(Ver arquitectura en Italia)
CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Época de grandes artistas, afincados principalmente en Florencia.
Los artistas basarán su atención en la belleza de las formas (basada en la proporción y la armonía). Se inspiran en un acentuado naturalismo.
El artista abandona el anonimato y tiene conciencia de creador.
Se representan temas:
A) profanos: históricos, mitológicos y alegorías (representación simbólica de ideas abstractas), a imitación de la época clásica.
B) religiosos: siguen siendo los más representados pero con rasgos físicos humanizados.
C) retratos: pueden ser bustos, ecuestres, de cuerpo entero, funerarios, etc.
Aparecen técnicas totalmente nuevas como “la perspectiva” o el llamado ‘stiacciato’ (aplastado): representación en bajorrelieve de complejos efectos de profundidad. El relieve tendrá carácter abiertamente pictórico y se ajustará a las leyes de la perspectiva lineal.
Trabajan todo tipo de materiales: mármol, piedra, bronce (gran perfección en su fundición), madera, terracota (arcilla muy fina cocida), etc.
Durante toda la primera mitad del siglo XV predomina el realismo.
El movimiento se patentizará a través del contraposto y la tensión del movimiento en potencia, hasta llegar el manierismo que añadirá las posiciones inestables y movimiento en caída, expresados en su preferencia por la helicoidal.
El color no siempre está presente.
1. Principales escultores del Quattrocento:
LORENZO GHIBERTI (1378-1455)
Es un broncista, con facultades de orfebre y con tendencia a lograr efectos pictóricos.
"Puertas del Baptisterio de Florencia"
Es un broncista, con facultades de orfebre y con tendencia a lograr efectos pictóricos.
"Puertas del Baptisterio de Florencia"
Participó en el concurso junto con los principales artistas de la ciudad, ganándolo.
Su obra resultó tan perfecta que Miguel Ángel dijo que las puertas eran dignas de ser las del ‘Paraíso’, y desde entonces se las llama así: “Las Puertas del Paraíso”.
Adoptó una forma cuadrada, muy apropiada para conseguir un efecto pictórico. Para conseguir este efecto, el modelado decrece hacia el fondo, donde se colocan como pantalla de término, árboles o arquitecturas clásicas. Los recuadros (representan escenas del Antiguo Testamento) se envuelven con una orla decorada con pájaros, medallones con cabezas humanas, nichos con estatuas, flores, frutas y animales emulando la decoración de los manuscritos.
DONATO DI NICOLO (DONATELLO) (1382-1466)
Gran amigo de Brunelleschi. Fue un maestro de la representación de la figura humana, su expresión y anatomía. Representó todos los estados de ánimo, la alegría y la tristeza, el curso completo de la vida, desde la infancia hasta la senectud.
Su obra resultó tan perfecta que Miguel Ángel dijo que las puertas eran dignas de ser las del ‘Paraíso’, y desde entonces se las llama así: “Las Puertas del Paraíso”.
Adoptó una forma cuadrada, muy apropiada para conseguir un efecto pictórico. Para conseguir este efecto, el modelado decrece hacia el fondo, donde se colocan como pantalla de término, árboles o arquitecturas clásicas. Los recuadros (representan escenas del Antiguo Testamento) se envuelven con una orla decorada con pájaros, medallones con cabezas humanas, nichos con estatuas, flores, frutas y animales emulando la decoración de los manuscritos.
DONATO DI NICOLO (DONATELLO) (1382-1466)
Gran amigo de Brunelleschi. Fue un maestro de la representación de la figura humana, su expresión y anatomía. Representó todos los estados de ánimo, la alegría y la tristeza, el curso completo de la vida, desde la infancia hasta la senectud.
"David" (Museo del Bargello). Florencia.
Escultura exenta, realizada en bronce. Es el primer desnudo completo del Renacimiento.
Es un tipo praxitélico. Representa un adolescente real de pecho estrecho, costado poco redondeado, no se ha desarrollado. Tocado con el sombrero de paja con una guirnalda de los campesinos toscanos.
"Retrato ecuestre del Condottiero Gattamelata" (Padua)
El nombre del Condottiero era Erasmo de Narni, apodado Gattamelata (gata melosa) por su astucia, recuerda a los mejores retratos romanos.
Erige una escultura ecuestre como las que Roma destinaba a sus emperadores. Se ha dicho que se inspiró en el célebre Marco Aurelio del Capitolio romano. De hecho el Condottiero va vestido a la romana. En la coraza se representa la gorgona.
Modelada en bulto redondo, visible desde todos los lados, trabajada con una serie de superficies curvas. En su ejecución se invierte 9 años.
LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482)
Creador de temas como: Vírgenes con el Niño, ángeles, infantes, etc. de movimientos dulces y calmados, siempre sonrientes y pacíficos.
Las composiciones se envuelven en orlas decoradas con frutas y flores, a todo color.
También trabaja el mármol.
"La Cantoría de la Catedral de Florencia"
Son diez relieves labrados en mármol en un marco arquitectónico. Representa el tema de los niños cantando.
ANDREA CIONE “IL VERROCCHIO” (1436-1488)
Prefiere trabajar en bronce. Fue maestro de Leonardo.
Su obra maestra es:
Escultura exenta, realizada en bronce. Es el primer desnudo completo del Renacimiento.
Es un tipo praxitélico. Representa un adolescente real de pecho estrecho, costado poco redondeado, no se ha desarrollado. Tocado con el sombrero de paja con una guirnalda de los campesinos toscanos.
"Retrato ecuestre del Condottiero Gattamelata" (Padua)
El nombre del Condottiero era Erasmo de Narni, apodado Gattamelata (gata melosa) por su astucia, recuerda a los mejores retratos romanos.
Erige una escultura ecuestre como las que Roma destinaba a sus emperadores. Se ha dicho que se inspiró en el célebre Marco Aurelio del Capitolio romano. De hecho el Condottiero va vestido a la romana. En la coraza se representa la gorgona.
Modelada en bulto redondo, visible desde todos los lados, trabajada con una serie de superficies curvas. En su ejecución se invierte 9 años.
LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482)
Creador de temas como: Vírgenes con el Niño, ángeles, infantes, etc. de movimientos dulces y calmados, siempre sonrientes y pacíficos.
Las composiciones se envuelven en orlas decoradas con frutas y flores, a todo color.
También trabaja el mármol.
"La Cantoría de la Catedral de Florencia"
Son diez relieves labrados en mármol en un marco arquitectónico. Representa el tema de los niños cantando.
ANDREA CIONE “IL VERROCCHIO” (1436-1488)
Prefiere trabajar en bronce. Fue maestro de Leonardo.
Su obra maestra es:
"Retrato ecuestre del Condottiero Colleoni" (Venecia)
Verrocchio da una réplica al Gattamelata de Donatello. Mientras que el Gattamelata es un modelo equilibrado y clásico, el Colleoni lo es romántico. Hay movimiento, el jinete se hecha hacia atrás para contener el impulso del caballo en la mano derecha empuña un bastón símbolo de mando.
El caballo apoya solo tres de sus patas en el suelo, mientras que eleva la cuarta para dar más sensación de movimiento.
El caballo apoya solo tres de sus patas en el suelo, mientras que eleva la cuarta para dar más sensación de movimiento.
2. Principales escultores del Cinquecento.
Durante este periodo aumenta el interés por lo monumental –potenciado por los hallazgos arqueológicos de la Antigüedad, en especial el “grupo de Laoconte” en 1506- y es el momento de las grandes esculturas de bulto redondo.
El gran genio escultórico es:
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
También fue notable arquitecto y pintor.
Durante este periodo aumenta el interés por lo monumental –potenciado por los hallazgos arqueológicos de la Antigüedad, en especial el “grupo de Laoconte” en 1506- y es el momento de las grandes esculturas de bulto redondo.
El gran genio escultórico es:
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
También fue notable arquitecto y pintor.
Sus figuras son siempre grandiosas, verdaderos titanes, de facciones perfectas. En los cuerpos la musculatura, cada vez más acusada, revela los largos años dedicados por el artista al estudio de la anatomía y la impresión en él producida por el grupo de LAOCONTE, obra recién descubierta.
Una de sus principales preocupaciones es el movimiento conseguido a través del contraposto y de los músculos en tensión.
En sus obras se aprecian los sentimientos más diversos, fruto de sus cambiantes estados de ánimo. El más fuerte y dominante fue el dramatismo: “TERRIBILITÁ”.
Otra característica de su obra es el uso del mármol en bloques inmensos que trabaja a través de la técnica sustractiva (“esculpir es quitar, no poner”), con ello la escultura sale limpia, sin añadidos.
Se preocupa mucho de la textura de las superficies. Consigue pulimentos perfectos, a veces las alternaba con zonas inacabadas y sin pulir (técnica del ‘non finito´).
Podemos dividir su trabajo en tres etapas:
PERIODO JUVENIL (1491-1505)
Su arte expresa la búsqueda de la belleza ideal de forma semejante al clasicismo griego.
Una de sus principales preocupaciones es el movimiento conseguido a través del contraposto y de los músculos en tensión.
En sus obras se aprecian los sentimientos más diversos, fruto de sus cambiantes estados de ánimo. El más fuerte y dominante fue el dramatismo: “TERRIBILITÁ”.
Otra característica de su obra es el uso del mármol en bloques inmensos que trabaja a través de la técnica sustractiva (“esculpir es quitar, no poner”), con ello la escultura sale limpia, sin añadidos.
Se preocupa mucho de la textura de las superficies. Consigue pulimentos perfectos, a veces las alternaba con zonas inacabadas y sin pulir (técnica del ‘non finito´).
Podemos dividir su trabajo en tres etapas:
PERIODO JUVENIL (1491-1505)
Su arte expresa la búsqueda de la belleza ideal de forma semejante al clasicismo griego.
"La Pietá" (San Pedro del Vaticano)
Tema religioso ejecutado en mármol blanco. Concebida para ser contemplada desde un punto de vista frontal.
La composición, en forma de pirámide, cerrada, resalta la unidad armoniosa de las dos figuras: para conseguir el perfil triangular requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, ajustando así mejor el cuerpo masculino.
"David" (Museo de la Academia. Florencia)
Tiene un tamaño colosal hecho todo de una pieza. En el rostro aparece el típico gesto de la “Terribilitá”, como en el cuerpo su preocupación por la musculatura.
La postura parece tranquila pero llena de tensión. El contraste entre los dos lados es muy marcado: Todo el peso descansa sobre la pierna derecha, y este lado es estrictamente vertical y cerrado. El otro lado, con la silueta quebrada por el brazo levantado, está abierta.
PERIODO DE MADUREZ (1505-1534)
Miguel Ángel abandona el ideal estético del clasicismo y evoluciona hacia tendencias estéticas barrocas y manieristas.
"Mausoleo de Julio II" (Iglesia de San Pietro in Vincoli. Roma)
Tema religioso ejecutado en mármol blanco. Concebida para ser contemplada desde un punto de vista frontal.
La composición, en forma de pirámide, cerrada, resalta la unidad armoniosa de las dos figuras: para conseguir el perfil triangular requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, ajustando así mejor el cuerpo masculino.
"David" (Museo de la Academia. Florencia)
Tiene un tamaño colosal hecho todo de una pieza. En el rostro aparece el típico gesto de la “Terribilitá”, como en el cuerpo su preocupación por la musculatura.
La postura parece tranquila pero llena de tensión. El contraste entre los dos lados es muy marcado: Todo el peso descansa sobre la pierna derecha, y este lado es estrictamente vertical y cerrado. El otro lado, con la silueta quebrada por el brazo levantado, está abierta.
PERIODO DE MADUREZ (1505-1534)
Miguel Ángel abandona el ideal estético del clasicismo y evoluciona hacia tendencias estéticas barrocas y manieristas.
"Mausoleo de Julio II" (Iglesia de San Pietro in Vincoli. Roma)
Del proyecto inicial sólo quedó el sepulcro mural, inacabado compuesto por Moisés, los dos Esclavos y las figuras de Lía (a la izquierda de Moisés) y Raquel (a la derecha) que se cree simbolizan la vida activa y la contemplativa.
Trabajó
Trabajó
MOISÉS
Escultura exenta sedente realizada en mármol de 2,54m. Está representado en el momento de contemplar la adoración del becerro de oro; la ira se agolpa en el rostro de Moisés. Representa el arrebato del conductor de un pueblo que se levanta contra la idolatría.
La obra es un ejercicio de fuerza expresiva y grandiosidad.
Escultura exenta sedente realizada en mármol de 2,54m. Está representado en el momento de contemplar la adoración del becerro de oro; la ira se agolpa en el rostro de Moisés. Representa el arrebato del conductor de un pueblo que se levanta contra la idolatría.
La obra es un ejercicio de fuerza expresiva y grandiosidad.
"Sepulcro de los Médicis" (Sacristía Nueva de San Lorenzo. Florencia)
Las figuras sepulcrales se ofrecen sentadas.
Julián posee todo el empaque de un general romano, en actitud arrogante. Es la representación del hombre activo.
Lorenzo sostiene la cabeza con la mano, en actitud pensativa; es la representación de la vida contemplativa, emblema del hombre reflexivo, melancólico, silencioso. Son dos temperamentos distintos.
Recostadas sobre las urnas aparecen cuatro figuras desnudas, símbolos de los cuatro momentos principales del día.
Algunas de estas figuras quedaron sin acabar.
PERIODO DE VEJEZ (1548-1564)
Durante esta etapa rompe definitivamente con el clasicismo del Renacimiento. Su arte abandona la realidad para pasar a la abstracción acercándose aún más al manierismo.
Máximo exponente del periodo es la "Piedad Rondanini". Realizada en mármol de 1,91m. Grupo escultórico (María y Jesús) de formas simples, con tosco acabado y falta de claroscuro. Ausencia de expresividad. El cliente es la familia Sforza.
Las figuras sepulcrales se ofrecen sentadas.
Julián posee todo el empaque de un general romano, en actitud arrogante. Es la representación del hombre activo.
Lorenzo sostiene la cabeza con la mano, en actitud pensativa; es la representación de la vida contemplativa, emblema del hombre reflexivo, melancólico, silencioso. Son dos temperamentos distintos.
Recostadas sobre las urnas aparecen cuatro figuras desnudas, símbolos de los cuatro momentos principales del día.
Algunas de estas figuras quedaron sin acabar.
PERIODO DE VEJEZ (1548-1564)
Durante esta etapa rompe definitivamente con el clasicismo del Renacimiento. Su arte abandona la realidad para pasar a la abstracción acercándose aún más al manierismo.
Máximo exponente del periodo es la "Piedad Rondanini". Realizada en mármol de 1,91m. Grupo escultórico (María y Jesús) de formas simples, con tosco acabado y falta de claroscuro. Ausencia de expresividad. El cliente es la familia Sforza.
El alargamiento de las figuras es extremo. Composición sin equilibrio, las figuras parecen resbalarse, acentuando el dinamismo de la obra.
3. Principales escultores manieristas.
La escultura manierista se aparta de la belleza clásica para lograr mayor expresividad y se caracteriza, fundamentalmente, por el dinamismo, el predominio de la línea serpentinata, las posturas teatrales, el movimiento helicoidal y la desproporción.
BENVENUTO CELLINI (1500-1574)
Trabajó como orfebre en París para el rey Francisco I.
3. Principales escultores manieristas.
La escultura manierista se aparta de la belleza clásica para lograr mayor expresividad y se caracteriza, fundamentalmente, por el dinamismo, el predominio de la línea serpentinata, las posturas teatrales, el movimiento helicoidal y la desproporción.
BENVENUTO CELLINI (1500-1574)
Trabajó como orfebre en París para el rey Francisco I.
"Perseo" (Loggia dei Lanzi. Florencia)
Escultura en bronce y de bulto redondo. Representa a un personaje mitológico, Perseo (hijo de Zeus y Dánae) que sostiene en sus manos la cabeza degollada de Medusa con cabellos de serpiente, que con sólo mirar dejaba petrificados a los hombres.
La obra se apoya sobre un elevado pedestal de mármol con relieves y pequeñas esculturas de bronce en la base trabajadas con el mismo cuidado que la figura principal.
JUAN DE BOLONIA (1529-1608)
Gran admirador de las obras de Miguel Ángel de quien recoge la tensión dinámica: utiliza la línea serpentinata.
"Mercurio" (Museo Bargello. Florencia)
Es una figura de pequeño tamaño realizada en bronce. Destaca la total inestabilidad, plenamente manierista, de la figura. Carece de base, se apoya en un solo pie, en actitud danzarina, cuerpo contorsionado y en forma helicoidal.
Multiplicidad de puntos de vista. Líneas de fuga abiertas (el pie hacia atrás y sobre todo la mano y el dedo elevados, ayudados por la posición del brazo contrario).
Escultura en bronce y de bulto redondo. Representa a un personaje mitológico, Perseo (hijo de Zeus y Dánae) que sostiene en sus manos la cabeza degollada de Medusa con cabellos de serpiente, que con sólo mirar dejaba petrificados a los hombres.
La obra se apoya sobre un elevado pedestal de mármol con relieves y pequeñas esculturas de bronce en la base trabajadas con el mismo cuidado que la figura principal.
JUAN DE BOLONIA (1529-1608)
Gran admirador de las obras de Miguel Ángel de quien recoge la tensión dinámica: utiliza la línea serpentinata.
"Mercurio" (Museo Bargello. Florencia)
Es una figura de pequeño tamaño realizada en bronce. Destaca la total inestabilidad, plenamente manierista, de la figura. Carece de base, se apoya en un solo pie, en actitud danzarina, cuerpo contorsionado y en forma helicoidal.
Multiplicidad de puntos de vista. Líneas de fuga abiertas (el pie hacia atrás y sobre todo la mano y el dedo elevados, ayudados por la posición del brazo contrario).
