se desarrolla una gran actividad artística. Estuvo a la altura de Roma y fue la primera escuela en utilizar la técnica del óleo durante el siglo XV introducida por Antonello de Messina. Sienten verdadera pasión por el color y la luz por lo que envuelven sus composiciones en una atmósfera especial que desdibuja los perfiles. La pincelada es ancha y decidida. Esta escuela es iniciada por:
GIORGIONE (1478-1510) Discípulo de los Bellini y compañero de Tiziano. Muere antes de cumplir los treinta años por lo que su obra fue escasa. Transforma el paisaje y el desnudo femenino.
"La Tempestad" (Academia de Bellas Artes. Venecia) Combinación de desnudo y paisaje. Las figuras -un joven con una pica y una mujer, casi desnuda, amamantando a un niño- aparecen apartadas para que el espectador se enfrente con la naturaleza. Gran belleza de colorido, contraste entre luces y sombras, utiliza la técnica del sfumato y la instantaneidad.
"Concierto campestre" (Museo del Louvre. París) Representa a dos muchachos músicos sentados en el suelo acompañados por dos jóvenes desnudas. Estos se integran perfectamente en el paisaje. Las figuras reciben un potente foco de luz que crea efectos de claroscuro. Algunos críticos atribuyen la obra a Tiziano. Influencia en "Le Déjeuner sur l'herbe" de Manet.
"Venus dormida" (Pinacoteca de Dresde) Con esta obra Giorgione inaugura el tipo de Venus en reposo que adoptará Tiziano y tantos pintores posteriores. Composición equilibrada en la que destacan la luz difusa que inunda el cuadro y las suaves formas del cuerpo de la diosa. La obra queda inconclusa al morir Giorgione y la terminará Tiziano.
TIZIANO VECELLIO (1488?-1576) Se formó en el taller de los Bellini con Giorgine. Debido a su longevidad pintó muchísimo evolucionando su estilo profundamente. Pintó para el emperador Carlos V y su hijo Felipe II. Cultivó diferentes géneros: religioso, alegórico, mitológico, retrato.
TEMAS MITOLÓGICOS:
"Amor sagrado y amor profano" (Galería Borghese. Roma) Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón aparece en el sarcófago- y Laura Bagarotto en la primavera de 1514, realizó este trabajo que se vincula con las alegorías neoplatónicas. Reduce la gama de colores a dos tonalidades (rojo-blanco). Composición horizontal a modo de friso clásico. Detallismo de las telas.
"Bacanal" (Museo del Prado. Madrid) Trata el tema de la llegada de Dionisos a la isla de Andros. En el ángulo derecho aparece una figura desnuda y dormida que nos remite a Ariadna, personaje de la mitología ligado a Baco, y que es una clara referencia a la escultura clásica, frecuente en la pintura italiana de la época.
"Dánae recibiendo la lluvia de oro" (Museo del Prado. Madrid) Encargo de Felipe II. La obra se define por la luz y el tramiento del color. Es una luz dorada procedente del cielo que baña el cuerpo femenino desnudo, perfecto. La sensualidad de la escena se intensifica con la aplicación del 'sfumato'.
"Venus de Urbino" (Galería Uffizi. Florencia) Inspirada en la Venus dormida de Giorgione. Se interpreta como una alegoría del amor y la fidelidad conyugal -perro dormido-. Destaca por sus texturas cálidas y por sus colores pastosos. La obra sirvió de inspiración para otro cuadro excepcional 'Olimpia' de Manet.
RETRATOS:
"El emperador Carlos V a caballo, en Mühlberg" (Museo del Prado. Madrid) Retrato aúlico del emperador a caballo, con el Toisón de oro, portando las armas y la coraza que llevaba el día de la batalla de Mühlberg en la que derrotó a los protestantes. Situado en un paisaje con el río Elba al fondol La figura, en diagonal, es el centro de interés máximo. Gran contraste luminoso. Color atenuado, los contornos fluctúan y se pierde toda precisión.
"Retrato de Isabel de Portugal" (Museo del Prado. Madrid) Capta en esta obra el carácter inteligente y la personalidad de la emperatriz. Los detalles del vestido, con brocados, pedrería y encajes, son de altísima calidad. El colorido es muy característico del pintor, empleando tonos rojizos y pardos muy destacados por la luz.
PAOLO VERONÉS (1528-1588) Su estilo es claro, luminoso , decorativo, mundano. Pintor por excelencia de la mujer veneciana.
"Las bodas de Caná" (Museo del Louvre. París) Cuadro de enormes dimensiones pintado para el refectorio del convento de San Jorge el Mayor de Venecia. Desarrolla una gran composición al aire libre que destaca por su escenografía arquitectónica y en donde sitúa a más de cien figuras. Domina el gusto por el lujo y el detalle típico de la escuela veneciana.
"Venus y Adonis" (Museo del Prado. Madrid) Escena mitológica en la que coloca una gran diagonal que divide en dos triángulos el cuadro. Rico y vivo colorido, utiliza colores primarios matizados, no puros. Los personajes visten a la moda veneciana y parecen sacadas de un salón. Otra de sus preocupaciones será mostrar las expresiones: el gesto de Adonis, profundamente dormido, y Venus, atenta a lo que hace Cupido. La riqueza de las telas, con un vibrante colorido, y el interés por la luz completan la obra.
JACOPO ROBUSTI "IL TINTORETTO" (1518-1594) Supo conjugar el gusto veneciano por el color, el paisaje, la luz con difíciles actitudes anatómicas en sus figuras y predominio de escorzos. Es el gran perspectivista de la escuela.
El nombre se tomó del término italiano 'maniera' y se aplicó a algunos pintores que cultivaban una forma de pintar que exageraba algunos aspectos del clasicismo. Hay que considerar a Miguel Ángel como punto de partida de una ruptura con respecto al lenguaje clásico.
Este movimiento presenta un carácter intelectual y cerrado. Es una pintura elegante y refinada. Sus principales características son:
La búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico.
El agobio espacial frente a la amplitud.
El cromatismo intenso frente al suave. El color amarillo se pone de moda.
La inquietud frente al orden.
El amor a lo curvo y ondulante.
Impone la inestabilidad. Los pies se apoyan sobre las puntas dando la impresión de que las figuras se deslizan suavemente en el espacio.
Los pintores utilizan una perspectiva ('anamorfosis') donde los objetos se deforman.
Principales pintores:
JACOBO PONTORMO (1494-1556) Contemporáneo de Miguel Ángel, pinta:
"El descendimiento" (Capilla Capponi en Santa Felicitá. Florencia) Composición realizada desde un punto de vista bajo. Todo el grupo está dispuesto en un movimiento circular. Enorme dinamicidad, actitudes 'serpentinatas', inestables. Colores irreales, muy brillantes.
BRONZINO (1502-1572) Discípulo de Pontormo y gran admirador de Miguel Ángel. Fue pintor de los Médicis.
"Venus abrazada por Cupido" (National Gallery. Londres) Obra de tema alegórico y de compleja interpretación. En el centro de la composición se representa a Venus abrazada por Cupido, acompañados por el Placer, el Engaño y los Celos. A los pies las máscaras pueden ser la alegoría de la Tragedia y la Comedia y encima de todo ello el Tiempo (Tragedia + Tiempo= Comedia). La obra destaca por el tratamiento marmóreo de los cuerpos, de una delicadeza fría. Magistral utilización del color, especialmente el azul.
PARMIGIANINO (1503-1540) Difunde el estilo de Correggio.
"Madonna del largo cuello" (Galería Uffizi. Florencia) Para alargar los cuerpos de los personajes utilizó lentes aberrantes. Las actitudes de las figuras son rebuscadas. Movimiento deslizante, de caída, especialmente el cuerpo del Niño. Composición triangular.
ESCUELA DE VENECIA (S. XVI)
Debido al auge económico de esta ciudad se desarrolla una gran actividad artística. Estuvo a la altura de Roma y fue la primera escuela en utilizar la técnica del óleo durante el siglo XV introducida por Antonello de Messina. Sienten verdadera pasión por el color y la luz por lo que envuelven sus composiciones en una atmósfera especial que desdibuja los perfiles. La pincelada es ancha y decidida. Esta escuela es iniciada por:
GIORGIONE (1478-1510) Discípulo de los Bellini y compañero de Tiziano. Muere antes de cumplir los treinta años por lo que su obra fue escasa. Transforma el paisaje y el desnudo femenino.
"La Tempestad" (Academia de Bellas Artes. Venecia) Combinación de desnudo y paisaje. Las figuras -un joven con una pica y una mujer, casi desnuda, amamantando a un niño- aparecen apartadas para que el espectador se enfrente con la naturaleza. Gran belleza de colorido, contraste entre luces y sombras, utiliza la técnica del sfumato y la instantaneidad.
"Concierto campestre" (Museo del Louvre. París) Representa a dos muchachos músicos sentados en el suelo acompañados por dos jóvenes desnudas. Estos se integran perfectamente en el paisaje. Las figuras reciben un potente foco de luz que crea efectos de claroscuro. Algunos críticos atribuyen la obra a Tiziano. Influencia en "Le Déjeuner sur l'herbe" de Manet.
"Venus dormida" (Pinacoteca de Dresde) Con esta obra Giorgione inaugura el tipo de Venus en reposo que adoptará Tiziano y tantos pintores posteriores. Composición equilibrada en la que destacan la luz difusa que inunda el cuadro y las suaves formas del cuerpo de la diosa. La obra queda inconclusa al morir Giorgione y la terminará Tiziano.
TIZIANO VECELLIO (1488?-1576) Se formó en el taller de los Bellini con Giorgine. Debido a su longevidad pintó muchísimo evolucionando su estilo profundamente. Pintó para el emperador Carlos V y su hijo Felipe II. Cultivó diferentes géneros: religioso, alegórico, mitológico, retrato.
TEMAS MITOLÓGICOS:
"Amor sagrado y amor profano" (Galería Borghese. Roma) Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón aparece en el sarcófago- y Laura Bagarotto en la primavera de 1514, realizó este trabajo que se vincula con las alegorías neoplatónicas. Reduce la gama de colores a dos tonalidades (rojo-blanco). Composición horizontal a modo de friso clásico. Detallismo de las telas.
"Bacanal" (Museo del Prado. Madrid) Trata el tema de la llegada de Dionisos a la isla de Andros. En el ángulo derecho aparece una figura desnuda y dormida que nos remite a Ariadna, personaje de la mitología ligado a Baco, y que es una clara referencia a la escultura clásica, frecuente en la pintura italiana de la época.
"Dánae recibiendo la lluvia de oro" (Museo del Prado. Madrid) Encargo de Felipe II. La obra se define por la luz y el tramiento del color. Es una luz dorada procedente del cielo que baña el cuerpo femenino desnudo, perfecto. La sensualidad de la escena se intensifica con la aplicación del 'sfumato'.
"Venus de Urbino" (Galería Uffizi. Florencia) Inspirada en la Venus dormida de Giorgione. Se interpreta como una alegoría del amor y la fidelidad conyugal -perro dormido-. Destaca por sus texturas cálidas y por sus colores pastosos. La obra sirvió de inspiración para otro cuadro excepcional 'Olimpia' de Manet.
RETRATOS:
"El emperador Carlos V a caballo, en Mühlberg" (Museo del Prado. Madrid) Retrato aúlico del emperador a caballo, con el Toisón de oro, portando las armas y la coraza que llevaba el día de la batalla de Mühlberg en la que derrotó a los protestantes. Situado en un paisaje con el río Elba al fondol La figura, en diagonal, es el centro de interés máximo. Gran contraste luminoso. Color atenuado, los contornos fluctúan y se pierde toda precisión.
"Retrato de Isabel de Portugal" (Museo del Prado. Madrid) Capta en esta obra el carácter inteligente y la personalidad de la emperatriz. Los detalles del vestido, con brocados, pedrería y encajes, son de altísima calidad. El colorido es muy característico del pintor, empleando tonos rojizos y pardos muy destacados por la luz.
PAOLO VERONÉS (1528-1588) Su estilo es claro, luminoso , decorativo, mundano. Pintor por excelencia de la mujer veneciana.
"Las bodas de Caná" (Museo del Louvre. París) Cuadro de enormes dimensiones pintado para el refectorio del convento de San Jorge el Mayor de Venecia. Desarrolla una gran composición al aire libre que destaca por su escenografía arquitectónica y en donde sitúa a más de cien figuras. Domina el gusto por el lujo y el detalle típico de la escuela veneciana.
"Venus y Adonis" (Museo del Prado. Madrid) Escena mitológica en la que coloca una gran diagonal que divide en dos triángulos el cuadro. Rico y vivo colorido, utiliza colores primarios matizados, no puros. Los personajes visten a la moda veneciana y parecen sacadas de un salón. Otra de sus preocupaciones será mostrar las expresiones: el gesto de Adonis, profundamente dormido, y Venus, atenta a lo que hace Cupido. La riqueza de las telas, con un vibrante colorido, y el interés por la luz completan la obra.
JACOPO ROBUSTI "IL TINTORETTO" (1518-1594) Supo conjugar el gusto veneciano por el color, el paisaje, la luz con difíciles actitudes anatómicas en sus figuras y predominio de escorzos. Es el gran perspectivista de la escuela.
