PINTURA MANIERISTA. ESCUELA DE VENECIA

CARACTERÍSTICAS MANIERISMO
El nombre se tomó del término italiano 'maniera' y se aplicó a algunos pintores que cultivaban una forma de pintar que exageraba algunos aspectos del clasicismo. Hay que considerar a Miguel Ángel como punto de partida de una ruptura con respecto al lenguaje clásico.
Este movimiento presenta un carácter intelectual y cerrado. Es una pintura elegante y refinada. Sus principales características son:
La búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico.
El agobio espacial frente a la amplitud.
El cromatismo intenso frente al suave. El color amarillo se pone de moda.
La inquietud frente al orden.
El amor a lo curvo y ondulante.
Impone la inestabilidad. Los pies se apoyan sobre las puntas dando la impresión de que las figuras se deslizan suavemente en el espacio.
Los pintores utilizan una perspectiva ('anamorfosis') donde los objetos se deforman.
Principales pintores:
JACOBO PONTORMO (1494-1556) Contemporáneo de Miguel Ángel, pinta:
"El descendimiento" (Capilla Capponi en Santa Felicitá. Florencia) Composición realizada desde un punto de vista bajo. Todo el grupo está dispuesto en un movimiento circular. Enorme dinamicidad, actitudes 'serpentinatas', inestables. Colores irreales, muy brillantes.
BRONZINO (1502-1572) Discípulo de Pontormo y gran admirador de Miguel Ángel. Fue pintor de los Médicis.
"Venus abrazada por Cupido" (National Gallery. Londres) Obra de tema alegórico y de compleja interpretación. En el centro de la composición se representa a Venus abrazada por Cupido, acompañados por el Placer, el Engaño y los Celos. A los pies las máscaras pueden ser la alegoría de la Tragedia y la Comedia y encima de todo ello el Tiempo (Tragedia + Tiempo= Comedia). La obra destaca por el tratamiento marmóreo de los cuerpos, de una delicadeza fría. Magistral utilización del color, especialmente el azul.
PARMIGIANINO (1503-1540) Difunde el estilo de Correggio.
"Madonna del largo cuello" (Galería Uffizi. Florencia) Para alargar los cuerpos de los personajes utilizó lentes aberrantes. Las actitudes de las figuras son rebuscadas. Movimiento deslizante, de caída, especialmente el cuerpo del Niño. Composición triangular.

ESCUELA DE VENECIA (S. XVI)
Debido al auge económico de esta ciudad se desarrolla una gran actividad artística. Estuvo a la altura de Roma y fue la primera escuela en utilizar la técnica del óleo durante el siglo XV introducida por Antonello de Messina. Sienten verdadera pasión por el color y la luz por lo que envuelven sus composiciones en una atmósfera especial que desdibuja los perfiles. La pincelada es ancha y decidida. Esta escuela es iniciada por:
GIORGIONE (1478-1510) Discípulo de los Bellini y compañero de Tiziano. Muere antes de cumplir los treinta años por lo que su obra fue escasa. Transforma el paisaje y el desnudo femenino.
"La Tempestad" (Academia de Bellas Artes. Venecia) Combinación de desnudo y paisaje. Las figuras -un joven con una pica y una mujer, casi desnuda, amamantando a un niño- aparecen apartadas para que el espectador se enfrente con la naturaleza. Gran belleza de colorido, contraste entre luces y sombras, utiliza la técnica del sfumato y la instantaneidad.
"Concierto campestre" (Museo del Louvre. París) Representa a dos muchachos músicos sentados en el suelo acompañados por dos jóvenes desnudas. Estos se integran perfectamente en el paisaje. Las figuras reciben un potente foco de luz que crea efectos de claroscuro. Algunos críticos atribuyen la obra a Tiziano. Influencia en "Le Déjeuner sur l'herbe" de Manet.
"Venus dormida" (Pinacoteca de Dresde) Con esta obra Giorgione inaugura el tipo de Venus en reposo que adoptará Tiziano y tantos pintores posteriores. Composición equilibrada en la que destacan la luz difusa que inunda el cuadro y las suaves formas del cuerpo de la diosa. La obra queda inconclusa al morir Giorgione y la terminará Tiziano.
TIZIANO VECELLIO (1488?-1576) Se formó en el taller de los Bellini con Giorgine. Debido a su longevidad pintó muchísimo evolucionando su estilo profundamente. Pintó para el emperador Carlos V y su hijo Felipe II. Cultivó diferentes géneros: religioso, alegórico, mitológico, retrato.
TEMAS MITOLÓGICOS:
"Amor sagrado y amor profano" (Galería Borghese. Roma) Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón aparece en el sarcófago- y Laura Bagarotto en la primavera de 1514, realizó este trabajo que se vincula con las alegorías neoplatónicas. Reduce la gama de colores a dos tonalidades (rojo-blanco). Composición horizontal a modo de friso clásico. Detallismo de las telas.
"Bacanal" (Museo del Prado. Madrid) Trata el tema de la llegada de Dionisos a la isla de Andros. En el ángulo derecho aparece una figura desnuda y dormida que nos remite a Ariadna, personaje de la mitología ligado a Baco, y que es una clara referencia a la escultura clásica, frecuente en la pintura italiana de la época.
"Dánae recibiendo la lluvia de oro" (Museo del Prado. Madrid) Encargo de Felipe II. La obra se define por la luz y el tramiento del color. Es una luz dorada procedente del cielo que baña el cuerpo femenino desnudo, perfecto. La sensualidad de la escena se intensifica con la aplicación del 'sfumato'.
"Venus de Urbino" (Galería Uffizi. Florencia) Inspirada en la Venus dormida de Giorgione. Se interpreta como una alegoría del amor y la fidelidad conyugal -perro dormido-. Destaca por sus texturas cálidas y por sus colores pastosos. La obra sirvió de inspiración para otro cuadro excepcional 'Olimpia' de Manet.
RETRATOS:
"El emperador Carlos V a caballo, en Mühlberg" (Museo del Prado. Madrid) Retrato aúlico del emperador a caballo, con el Toisón de oro, portando las armas y la coraza que llevaba el día de la batalla de Mühlberg en la que derrotó a los protestantes. Situado en un paisaje con el río Elba al fondol La figura, en diagonal, es el centro de interés máximo. Gran contraste luminoso. Color atenuado, los contornos fluctúan y se pierde toda precisión.
"Retrato de Isabel de Portugal" (Museo del Prado. Madrid) Capta en esta obra el carácter inteligente y la personalidad de la emperatriz. Los detalles del vestido, con brocados, pedrería y encajes, son de altísima calidad. El colorido es muy característico del pintor, empleando tonos rojizos y pardos muy destacados por la luz.
PAOLO VERONÉS (1528-1588) Su estilo es claro, luminoso , decorativo, mundano. Pintor por excelencia de la mujer veneciana.
"Las bodas de Caná" (Museo del Louvre. París) Cuadro de enormes dimensiones pintado para el refectorio del convento de San Jorge el Mayor de Venecia. Desarrolla una gran composición al aire libre que destaca por su escenografía arquitectónica y en donde sitúa a más de cien figuras. Domina el gusto por el lujo y el detalle típico de la escuela veneciana.
"Venus y Adonis" (Museo del Prado. Madrid) Escena mitológica en la que coloca una gran diagonal que divide en dos triángulos el cuadro. Rico y vivo colorido, utiliza colores primarios matizados, no puros. Los personajes visten a la moda veneciana y parecen sacadas de un salón. Otra de sus preocupaciones será mostrar las expresiones: el gesto de Adonis, profundamente dormido, y Venus, atenta a lo que hace Cupido. La riqueza de las telas, con un vibrante colorido, y el interés por la luz completan la obra.
JACOPO ROBUSTI "IL TINTORETTO" (1518-1594) Supo conjugar el gusto veneciano por el color, el paisaje, la luz con difíciles actitudes anatómicas en sus figuras y predominio de escorzos. Es el gran perspectivista de la escuela.

PINTURA RENACENTISTA EN ITALIA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL
(ver arquitectura)


CARACTERÍSTICAS GENERALES

Las raíces de la pintura renacentista deben buscarse en el arte de GIOTTO, el gran maestro del Trecento.
Las técnicas son variadas, pues se hace tanto pintura mural al fresco, como pintura de caballete, en principio sobre madera y después sobre lienzo, con temple de huevo hasta mediados del siglo XV. Importada de los Países Bajos, en la segunda mitad del siglo XV; se emplea la pintura al óleo.
La factura y textura presentan gran variedad, según autores y etapas.
La línea como contorno tiene gran importancia entre los pintores quattrocentistas. En el siglo XVI, y en especial en Venecia, pierde interés frente a la luz y el color.
La luz es diáfana y repartida de forma homogénea en la obra –luz normalmente cenital-.
Descubrimiento de la perspectiva. En un primer momento será geométrica o lineal, más tarde llegará la perspectiva aérea.
Desde fines del siglo XV y como consecuencia del dominio de la perspectiva, se utilizarán los escorzos para conseguir los efectos de volumen y profundidad.
La composición se organiza de acuerdo con esquemas geométricos elementales: círculo, pentágono, triángulo, donde inscriben las formas. En el Quattrocento y Cinquecento se prefiere la simetría y compensación de grupos, pero el Manierismo se inclinará por composiciones más inestables y asimétricas.
La forma de expresión es figurativa, naturalista e idealizada. Conceden gran importancia a la belleza, a menudo los cuerpos aparecen desnudos, lo que permite al artista mostrar sus conocimientos en la representación de la anatomía.
Se introducen la Naturaleza y la arquitectura dentro del cuadro como fondo en el que se desarrollan las escenas que se representan.
Los temas pictóricos cambian mucho con respecto a la Edad Media:
La iconografía religiosa sigue siendo protagonista pero también se desarolla una temática profana: por primera vez se hacen verdaderos retratos (individuales y colectivos). El paisaje llega a convertirse a finales del siglo XV en tema principal. También tratan temas alegóricos, mitológicos, históricos, etc.

EVOLUCIÓN Y PINTORES MÁS SIGNIFICATIVOS: PINTORES DEL QUATTROCENTO ITALIANO.

FRA ANGÉLICO (1387-1455)
Representa el enlace con el gótico internacional: amor a lo curvilíneo, al colorismo preciosista, a los dorados, para lo que se inspira en la miniatura. Sin embargo su sentido del volumen es típicamente quattrocentista.
"La Anunciación" (Museo del Prado. Madrid)
Obra formada por la tabla y una predela con cinco tablillas.
Utiliza una gama de colores delicados, en la que predominan rosas y azules. Sigue empleando los dorados y las formas curvilíneas, pervivencia del gótico.
Hay zonas de exquisita precisión miniaturista, como el paisaje de Adán y Eva (las flores y arbustos indican el interés por el estudio de la naturaleza de los artistas del Renacimiento italiano).

MASSACCIO (1401-1428)
Muestra gran preocupación por el volumen de las figuras. Iniciador de la perspectiva pictórica.
"El Tributo de la Moneda" (Capilla Brancacci. Florencia) Conserva la tradición medieval de representar al mismo tiempo las distintas escenas de un mismo hecho.
Las escenas se coordinan entre sí (escena de la derecha con la principal) a través de la perspectiva lineal logrado por las arquitecturas que enmarcan la escena.
"La Trinidad" (Iglesia de Santa María Novella. Florencia)
Representa la Trinidad entre adoradores, dentro de un espacio arquitectónico –bóveda de cañón en perspectiva dividida en casetones cuadrados-. En ella muestra a la Virgen María y a San Juan contemplando a Cristo crucificado, sujetado por Dios padre entronizado bajo la citada bóveda.
A los lados se hallan los donantes, de perfil arrodillados delante de unas pilastras fingidas.
PAOLO UCELLO (1396-1475)
Pinta fundamentalmente batallas (construye el espacio a través de líneas horizontales, verticales y diagonales en profundidad). Característicos sus violentos escorzos y las lanzas que contribuyen a dar ilusión de penetración en el cuadro.

"La batalla de San Romano" (National Gallery. Londres)
En todo el cuadro podemos hallar testimonios del interés que se tomó Ucello por la perspectiva: las lanzas quebradas que yacen en la tierra están colocadas de modo que apunten hacia su común “punto de fuga”.
Todo el cuadro está en función de un contrastado colorido. La línea del horizonte está situada mucho más alta de lo que consideramos como natural.

SANDRO BOTICELLI (1444-1510)
Pintor de sensibilidad exquisita, no le preocuparon las conquistas técnicas, dejándose llevar solamente por la inspiración.
Su pintura es delicada, sutil de líneas definidas, de luces diáfanas.
"La alegoría de la Primavera" (Galería Uffizi. Florencia)
Los elementos plásticos fundamentales del cuadro son la línea y el color.
Dibuja los contornos de las figuras y de los árboles de manera precisa, no rígida. Predominan las líneas onduladas –sólo en las líneas de los árboles utiliza la recta-.
La luz blanquecina y homogénea.
"El nacimiento de Venus" (Galería Uffizi. Florencia)
Tema mitológico.
La figura de Venus fue modelada según una escultura griega propiedad de los Médicis. Sentido del movimiento.
Prevalece la línea que marca el ritmo de la composición. Ésta vuelve al esquema triangular. La luz cenital. El color de tonos alegres, predomina el ámbito verde-azulado.

PERUGINO (1448-1523)
Se caracteriza por las formas suaves y redondeadas. Su obra influye en Rafael.
La influencia sobre Rafael es tal que la composición de “La entrega de las llaves” es realmente parecida a la obra de Rafael “Los desposorios de la Virgen”.

ANDREA MANTEGNA (1431-1506)
Dibujante maravilloso, se distingue por la energía escultórica con que construye las figuras, las superficies parecen cinceladas más que pintadas.
El plegado minucioso de los paños (telas duras) le obliga a descuidar el color, que generalmente es seco y quemado. Es también colorista a lo veneciano cuando pinta los cielos.
"Cristo muerto" (Pinacoteca Brera. Milán)
Imagen de Cristo yacente presentado a través de un punto de vista bajo, con ello gana grandiosidad. Es la plasmación del escorzo.
Espléndido estudio de anatomía. El volumen queda definido por la línea.
"El tránsito de la Virgen" (Museo del Prado. Madrid)
El pintor, admirador ferviente del mundo clásico, ha dispuesto la escena en un espacio construido por arquitecturas de proporciones y formas romanas, y los personajes, vestidos también con túnicas y mantos que recuerdan el mundo antiguo. La acción transcurre, no en Jerusalén sino en el Palacio Ducal de Mantua; así al fondo se perciben los lagos que rodeaban a estos edificios palaciegos.
La perspectiva está lograda por el pavimento cuadrangular y la proyección del paisaje que se observa por la gran ventana.

PINTORES DE CINQUECENTO ITALIANO: El clasicismo renacentista.
Se denomina “Clasicismo renacentista” al periodo culminante del estilo que se desarrolla a finales del siglo XV y las primeras décadas del XVI. Los principales artistas del periodo tienen en común que su obra supera las conquistas realizadas por la pintura del Quattrocento.
Durante este periodo las máximas figuras se trasladan de Florencia a Roma, donde los papas se convierten en los mecenas que financian obras de envergadura.
Se rinde culto a la belleza.
Es la época del gran desnudo femenino.
El movimiento sigue siendo una obsesión, el escorzo sigue interesando, especialmente en la figura en movimiento.

LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
Se forma en el taller de Verrocchio. Constituye el gran arquetipo del hombre renacentista, con su pasión por las más diversas formas del saber (investigador, hombre de ciencia, pintor, escultor, ingeniero).
Su estilo pictórico se caracteriza por:
Gran preocupación por el estudio de luz y sombra (claroscuro).
Creó la técnica del sfumato (una superficie suavemente aterciopelada, que funde las figuras y ambiente, como si una gasa cubriese el cuadro). Abandona los contornos precisos del Quattrocento.
Propone la perspectiva aérea, que tiene en cuenta la existencia del aire entre los objetos y el observador.
Sus composiciones son reposadas, generalmente responden al esquema triangular o piramidal.
Estudia la figura humana tanto desde el punto de vista anatómico como psicológico.
Gran interés por el paisaje.
Entre todas sus obras podemos destacar:

"Virgen de las Rocas" (National Gallery)
Es una composición piramidal: La Virgen domina el centro del cuadro. Su posición se refuerza por el macizo rocoso principal que señala el centro y la profundidad de la composición. El ángel a su izquierda y San Juan a su derecha ensanchan la pirámide.
La perspectiva es aérea y menguante. Típico sfumato.
"La última Cena" (Convento de Santa María delle Grazie. Milán) Pintura mural (4,60 m de alto x 8,80 m de ancho)que cubre una de las paredes del refectorio del citado Convento.
Técnica mixta (mezcla de temple y óleo) sobre pared, preparada como fresco (durante mucho tiempo así se creyó). Composición: disposición simétrica de las figuras. Equilibrio: sitúa dos grupos cerrados de tres apóstoles a cada lado de Jesús cuya figura aislada se marca en una forma triangular, concentrando sobre si todas las miradas.
Perspectiva: lineal.

"La Gioconda" (Museo del Louvre. París)
Típico retrato renacentista, de busto prolongado en los brazos que se apoyan en un sillón; equilibrado en la composición, mesurado en los gestos.
Utiliza la técnica del sfumato (tratamiento leonardesco de la luz) y la perspectiva aérea.
El cuadro no carece de movimiento. Leonardo representa la figura de tres cuartos. Sienta a su modelo de perfil, presenta el torso medio girado y el rostro casi frontalmente. A eso se añade el movimiento de los brazos. El fondo lo constituye un paisaje singular: laberintos montañosos fantásticos y recortados, entre ellos lagos y ríos. Son diferentes los fondos de la derecha y la izquierda del modelo (la línea del horizonte no coincide).

RAFAEL SANZIO (1483-1520)
Se formó en los talleres de Perugino (de él aprende la ordenación simétrica de las composiciones y la ordenación de un espacio racionalizado). Se le ha considerado el mejor ejemplo del equilibrio clásico del Cinquecento.
Demostró su maestría del dibujo perfecto y de la composición armónica. También fue admirado por la belleza de sus figuras y la suavidad de movimientos.
"Los desposorios de la Virgen" (Pinacoteca Brera. Milán)
Rafael representa el momento de la ceremonia matrimonial. Tres personajes componen la escena principal: el sumo sacerdote, en el centro, María y José. Éste sujeta la vara florida e introduce el anillo en el dedo de María ante el sacerdote que los bendice.
El esquema compositivo es igual que en las obras de Perugino: el templo al fondo, los personajes bíblicos y el paisaje.

"La Madonna del Gran Duque" (Palacio Pitti. Florencia)
La virgen está tomada en semifigura, con la cabeza medio inclinada. En línea vertical, de pie y el Niño sentado sobre su mano, en postura rectangular y quebrada.
Obra de gran sencillez como todas las realizadas por el pintor sobre el mismo tema.
"La Madonna del Jilguero" (Galería Uffizi. Florencia)
El esquema compositivo recuerda las Vírgenes de Leonardo. Así las figuras se enmarcan en una disposición triangular, sobre cuyo eje se encuentra la figura de María. A su vez se encuadra en una serie de líneas verticales y horizontales, marcadas por los arbolillos que las flanquean y la propia línea del terreno.
"La Escuela de Atenas" (Estancia de la Signatura. Vaticano)
Amplio interior arquitectónico y más de cuarenta personajes en diversas actitudes.
El tema es la Verdad racional, que es representada a través de personajes históricos.
La factura se caracteriza por una pincelada de textura homogénea; el color está manejado con destreza, predominan los colores cálidos y hay gran riqueza de tonalidades y matices bien armonizados.
La luz es clara y ambiental. Procede de la parte alta (zona de la cúpula) y del fondo a cielo abierto, e incide de forma homogénea y realista sobre la escena.
"El Cardenal" (Museo del Prado. Madrid)
Retrato típicamente renacentista: Imagen de busto, pose elegante.
La composición es triangular. El fondo negro realza el color rojo del capelo cardenalicio, así como la personalidad del retratado.
Su mayor aportación es su profundidad psicológica. El rostro enjuto, la nariz prominente, los labios finos, el aire reflexivo y reservado, nos muestran la personalidad de este cardenal.


MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
Como pintor sus obras tienen mucho de escultura. Hay en ellas un predominio absoluto del dibujo y cierto desinterés por el color (asunto que se ha puesto en duda tras la restauración de los frescos de la Capilla Sixtina).
Muestra gran preocupación por el movimiento, presenta figuras poderosas, de enormes proporciones.

Tondo Doni (La Sagrada Familia) Galería Uffizi. Florencia
Relaciona el tema religioso (Virgen, San José y Niño Jesús) con el pagano (desnudos situados detrás del muro).
Contornos precisos, los de las partes desnudas están dibujados en rojo. El color está formado por tonos fríos y claros, sin apenas sombras. Los colores cambian a la luz: el rosa tira a amarillo pálido, el azul a blanco, el verde a amarillo dorado y el amarillo a naranja. Las montañas del fondo y el cielo son azul pálido. En esta gama se inspirarían Pontormo y Bronzino.
La composición en espiral (movimiento serpenteado de las figuras). Dominio en el uso del claroscuro.

Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina (Vaticano)
Esta Capilla ya contaba con una decoración en sus paredes laterales, en las que se narraban dos ciclos religiosos: la Historia desde Moisés hasta Cristo y la Historia a partir de Cristo. Entiende Miguel Ángel que faltaba para completar el ciclo narrativo, la Historia desde la Creación a la vida de Moisés. Este es el tema que va a desarrollar en cada uno de los tramos de las bóvedas y en los lunetos de la Capilla Sixtina.
Los realizó entre 1508 y 1512 sobre una superficie de 10.000 pies cuadrados. Reúne un conjunto de casi 350 figuras de tamaño mayor que el natural. Para realizar esta obra se sirve de ayudantes.
Fingió una arquitectura de arcos, pilastras y medallones, para no mezclar las escenas y para juntar la arquitectura y la pintura. Realiza una arquitectura fingida.
En el tramo central de la bóveda dispuso diversas escenas del GÉNESIS: El Sacrificio de Noé, La embriaguez de Noé, El Diluvio, El pecado original, La creación de Eva, La Creación de Adán, Dios sobre las aguas, Creación de los astros, el sol y la luna, La separación de la luz y las tinieblas, etc. apenas aparece el paisaje.
Coloca figuras de desnudos (ignudi) delante de los arcos.
Mucho más tarde (1534-1541) pintó en la pared del altar EL JUICIO FINAL. Recibe el encargo del Papa Pablo III en 1.533. Esta obra revoluciona la iconografía de este tema; tradicionalmente se había representado dividido en planos superpuestos con Cristo en el centro sentado en el trono.
Miguel Ángel pinta un espacio único, donde una masa de seres humanos angustiados de grandes dimensiones se apelotonan, caen, suben con dificultada hacia lo alto teniendo como eje a Cristo Juez, sentado junto a la Virgen. A la izquierda se sitúan los condenados y a la derecha los bienaventurados. El miedo puede ser el denominador común de todos los representados.
El pintor plasma una visión dantesca del fin de la humanidad donde destaca la monumentalidad y la fuerza expresiva de las figuras.

ESCULTURA RENACENTISTA EN ITALIA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL
(Ver arquitectura en Italia)

CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Época de grandes artistas, afincados principalmente en Florencia.
Los artistas basarán su atención en la belleza de las formas (basada en la proporción y la armonía). Se inspiran en un acentuado naturalismo.
El artista abandona el anonimato y tiene conciencia de creador.
Se representan temas:
A) profanos: históricos, mitológicos y alegorías (representación simbólica de ideas abstractas), a imitación de la época clásica.
B) religiosos: siguen siendo los más representados pero con rasgos físicos humanizados.
C) retratos: pueden ser bustos, ecuestres, de cuerpo entero, funerarios, etc.
Aparecen técnicas totalmente nuevas como “la perspectiva” o el llamado ‘stiacciato’ (aplastado): representación en bajorrelieve de complejos efectos de profundidad. El relieve tendrá carácter abiertamente pictórico y se ajustará a las leyes de la perspectiva lineal.
Trabajan todo tipo de materiales: mármol, piedra, bronce (gran perfección en su fundición), madera, terracota (arcilla muy fina cocida), etc.
Durante toda la primera mitad del siglo XV predomina el realismo.
El movimiento se patentizará a través del contraposto y la tensión del movimiento en potencia, hasta llegar el manierismo que añadirá las posiciones inestables y movimiento en caída, expresados en su preferencia por la helicoidal.
El color no siempre está presente.

1. Principales escultores del Quattrocento:

LORENZO GHIBERTI (1378-1455)
Es un broncista, con facultades de orfebre y con tendencia a lograr efectos pictóricos.
"Puertas del Baptisterio de Florencia"

Participó en el concurso junto con los principales artistas de la ciudad, ganándolo.
Su obra resultó tan perfecta que Miguel Ángel dijo que las puertas eran dignas de ser las del ‘Paraíso’, y desde entonces se las llama así: “Las Puertas del Paraíso”.
Adoptó una forma cuadrada, muy apropiada para conseguir un efecto pictórico. Para conseguir este efecto, el modelado decrece hacia el fondo, donde se colocan como pantalla de término, árboles o arquitecturas clásicas. Los recuadros (representan escenas del Antiguo Testamento) se envuelven con una orla decorada con pájaros, medallones con cabezas humanas, nichos con estatuas, flores, frutas y animales emulando la decoración de los manuscritos.

DONATO DI NICOLO (DONATELLO) (1382-1466)
Gran amigo de Brunelleschi. Fue un maestro de la representación de la figura humana, su expresión y anatomía. Representó todos los estados de ánimo, la alegría y la tristeza, el curso completo de la vida, desde la infancia hasta la senectud.

"David" (Museo del Bargello). Florencia.
Escultura exenta, realizada en bronce. Es el primer desnudo completo del Renacimiento.
Es un tipo praxitélico. Representa un adolescente real de pecho estrecho, costado poco redondeado, no se ha desarrollado. Tocado con el sombrero de paja con una guirnalda de los campesinos toscanos.

"Retrato ecuestre del Condottiero Gattamelata" (Padua)
El nombre del Condottiero era Erasmo de Narni, apodado Gattamelata (gata melosa) por su astucia, recuerda a los mejores retratos romanos.
Erige una escultura ecuestre como las que Roma destinaba a sus emperadores. Se ha dicho que se inspiró en el célebre Marco Aurelio del Capitolio romano. De hecho el Condottiero va vestido a la romana. En la coraza se representa la gorgona.
Modelada en bulto redondo, visible desde todos los lados, trabajada con una serie de superficies curvas. En su ejecución se invierte 9 años.

LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482)
Creador de temas como: Vírgenes con el Niño, ángeles, infantes, etc. de movimientos dulces y calmados, siempre sonrientes y pacíficos.
Las composiciones se envuelven en orlas decoradas con frutas y flores, a todo color.
También trabaja el mármol.

"La Cantoría de la Catedral de Florencia"
Son diez relieves labrados en mármol en un marco arquitectónico. Representa el tema de los niños cantando.

ANDREA CIONE “IL VERROCCHIO” (1436-1488)
Prefiere trabajar en bronce. Fue maestro de Leonardo.
Su obra maestra es:

"Retrato ecuestre del Condottiero Colleoni" (Venecia)

Verrocchio da una réplica al Gattamelata de Donatello. Mientras que el Gattamelata es un modelo equilibrado y clásico, el Colleoni lo es romántico. Hay movimiento, el jinete se hecha hacia atrás para contener el impulso del caballo en la mano derecha empuña un bastón símbolo de mando.
El caballo apoya solo tres de sus patas en el suelo, mientras que eleva la cuarta para dar más sensación de movimiento.

2. Principales escultores del Cinquecento.
Durante este periodo aumenta el interés por lo monumental –potenciado por los hallazgos arqueológicos de la Antigüedad, en especial el “grupo de Laoconte” en 1506- y es el momento de las grandes esculturas de bulto redondo.
El gran genio escultórico es:

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
También fue notable arquitecto y pintor.

Sus figuras son siempre grandiosas, verdaderos titanes, de facciones perfectas. En los cuerpos la musculatura, cada vez más acusada, revela los largos años dedicados por el artista al estudio de la anatomía y la impresión en él producida por el grupo de LAOCONTE, obra recién descubierta.
Una de sus principales preocupaciones es el movimiento conseguido a través del contraposto y de los músculos en tensión.
En sus obras se aprecian los sentimientos más diversos, fruto de sus cambiantes estados de ánimo. El más fuerte y dominante fue el dramatismo: “TERRIBILITÁ”.
Otra característica de su obra es el uso del mármol en bloques inmensos que trabaja a través de la técnica sustractiva (“esculpir es quitar, no poner”), con ello la escultura sale limpia, sin añadidos.
Se preocupa mucho de la textura de las superficies. Consigue pulimentos perfectos, a veces las alternaba con zonas inacabadas y sin pulir (técnica del ‘non finito´).
Podemos dividir su trabajo en tres etapas:
PERIODO JUVENIL (1491-1505)
Su arte expresa la búsqueda de la belleza ideal de forma semejante al clasicismo griego.

"La Pietá" (San Pedro del Vaticano)
Tema religioso ejecutado en mármol blanco. Concebida para ser contemplada desde un punto de vista frontal.
La composición, en forma de pirámide, cerrada, resalta la unidad armoniosa de las dos figuras: para conseguir el perfil triangular requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, ajustando así mejor el cuerpo masculino.

"David" (Museo de la Academia. Florencia)
Tiene un tamaño colosal hecho todo de una pieza. En el rostro aparece el típico gesto de la “Terribilitá”, como en el cuerpo su preocupación por la musculatura.
La postura parece tranquila pero llena de tensión. El contraste entre los dos lados es muy marcado: Todo el peso descansa sobre la pierna derecha, y este lado es estrictamente vertical y cerrado. El otro lado, con la silueta quebrada por el brazo levantado, está abierta.

PERIODO DE MADUREZ (1505-1534)
Miguel Ángel abandona el ideal estético del clasicismo y evoluciona hacia tendencias estéticas barrocas y manieristas.

"Mausoleo de Julio II" (Iglesia de San Pietro in Vincoli. Roma)

Del proyecto inicial sólo quedó el sepulcro mural, inacabado compuesto por Moisés, los dos Esclavos y las figuras de Lía (a la izquierda de Moisés) y Raquel (a la derecha) que se cree simbolizan la vida activa y la contemplativa.
Trabajó

MOISÉS
Escultura exenta sedente realizada en mármol de 2,54m. Está representado en el momento de contemplar la adoración del becerro de oro; la ira se agolpa en el rostro de Moisés. Representa el arrebato del conductor de un pueblo que se levanta contra la idolatría.
La obra es un ejercicio de fuerza expresiva y grandiosidad.

"Sepulcro de los Médicis" (Sacristía Nueva de San Lorenzo. Florencia)
Las figuras sepulcrales se ofrecen sentadas.
Julián posee todo el empaque de un general romano, en actitud arrogante. Es la representación del hombre activo.
Lorenzo sostiene la cabeza con la mano, en actitud pensativa; es la representación de la vida contemplativa, emblema del hombre reflexivo, melancólico, silencioso. Son dos temperamentos distintos.
Recostadas sobre las urnas aparecen cuatro figuras desnudas, símbolos de los cuatro momentos principales del día.
Algunas de estas figuras quedaron sin acabar.

PERIODO DE VEJEZ (1548-1564)
Durante esta etapa rompe definitivamente con el clasicismo del Renacimiento. Su arte abandona la realidad para pasar a la abstracción acercándose aún más al manierismo.
Máximo exponente del periodo es la "Piedad Rondanini". Realizada en mármol de 1,91m. Grupo escultórico (María y Jesús) de formas simples, con tosco acabado y falta de claroscuro. Ausencia de expresividad. El cliente es la familia Sforza.

El alargamiento de las figuras es extremo. Composición sin equilibrio, las figuras parecen resbalarse, acentuando el dinamismo de la obra.


3. Principales escultores manieristas.
La escultura manierista se aparta de la belleza clásica para lograr mayor expresividad y se caracteriza, fundamentalmente, por el dinamismo, el predominio de la línea serpentinata, las posturas teatrales, el movimiento helicoidal y la desproporción.

BENVENUTO CELLINI (1500-1574)
Trabajó como orfebre en París para el rey Francisco I.

"Perseo" (Loggia dei Lanzi. Florencia)
Escultura en bronce y de bulto redondo. Representa a un personaje mitológico, Perseo (hijo de Zeus y Dánae) que sostiene en sus manos la cabeza degollada de Medusa con cabellos de serpiente, que con sólo mirar dejaba petrificados a los hombres.
La obra se apoya sobre un elevado pedestal de mármol con relieves y pequeñas esculturas de bronce en la base trabajadas con el mismo cuidado que la figura principal.

JUAN DE BOLONIA (1529-1608)
Gran admirador de las obras de Miguel Ángel de quien recoge la tensión dinámica: utiliza la línea serpentinata.

"Mercurio" (Museo Bargello. Florencia)
Es una figura de pequeño tamaño realizada en bronce. Destaca la total inestabilidad, plenamente manierista, de la figura. Carece de base, se apoya en un solo pie, en actitud danzarina, cuerpo contorsionado y en forma helicoidal.
Multiplicidad de puntos de vista. Líneas de fuga abiertas (el pie hacia atrás y sobre todo la mano y el dedo elevados, ayudados por la posición del brazo contrario).

ARQUITECTURA GÓTICA EN ESPAÑA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL

En España el estilo gótico toma forma de manera más lenta que en Francia.
El primer elemento que se incorpora es la bóveda de ojivas. Su aparición en España se efectúa hacia 1170 (s. XII). Los grandes propagadores del estilo son los monjes cistercienses.
El influjo francés es dominante, no pueden olvidarse las peregrinaciones a Santiago de Compostela, que abre el camino a la europeización de España. No hay que olvidar que las Catedrales de Burgos y León están enclavadas en esa ruta. Desde allí se extiende por toda la península; llegará a Granada al ser conquistado el reino.

PERIODOS:
a) Transición al Gótico (siglo XII) ej.: Catedral de Ávila.
b) Gótico clásico: siglo XIII ej.: Catedral de Burgos, León y Toledo
c) Siglo XIV ej.: Catedral de Barcelona, Palma y Gerona
d) Siglo XV ej.: Catedral de Sevilla, Salamanca y Segovia

GÓTICO CLÁSICO (SIGLO XIII)
CATEDRAL DE BURGOS
Gran impulsor de su construcción fue el obispo don Mauricio. La obra empezó por la cabecera, según era costumbre medieval, ya que se procuraba abrir al culto el templo cuanto antes.
Planta: cruz latina con tres naves, con crucero muy saliente y de una sola nave.
La cubierta la forman bóvedas de crucería y los tramos de más complejidad constructiva son los que fueron reconstruidos en el siglo XVI. Esta obra tiene el inconveniente de los numerosos añadidos posteriores que enmascaran en parte su aspecto original.

CATEDRAL DE LEÓN
Es la más francesa de las tres catedrales castellanas. La planta es copia de la de Reims pero reducido en un tercio de su tamaño.
La fachada principal recuerda a la de Chartres. Se organiza en tres calles verticales, las laterales correspondientes a las torres, que a su vez están divididas en varios cuerpos.
La central, a la que corresponden las tres naves del templo, se divide en un cuerpo bajo, con tres arcos apuntados que cobijan las portadas y entre los que se sitúan otros dos arcos alancetados. La nave principal es esbeltísima.

CATEDRAL DE TOLEDO
Es la más puramente española. La planta es basilical sin brazos (muy similar a la de “Notre-Dame de París”). Tiene cinco naves, cuya desigualdad de altura determina un alzado en forma de pirámide escalonada, y un transepto que sólo se advierte en anchura y altura, ya que no sobresale en los laterales de la iglesia.
En el arranque de la girola presenta el triforio arcos lobulados, influencia islámica. Contrasta con el carácter puramente francés de toda la cabecera.

SIGLO XIV

El foco artístico se desplazará al principado de Cataluña.
Caracterizado por su sobriedad y robustez, que prescinde de los arbotantes, supliéndolos por robustos contrafuertes exteriores.

CATEDRAL DE BARCELONA
Consta de tres naves con deambulatorio y nueve capillas radiales.
La cabecera ofrece un sistema de pilares muy esbeltos, con lo que se alcanza tal altura que el triforio ciego queda reducido y mucho más el piso de iluminación, donde las ventanas son sustituidas por óculos.

COLEGIATA DE SANTA MARÍA DEL MAR
Consta de planta de salón (basilical) con tres naves, con girola, capillas entre los contrafuertes, tanto en la cabecera como en las naves.
Las naves laterales alcanzan casi la misma altura que la central, iluminándose ésta directamente mediante óculos abiertos en la escasa diferencia de altura, y hallándose las tres naves separadas por esbeltos y altísimos pilares octogonales lisos de 18 metros, un soporte característico del gótico catalán utilizado asimismo en la catedral de “Palma de Mallorca”.

SIGLO XV
Durante esta etapa se desarrolla el gótico flamígero.

CATEDRAL DE SEVILLA
Sus dimensiones son colosales (es una de las más grandes del mundo). Se inició, en contra de lo que se solía hacer, por los pies. Su planta es basilical. Tiene cabecera plana (el ábside no sobresale en el exterior). Posee cinco naves, prescinde de girola. Sobresale por su mayor altura la nave central; las cuatro laterales son un poco más bajas que aquélla y de la misma altura. El crucero alineado.

IGLESIA DE SAN JUAN DE LOS REYES (TOLEDO)
OBRA DE JUAN GUAS
Construida para conmemorar la batalla de Toro (1476) que consolidó a la reina Isabel en el trono. Tiene una sola nave con capillas laterales entre los contrafuertes muy altas, un extraordinario cimborrio en el crucero alineado y un coro a los pies. Ábside poligonal.
Sobresale por la exuberante decoración heráldica (escudos de los RRCC con sus gigantescas águilas de San Juan, los yugos y las flechas...) y floral.
Su claustro es uno de los más bellos de la arquitectura gótica. Consta de dos pisos, en el de abajo se emplean arcos apuntados cerrados por tracerías flamígeras y en el de arriba mixtilíneos. Está decorado con elementos vegetales, geométricos y epigráficos.

Otros edificios góticos del mismo periodo:

“Fachada del Colegio de San Gregorio y de la Iglesia del Convento de San Pablo” de Valladolid, obra de su hijo Simón de Colonia. Fachadas en forma de dosel ricas y labradas con abundantísima decoración.

ARQUITECTURA RENACENTISTA EN ITALIA

LOCALIZACIÓN ESPACIO TEMPORAL.
Nace en Italia, más concretamente en Florencia, en los primeros decenios del siglo XV, y es ante todo un movimiento italiano, y se desarrolla durante los siglos XV y XVI, evolucionando en tres etapas:
a) Quatrocento (siglo XV). Momento de conquistas espaciales. El centro artístico es Florencia.
b) Cinquecento ( 1ª ¼ siglo XVI). Es la etapa del clasicismo, el momento de la plenitud del movimiento. El centro es Roma.
c) Manierismo. (Desde la muerte de Rafael en 1520 hasta la muerte de Tintoretto en 1594), lenguaje propio de una época de crisis.

Una vez consolidado el movimiento en Italia, se difunde por Europa.
Con el Renacimiento el hombre se siente el centro del universo (antropocentrismo). Por ello reclama un lenguaje artístico a su medida. El arte se seculariza, no es que se desprenda de su tema religioso, sino que muchas veces se le toma como pretexto, parte de que proporcionalmente tienden a predominar los asuntos profanos.
EL CLIENTE
El patronazgo deja de ser una actividad exclusiva de monarquía y clero y se convierte en algo que interesa a otros sectores de la sociedad: príncipes, burgueses, cofradías, gremios, municipios. Con esta protección a las artes figuran al lado del artista.
Familias de mecenas que se encargaron de promover y patrocinar las artes en Italia fueron, entre otras, los Médici, Gonzaga, Rucellai, Malatesta, Farnesio, Montefeltro, Sforza, Strozzi...
En el siglo XVI, los mecenas van a ser los papas.
EL ARTISTA
Desaparece el anonimato. Es época de grandes individualidades, de personalidades geniales, donde el artista firma sus obras y tiene una formación teórica (le interesa la anatomía, la perspectiva, la geometría).

CARACTERÍSTICAS GENERALES
Se inicia en Florencia a comienzos del siglo XV. Se inspira en el mundo clásico.
Tipos de edificios: A) Religiosos: se siguen construyendo interesantes templos y capillas.
B) Civiles: palacios, villas, bibliotecas, hospitales.
Materiales: frecuentemente la piedra y el mármol.
Plantas: longitudinales (cruz latina y basilical) y centralizadas.
Elementos sustentantes: Muro: es el auténtico soporte del edificio y no las columnas, con frecuencia emplea el almohadillado.
Columnas: representan los órdenes clásicos. Predomina el orden corintio.
Pilastras: pueden servir como elemento decorativo también.
Elementos sustentados o cubiertas:
Arco: el tipo generalizado es el de medio punto.
Bóvedas: de arista, de cañón decoradas con casetones, aunque también las hay vaídas. Cubiertas planas con casetones.
Cúpulas: fue el reto técnico para los arquitectos del Renacimiento. Adquieren proporciones inmensas, inspiradas en el “Panteón de Agripa”.
Elementos decorativos:
Pueden ser arquitectónicos: frontones, columnas, pilastras, arcos... y también grutescos, guirnaldas, medallones, putti, casetones, candelieri, etc.

ETAPAS:
ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO (S. XV)
Florencia era la ciudad más próspera de Italia durante el siglo XV. Los Médicis son los grandes banqueros y dueños de la ciudad, mecenas al mismo tiempo de los artistas del momento.
FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
Su gran obra es:
LA CÚPULA DE SANTA MARÍA DEI FIORI (Catedral de Florencia)
El edificio fue iniciado a finales del siglo XIII. Cuando comienza a trabajar Brunelleschi contaba ya con el campanile de Giotto como símbolo del edificio difícil de sustituir. Cuando Brunelleschi acepta el encargo, la cúpula llegaba ya al tambor de arranque. Tenía forma octogonal lo que le obligó a tomar una solución gótica: nervada Þ divide la cúpula en ocho plementos.
La cúpula está compuesta de dos casquetes (uno, externo de más altura y otro, interno fajado con tirantes de roble) separados entre sí por un espacio hueco, que alivia el peso de la obra sobre el tambor.
HOSPITAL DE LOS INOCENTES (Florencia)
Crea una galería porticada abierta a la plaza con columnas corintias de fuste liso que soportan arcadas y un entablamento alargado.
Cubierta por bóvedas vaídas. Como detalle decorativo sitúa medallones de cerámica vidriada entre cada arco. El papel de la escultura está limitado a zonas muy precisas.

IGLESIA DE SAN LORENZO (Florencia)

Tiene planta basilical en T, con tres naves separadas por esbeltas columnas de capitel corintio flanqueadas por dos hileras de capillas adosadas a las naves laterales –poco profundas-.
La cabecera remata en cinco capillas cuadradas, siendo la central de la misma anchura que la nave principal. Las columnas portan un entablamento individual, a modo de segundo capitel. Utiliza pilares cruciformes en el crucero. Arcos de medio punto.

IGLESIA DEL SANTO SPIRITO (Florencia)
Planta de cruz latina con tres naves y transepto rematado con cúpula. Las bóvedas vaídas cierran las naves laterales. Presenta arcadas de arcos de medio punto y techumbre plana con casetones. Capiteles y basas corintias.

LA CAPILLA PAZZI (Florencia)
Es típico el esquema de la fachada: las dos partes laterales del pórtico tienen entablamento, mientras que la parte central remata en un arco.
El edificio se remata con una cúpula sobre tambor con óculos levantándose bastante sobre el tejado (rojo y blanco). La única decoración que presenta son los medallones de cerámica vidriada, obra de Lucca della Robbia. En el interior hay un juego combinado de rectángulos y círculos.

PALACIO PITTI (Florencia)
El palacio urbano pierde la torre, pero la espesura del muro atestigua que perdura la inseguridad. Usa el sillar de tipo almohadillado, de tradición romana.
Tiene tres pisos, el tercero es más pequeño que los otros dos. Hay una separación brutal entre los tres. Las ventanas presentan arco de medio punto. Hay óculos entre ventana y arco.

LEÓN BAUTISTA ALBERTI (1404-1472)
Gran teórico de la arquitectura.

PALACIO RUCELLAI (Florencia)
Es un edificio de tres pisos organizado alrededor de un patio central. Construido en piedra. En la fachada se advierte una mayor planitud en su almohadillado, con sillares rehundidos en sus aristas. Emplea el procedimiento clásico: La superposición de órdenes:

FACHADA DE SANTA MARÍA NOVELLA (Florencia)
Todo el conjunto de la fachada puede ser inscrito en un cuadrado. Crea dos cuerpos de distinto tamaño, unidos por volutas y coronados con un frontón triangular.
En cuanto a la decoración, el horror vacui inunda toda la fachada, cubierta con mármol de diferentes colores para crear una impresión de cromatismo.

IGLESIA DE SAN ANDRÉS (Mantua)
La fachada está resuelta con una composición inspirada en un arco de Triunfo (toma como modelo el arco de Tito. Consta de un gran vano central que le permite articular tanto la fachada como los muros interiores. Dos pilastras de orden corintio sostienen el gran arco del nicho central y cuatro inmensas pilastras sobre altos basamentos la recorren. Todo rematado por un gran frontón clásico.

IGLESIA DE SAN FRANCISCO (TEMPLO MALATESTIANO) (Rímini)
Exteriormente apenas tiene decoración. La fachada principal iniciada en 1446 y aún sin terminar, se inspira al igual que “San Andrés” en un arco de triunfo romano. Erige un podio desde donde arrancan cuatro pilastras, la tarima está labrada con roleos.
El material es la piedra. Como elementos decorativos coloca óculos en vez de medallones.

ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO (S. XVI)
Roma durante el siglo XVI va a ser el centro de la vida política y cultural. Este esplendor y riqueza se lo debe a los Papas.

DONATO BRAMANTE (1444-1514)
Su formación tuvo lugar en la corte milanesa de Ludovico el Moro. Sus primeras obras están en Milán, siendo mayor se instala en Roma (a partir de 1500).
Su obra más representativa es:

TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO (Roma)

Pagado y promocionado por los RRCC, en este tiempo también monarcas de Nápoles.
Pequeño templo de planta circular coronado con una cúpula.
Muro exterior articulado por medio de nichos con remate semicircular, de concha venera, que alternan con vanos adintelados. Nichos y vanos se separan por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del pórtico.

PROYECTO DE SAN PEDRO DEL VATICANO (Roma)
El Papa Julio II, decide en 1503 sustituir la antigua basílica paleocristiana de San Pedro, por una iglesia nueva y encarga el proyecto a Bramante. Éste lo concibe como un edificio de planta centralizada (cruz griega) inscrita en un cuadrado con cuatro entradas y rematada por una gran cúpula. Ésta debía elevarse sobre cuatro pilares. Otras cuatro cúpulas más pequeñas entre los brazos de la cruz y cuatro torres en los ángulos.

MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)
Nace en Florencia y tras unos años de trabajo en esta ciudad se traslada a Roma reclamado por el Papa Julio II.

SAN PEDRO DEL VATICANO (Roma)
Continúa las obras ateniéndose al plan de Bramante destacando la cúpula que se levanta sobre un tambor circular, rematado con ático, decorado con ventanas coronadas por frontones triangulares y curvilíneos alternados, columnas pareadas y guirnaldas.

LA SACRISTÍA NUEVA DE LA IGLESIA DE SAN LORENZO (Florencia)
Mandada construir por el Papa Julio II para que en ella fueran enterrados los Médicis. En realidad es una capilla funeraria. Claridad de composición: cada lado formado por tres calles. En todas ellas aparecen ventanas ciegas.

BIBLIOTECA LAURENCIANA (San Lorenzo. Florencia)
Miguel Ángel la trazó al oeste del claustro, aprovechando las estructuras preexistentes.
Es un espacio pequeño. Consta de Vestíbulo y Sala de lectura.
El vestíbulo es alto y estrecho. Coloca un podio dando sensación de monumentalidad Los muros están divididos en paneles por columnas pareadas de estilo dórico toscano. Éstas se disponen en nichos retranqueados con respecto al paño de la pared.

En ambos espacios utiliza el orden gigante.

MANIERISMO (S. XVI)
A finales del primer cuarto del XVI las circunstancias económicas, políticas y religiosas provocan una crisis que se manifiesta en el arte del Manierismo. Las obras manieristas estaban destinadas a una clientela culta y refinada.
Los pintores de esta época afirmaban pintar alla maniera de Miguel Ángel, de Rafael, en definitiva, de todos aquellos grandes del Cinquecento.
Características:
Utilizan el lenguaje clásico con absoluta libertad, empleando los elementos tradicionales pero sin respetar las reglas que los rigen y su distribución original.
Emplean los elementos arquitectónicos que no siempre cumplen una función estructural.
Buscan la sorpresa, la originalidad, el movimiento.

GIACOMO VIGNOLA (1507-1573)
Formado en la escuela romana, más concretamente en las obras de San Pedro.
Su obra más importante es:

Iglesia del Gesú (Roma)
Modelo de iglesia jesuítica mandada construir por el cardenal Farnesio. Presenta planta basilical de una sola nave.
El crucero de la iglesia, ancho, está rematado por una cúpula; la bóveda de medio cañón, se contrarresta por grandes contrafuertes entre los que hay un espacio para albergar las capillas laterales.
Decoración exuberante, pertenece al Barroco clásico.
La fachada es de Giacomo della Porta, quien introdujo algunos detalles de decoración poco clásicos, que muestran los progresos del barroquismo. Utiliza la composición ideada por Alberti. El esquema se repitió hasta la saciedad y con numerosas variantes en las iglesias barrocas de Italia y otros países católicos. Encima de la puerta de acceso a la iglesia hay un escudo del que cuelgan unas guirnaldas dentro del estilo de Miguel Ángel.

ANDREA PALLADIO (1508-1580)
Escribió un tratado titulado “Los cuatro libros de la arquitectura”. Sus principales obras están en Vicenza. Construyó muchos palacios y ‘villas’ (obras civiles) en los alrededores de la ciudad, siendo la más célebre:
"Villa Capra o la Rotonda" (Vicenza)
Villa rural que se asienta sobre una suave pendiente. Recurre a elementos de la arquitectura religiosa para construir una obra civil y también combina fragmentos de edificaciones clásicas.
Planta: Juega con elementos de gran simplicidad el cuadrado y el círculo. Es una original construcción, consistente en un cuadrado cubierto con cúpula, ofreciendo pórticos en los cuatro frentes, los cuales son imitación de los templos romanos, precedidos de escalinatas.

"Iglesia del Redentor" (Venecia)
Levantada para conjurar la peste de 1575-76, dedicada al Redentor. Planta centralizada.
El crucero se remata con una cúpula (de clara influencia bizantina) sobre pechinas con tambor, con los brazos del crucero en exedras. Aquí se encuentra el altar mayor y se colocaba el Dux y el Senado.
La fachada principal, frente al canal, está dispuesta en dos planos, enlazados por trozos de frontón, y con el frente de templo in antis, con medias columnas corintias y rematado con pilastras de igual orden y gran frontón, el vano de entrada se destaca por su propia organización a escala de columnas, entablamento y frontón.

"Iglesia de San Jorge el Mayor" (Venecia)
Es una basílica de tres naves, crucero con cúpula y profunda cabecera, todo ordenado con potentes pilares de orden corintio.
La fachada mantiene el modelo de incardinar las estructuras con los frontones y utilizar el orden gigante.
Perfección de proporciones.

PRIMITIVOS FLAMENCOS

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL
Las ciudades flamencas serán desde el siglo XIII prósperos centros comerciales e industriales en los que emerge una poderosa y adinerada burguesía, que se convierte en el principal cliente del arte, al que impone sus gustos y preferencias.
En el siglo XV surge una excepcional escuela pictórica que alcanza la misma meta que sus contemporáneos (los pintores renacentistas italianos): la representación de la realidad tal como aparece ante nuestros ojos.
La mayoría de las obras son de pequeño tamaño, ya que se producía más para las casas de los burgueses locales que para iglesias y palacios.
Los libros miniados que los duques de Berry, de Anjou, de Borgoña... poseían, exquisitamente ilustrados por pintores franceses, alemanes o flamencos, serán el antecedente inmediato de la pintura flamenca.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
El material utilizado es la tabla, pero introducen desde el siglo XIV la técnica del óleo, mejorada en el siglo XV por los hermanos Van Eyck, al utilizar aceite de linaza y nuez, cuyo secado es más rápido. Esta técnica no sólo abrillanta los colores, sino que además facilita la pintura por capas y los retoques. También permite un acabado más suave y lustroso por el uso del barniz.
Utilizan pinceles muy finos y plumillas.

Los temas serán fundamentalmente religiosos, pero con un tratamiento muy peculiar, ya que funden lo sacro con lo cotidiano (los objetos y detalles de ese mundo cotidiano tienen un significado profundo simbólico-religioso).
Introducen el retrato independiente como nuevo género a través de la figura del donante (aparecen el cuadro junto a los personajes sagrados y en plano de igualdad).

Los rasgos estilísticos de estos pintores son:
Representan la realidad tal como es observada. Huyen de cualquier idealización. Pintan los objetos como son.
Minuciosidad: consecuencia del pequeño tamaño de los cuadros. Con pinceles finísimos y plumillas, que permiten gran precisión y delicadeza, y un dibujo muy afinado, recrean detalles infinitamente pequeños(pelos de la barba, hojas de hierba...)
Interés por los elementos anecdóticos y secundarios: (pequeños objetos de la vida cotidiana, animales, etc.) reciben un tratamiento tan detallado como los elementos principales.
Gusto por el paisaje: suelen situar sus escenas en interiores, pero a través de ventanas se divisan fondos urbanos con casas, calles, ríos, gente que pasea...
Perfecta combinación de la luz y el color para dar volumen y profundidad al cuadro. El espacio pictórico se crea mediante una perspectiva intuitiva y no matemática (lineal) como los pintores italianos del siglo XV.
Los ropajes se representan con duros y aristados pliegues. Las figuras presentan formas alargadas, frontales, con poca relación entre ellas.

PINTORES Y OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS
SIGLO XV
HERMANOS HUMBERTO Y JAN VAN EYCK
A JAN Se le considera el artífice de la renovación de la pintura flamenca: buena técnica, buena ejecución y riqueza de colorido. Generalizó y perfeccionó junto a su hermano el uso del óleo. Entre sus obras destacan:
La fuente de la Gracia (Museo del Prado)
Óleo sobre tabla. Obra relacionada con “La adoración del Cordero Místico”, de San Bavón de Gante, por el tema y la disposición de los grupos de personajes.
La composición se distribuye en tres niveles:
El inferior está dedicado a la representación de la Iglesia triunfante con sus diversas jerarquías, mientras que a la derecha vemos a los personajes de la Sinagoga, vencida y ciega, ya que una venda tapa los ojos del Sumo Sacerdote.
La Iglesia verdadera (entre sus personajes: el Papa, el Emperador, un cardenal, un obispo, un rey...) y la Sinagoga están separadas por la fuente de la Gracia, en cuyas aguas flotan las Sagradas Formas, que van fluyendo sobre el manantial que nace a los pies del Cordero Místico.
En el nivel central, grupos de ángeles músicos, sirven de antesala a la parte superior de la obra, donde Dios está sentado en su trono celestial, enmarcado en un templete de estilo gótico, cuya esbelta aguja da lugar al singular remate de esta tabla.
A los pies del Señor se representa el Cordero Místico, y a ambos lados del tema central, la Virgen leyendo y san Juan escribiendo su Evangelio.
"Políptico del Cordero Místico" (Iglesia de San Bavón. Gante)
Óleo sobre tabla. Abierto consta de 12 tablas divididas en dos pisos (otras 12 en el reverso):

Déesis (San Juan Bautista oculta la piel de camello con un manto verde)
Adoración del Cordero Místico (centro abajo)
La obra destaca por el detallismo, las calidades textiles, la expresión de los rostros, la importancia del paisaje natural y urbano, el brillo de los colores (debido al óleo), la representación del espacio en perspectiva (intuida) y el juego de luces y sombras, éstas siempre hacia la izquierda, correspondiendo a la fuente de luz real de la capilla a que iba destinado el cuadro, iluminada por ventanales a la derecha.

El matrimonio Arnolfini (National Gallery, Londres)
Pequeño cuadro, de un metro escaso de altura. Se trata de un retrato de carácter privado (la boda del banquero de Lucca, Giovanni Arnolfini y Juana de Cenami). En él se representan minuciosamente todos los detalles del dormitorio en que tiene lugar la ceremonia.
Estéticamente, la pintura destaca por el protagonismo que se otorga a la línea; por su naturalismo, delicado y de una minuciosidad exquisita y la utilización de la luz.
Esta obra ha tenido gran trascendencia en la historia del arte. La iluminación de la estancia a través de un ventanal lateral será un recurso utilizado por los artistas flamencos posteriores. Pudo influir en el propio Velázquez (“Las Meninas”).

ROGIER VAN DER WEYDEN

Sus figuras son siempre elegantes y proporcionadas, y están dotadas de una gran expresividad (dolor) y dramatismo: además, sus escenas están muy bien compuestas, organizadas las posiciones de sus figuras con un gran cuidado para que el conjunto resulte armoniosamente bello.
Su obra cumbre es:
El Descendimiento de la cruz (Museo del Prado, Madrid)
Se trata de una obra realizada en óleo sobre tabla. Posiblemente estamos ante la tabla central de un tríptico.
Fue encargado por el Gremio o guilda de Ballesteros de Lovaina para su altar; pero después lo compró la reina María de Hungría, tía de Felipe II, a quien llegó más tarde por herencia.
Está concebida como un intermedio entre pintura y escultura.
Destaca la gran maestría de alojar en un espacio que no es muy grande –y además cerrado por un fondo de oro a modo de muro- diez figuras de gran tamaño, a modo de esculturas exentas policromadas. Para realizar esto pinta en las esquinas superiores una falsa tracería de madera.
La composición está equilibrada por un eje central, marcado por el madero de la cruz, el joven que lo descuelga y el propio José de Arimatea.
Presenta además una estructura cerrada: está encerrada en dos paréntesis curvos que serían las figuras de San Juan y María Magdalena, ocupando Cristo y María, que forman dos líneas paralelas inclinadas, el centro de la escena presidida por la cruz de la que acaba de ser descendido Cristo.
Las telas de los ropajes están representadas con técnica impecable, a base de pliegues duros, aristados que definen una estética muy característica del mundo flamenco –plegados flamencos-.

HIERONIMUS VAN AECKEN BOSCH. EL BOSCO
Es el pintor más original de los primitivos flamencos. Su obra despertó gran interés en España y fue pintor favorito de Felipe II·

Temas más frecuentes: religiosos o moralizantes, de carácter alegórico, todavía dentro del espíritu medieval.
Una de sus obras más conocidas es:
El Jardín de las Delicias (Museo del Prado, Madrid)
Tríptico pintado al óleo. Es un tema alegórico (la lujuria), en el que se condenan los placeres de los sentidos, representados con frutas simbólicas.
Tabla izquierda: Representa el origen de la humanidad. Aparece un paisaje dominado por la Fuente de la Vida. Dios crea a Adán, sentado bajo el drago, símbolo de la vida, y a Eva, acompañada de conejos, sapos y culebras, símbolo del pecado que se avecina. Les entrega la posesión y el gozo del paraíso, donde podrán disfrutar de la eterna juventud, de todo el conocimiento y el placer.
Tabla central: “El Jardín de las Delicias”, representa la humanidad ávida de placeres: triunfo del amor libre y del desnudo. Dominio de la corrupción.
Técnicamente el Bosco nos sorprende por la minuciosidad y el detallismo de la obra. El trazo preciso y delicado evidencia la influencia de la escuela flamenca.
Tabla derecha: Representa el fin de la humanidad. Originalísima visión del mundo infernal: una escena de pesadillas con instrumentos fantásticos y ruinas en llamas, (el castigo del pecado) poblado de demonios y monstruos que acechan a los condenados.

PINTURA GÓTICA

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL
(Ver arquitectura)

CARACTERÍSTICAS

La estructura de los templos góticos (reducción del muro) hace que la pintura mural sea escasa, adquiriendo gran desarrollo: La pintura sobre vidriera, la pintura de manuscritos y la pintura sobre tabla.
Las técnicas varían según los soportes. El óleo lo utilizarán los pintores flamencos del siglo XV.
El dibujo tiene gran importancia. La luz juega un papel de apoyo para conseguir volumen pero, en general, no es luz real y puede tener contenido simbólico.
La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría. Es una composición cerrada, con todos los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.
La temática es fundamentalmente religiosa: vida y Pasión de Cristo, vida de la Virgen y vida de los Santos. A menor escala también encontramos pintura profana (representaciones de amor cortesano, alegorías, retratos –figura del donante-).

Etapas y Escuelas:
ESTILO GÓTICO LINEAL O FRANCO-GÓTICO (desde mediados del siglo XIII hasta mediados del siglo XIV).
Su origen es francés pero se extiende por casi toda Europa, excepto Italia. La línea delimita las figuras. El color es plano sin gradaciones de claroscuro.
Aparecen los temas profanos (escenas de caza, amores cortesanos, juegos de azar, etc.)
Destaca la vidriera y la miniatura. Ejemplo: "Las Cantigas de Santa María” de Alfonso X el Sabio. Castilla.

ESTILO ITALO-GÓTICO (segunda mitad del siglo XIV)
Destaca:

La Escuela de Siena: En ella se mantiene durante un tiempo la tradición bizantina y el arte clásico. Se prefiere la línea, es un arte miniaturístico que gusta de acumular figuras y elementos anecdóticos. Falta la claridad narrativa de Florencia. Entre sus representantes destacan:
DUCCIO con su obra “Maestá”. La parte delantera representa a la Virgen María con el niño. Entronizada, con la cabeza ligeramente inclinada y envuelta en un manto azul, rodeada de ángeles y santos. Vista como reina de los cielos.
SIMONE MARTINI: Es el mayor preciosista de Siena. Su arte es refinado, elegante. Muestra también interés por el volumen y la representación en el espacio. Utiliza colores claros. "La Anunciación” (Museo de los Uffizi, Florencia). Es su obra más famosa. La escena central se articula sobre tres arcadas apuntadas. El ángel arrodillado se inclina para anunciar a María que ha concebido a un hijo. En el centro de la composición: los lirios que simbolizan su pureza. La composición es plana y el espacio apenas se insinúa. El fondo dorado de tradición bizantina subraya la trascendencia de la escena y muestra la riqueza del cliente.
La Escuela de Florencia: El iniciador fue CIMABUE, sus personajes reflejan sentimientos nuevos (dulzura o dramatismo). Entre sus obras destacan: “Virgen en majestad” (Museo de los Uffizi, Florencia. Finales del siglo XIII) con características bizantinas como el uso del fondo dorado, la composición simétrica y el hieratismo de sus figuras.
GIOTTO: discípulo de Cimabue. Rompe los convencionalismos bizantinos y es considerado el creador de la pintura moderna pero sus métodos deben mucho a los maestros bizantinos. Indagó en todos los problemas que se refieren al espacio obteniendo sorprendentes hallazgos intuitivos en la representación arquitectónica (marco en el que se desarrollan muchas de sus escenas). También trabaja el paisaje. Deja de utilizar el dorado como fondo. Sus trazos son robustos y sus volúmenes sólidos. Utiliza la luz (juego de luz y sombra)para modelar sus figuras. Rompe con los colores puros y planos. Fue el primer pintor que introdujo en sus obras el sentimiento. Se preocupa por plasmar escenas con un tinte dramático (lo consigue a través de los ojos rasgados de mirada profunda, penetrante, concentrada; los labios entreabiertos...).

ESTILO GÓTICO INTERNACIONAL.
Se caracteriza por ser una pintura realista, sus valores narrativos, su interés por contar cosas, insistiendo en múltiples detalles secundarios y anecdóticos de las historias que gusta contar. Representa a una elite aristocrática.
Hay una tendencia a la elegancia, estilización de las formas (cuerpos alargados y flexibles, ropajes, naturaleza), la línea curva. Fundamentalmente se trabaja la miniatura.
Ejemplo representativo francés es el Calendario de “Las muy ricas horas del Duque de Berry” (Museo Condé. Chantilly). Calendario perteneciente a un libro de oraciones. Las escenas se desarrollan al aire libre.